Una melodía, una armonía o un ritmo (o los tres juntos) pueden conmovernos hasta el punto de sentir la tentación de tocar la propia música: tocándola con un instrumento o cantándola. Pero, ¿cómo podemos tocar la música, que por definición es impalpable? La transcripción ha asumido esta misión: arreglarla para compartirla mejor. De la palabra oral a la escrita y viceversa, transcribir es devolver la vida.

"Al final de nuestra primera reunión, me dijeron que no habría puntuación. [Mi trabajo sería escribir todas las partes instrumentales para el pequeño conjunto de músicos franceses, que esperarían las partituras. Mis primeros contactos con la música clásica india fueron recientes y no muy alentadores. Había escuchado una grabación en directo de Ravi [Shankar] y no la entendía. En lugar de asustarme, le pedí - "rogué" sería una palabra más adecuada- que empezara el trabajo de composición antes. [...] En aquel momento no me di cuenta del impacto que este aprendizaje tendría en mi música. En ese momento, en ese estudio de grabación de los Campos Elíseos, poseía por fin las herramientas conceptuales necesarias para realizar mi trabajo.

En 1966, Ravi Shankar interpretó el papel principal en la película Chappaqua de Conrad Rooks. Como la música de Ornette Coleman fue rechazada por el director, éste pidió a Shankar que ocupara su lugar recurriendo a la ayuda de un alumno de Nadia Boulanger: Philip Glass. La tarea era más que compleja para el joven compositor, que estaba de visita en la capital por sus estudios. No estaba acostumbrado a la música india, donde la improvisación, aunque extremadamente estructurada, era la norma. A pesar de todo, se las arregló -no sin angustia- y su lenguaje musical quedaría marcado por ello toda su vida. Volvería a reunirse con Shankar años después (en 1990) para grabar uno de sus mejores discos, Passages, donde el cruce entre la música escrita y la no escrita produce maravillas de inteligencia musical. 

Por qué transcribir

Al escuchar este álbum, clasificado -a falta de una palabra mejor- como "world music", uno se pregunta dónde empieza la improvisación y dónde termina la notación precisa. La obra fue estrenada en Francia en 2019, en la Philharmonie de París, por músicos que no habían participado en la grabación. Para ello, había que crear una partitura para ellos y, por tanto, hacer una transcripción. En la música clásica occidental (y, por tanto, en la música contemporánea), la notación siempre ha tenido una cierta forma de "superioridad" sobre la improvisación. Abrir las puertas de las grandes salas de conciertos, obtener premios honoríficos de todo tipo y el reconocimiento de los compañeros requiere poner la música de uno en papel para que pueda ser leída, tocada, juzgada y escuchada. Permitir a un músico la libertad de improvisar sin haber pasado horas inclinado sobre una partitura no da la imagen de una visión musical seria.

La prueba de ello es el desprecio mostrado durante mucho tiempo por ciertos compositores contemporáneos hacia el jazz, una música improvisada por esencia. La paradoja es que el jazz es sin duda la música improvisada más transcrita hoy en día... porque esta música se ha institucionalizado y se enseña ahora en las principales escuelas. Transcribir y tocar un solo de John Coltrane(Giant Steps, por supuesto), Miles Davis u Oscar Peterson forma parte del proceso de aprendizaje. De hecho, se ha convertido en un reto en Youtube para ciertos frikis de la música anotar estos solos improvisados hasta la nota más cercana, como se muestra en esta espléndida improvisación de Jacob Collier, que ha sido transcrita con precisión - incluso hasta el tanteo de la mano izquierda... 

La brecha entre lo escrito y lo no escrito se ha hecho cada vez más grande a medida que la notación se ha vuelto más precisa y detallada. En la historia de la música, el compositor era a menudo el intérprete de su propia música (Bach, Mozart, Beethoven, Liszt, Rachmaninoff), pero estas dos profesiones han tendido a diferenciarse cada vez más. Liszt improvisaba mucho cuando tocaba sus obras (y las de otros). Hoy en día, improvisar en Liszt, Chopin o incluso Boulez sería impensable, incluso sacrílego. El intérprete debe atenerse a la fidelidad absoluta, esgrimida como una virtud. En la época barroca, un bajo cifrado y una melodía bastaban para hacer una obra, y los compositores confiaban en sus intérpretes. Cuanto más nos acercamos a nuestra época, más detalladas se vuelven las partituras, dejando cada vez menos libertad a los músicos. A veces estas puntuaciones están tan saturadas de indicaciones que sólo un ordenador puede satisfacer esta demanda de precisión. 

El placer de jugar

Los músicos de jazz, electroacústica, música alternativa y experimental han sido capaces de mantener cierta libertad: ninguna o muy poca notación, sólo un marco o cuadrícula. Pero la contrapartida es cara: sin notación, es imposible que otros reproduzcan sus obras. Sin embargo, transcribir una pieza musical improvisada para que otro músico se la apropie es una práctica pasada y cada vez más utilizada gracias a los programas informáticos de composición.
El ejemplo típico es el Concierto de Colonia de Keith Jarrett. Según el pianista, "la improvisación es la única manera de estar presente y ser fiel a uno mismo". Así, este concierto improvisado, que se ha convertido en un clásico de culto, se transcribió rápidamente para satisfacer a los aficionados a la música que querían poner sus dedos en esta música legendaria que nació espontáneamente en Alemania en 1975. Una lectura de la partitura (validada por el propio Jarrett) nos muestra lo limitada que es la notación para esa música. Todo el vocabulario musical es insuficiente para expresar la "intemporalidad" de esta música. Además, la escucha continuada de este concierto (aconsejada por el propio músico) parece imprescindible para acercarse mejor a él. Editar una improvisación no es trivial para un músico. Significa congelar lo que no debía congelarse en primer lugar, y al mismo tiempo insuflar nueva vida a su " obra" (es decir, en este caso: su disco) gracias a una nueva interpretación. 

Quienes lo han escuchado lo confirman: las improvisaciones del compositor francés Déodat de Séverac, regionalista convencido y muy interesado en el folclore francés del suroeste, superan con creces todas sus obras escritas. La espontaneidad, la libertad y la energía del momento que ofrece la improvisación le permitieron sin duda florecer y alejarse de la rigidez de la escritura. Así, sus obras más bellas se quedaron sin escribir.
El húngaro Béla Bartok, el armenio Komitas y el australiano Percy Grainger hicieron lo mismo, inspirándose en la música popular transmitida oralmente. Estos artistas realizaron un valioso trabajo de recopilación y transcripción de melodías populares -a menudo despreciadas por el mundo académico-, grabándolas como archivos sonoros e integrándolas en sus composiciones originales y en
. Toda una parte del arte musical que estaba destinada a ser transmitida sólo oralmente se hizo así accesible a todos los que leen música. El material fijo no escrito se hace popular más rápidamente y gana una forma de legitimidad, un reconocimiento institucional. En el caso de Komitas, también permite escuchar la voz de los más pobres, los oprimidos y los olvidados, como en esta canción popular de 1905 que relata las masacres armenias, recogida y sublimada por el compositor.

Del sonido a la escritura

Las librerías de música están cerrando una tras otra. Pero, ¿cuál es la causa exacta de la desaparición casi total de las tiendas de música en Francia? Si comprar una novela en la librería local en lugar de hacerlo en Amazon es un gesto inteligente y eco-responsable, entonces descargar una partitura gratis de IMSLP (International Music Score Library Project - una biblioteca en línea con más de 432.763 partituras libres de derechos) o pedir una partitura en Internet se ha convertido en un reflejo desafortunado, pero demasiado común entre los amantes de la música (así como entre los profesionales).
Esta es una de las razones por las que las librerías de música son cada vez más escasas. Pero no es el único. La notación de la música ha disminuido claramente desde la segunda mitad del siglo XX con la llegada de la grabación. Se puede ser un músico famoso, un grupo de música pop famoso sin haber sostenido nunca un lápiz apuntando a un pentagrama (o haber utilizado un ordenador). Es, además, la posibilidad de conservar una interpretación musical sin escribirla lo que ha permitido la extrema popularización de la música, que se ha convertido en un sector económico más que rentable.

La posibilidad de grabar ha cambiado completamente la baraja en el mundo de los músicos. Ahora es posible tocar y difundir su música sin saber leer una clave de sol, simplemente tocando y grabando. Las complejidades de la lectura de los agudos ya no son un problema, y el aficionado con picazón en los dedos puede por fin compartir su música.
La música de Harold Budd, Brian Eno o William Basinski (por nombrar sólo a tres de los popes de la música ambiental) existe a través de la grabación y se populariza tal cual.
Sin embargo, en los últimos años han resurgido los conciertos en los que se interpretan estas obras puramente fonográficas, que nunca han sido editadas, en el escenario. Por ejemplo, Music for Airports de Eno fue transcrita por Didier Aschour para su conjunto Dédalus; Apollo: Atmospheres and Soundtracks, del mismo compositor, fue interpretada en el festival Ars Musica de Bruselas el 19 de noviembre de 2022 por el conjunto Sturm und Klang; Los bucles de desintegración de William Basinski se interpretará en Le Lieu Unique el 25 de noviembre de 2022 en una versión en vivo con orquesta.
La paradoja de esta música no anotada que por su éxito se convierte en música (anotada) pone de manifiesto que: 1/ la música en vivo no está muerta como a veces se afirma (aunque la reciente pandemia no haya contribuido a contrarrestar esta opinión); 2/ transcribir una obra musical no escrita sigue siendo la mejor manera de hacerla vivir.

 

Posible misión

Mientras haya música compuesta, habrá músicos que la toquen.
No importa cómo esté compuesta, tendremos que encontrar la manera de aprenderla. Por el momento, la notación de solfeo sigue siendo la forma más sencilla y universal (y complicada al mismo tiempo). Existen alternativas: en YouTube hay innumerables tutoriales de piano, violín y otros que explican visualmente -inspirados en el videojuego Dance Dance Revolution (un videojuego japonés de culto sobre el baile con los pies)- cómo colocar los dedos en los momentos adecuados del instrumento; sólo que este método evacúa todo lo que hace interesante la música (matices, articulaciones, fraseo, etc.) y sólo se interesa por los aspectos técnicos y deportivos de una interpretación.
La transmisión oral por imitación es también una solución muy utilizada, pero excluye el placer solitario del aprendizaje e impide de facto abordar obras de gran complejidad polifónica.
Por lo tanto, la solución sigue siendo la transcripción. La fidelidad más rigurosa es el gran reto de esta práctica. 

He aquí algunos ejemplos de transcripciones particulares.
Giacinto Scelsi no escribió su música. Improvisaba al piano y un transcriptor (el más famoso fue Vieri Tosatti) lo reescribía todo en una partitura. Luego se aislaba y, tras intercambiar con Scelsi sobre cuestiones de matices, orquestaciones, etc., anotaba la música con precisión: "componía a Scelsi ". Sin este transcriptor, ¿quién interpretaría a Scelsi?
Georges Gurdjieff y su amigo, el compositor ucraniano Thomas de Hartmann, colaboraron en París para componer piezas de asombrosa belleza de una forma totalmente original: Gurdjieff, junto al fuego, silbaba, cantaba, susurraba melodías captadas durante sus viajes de juventud por Oriente y Asia para que Hartmann las anotara en el piano. El resultado fue una colección de más de 160 piezas de folclore imaginario o real.
El compositor mexicano Conlon Nancarrow quiso prescindir de las limitaciones técnicas de los intérpretes y, mucho antes de la invención de los ordenadores, empezó a componer directamente para piano de rodillos mecánicos (los únicos instrumentos capaces de tocar tantas notas con una precisión rítmica diabólica). Así, su forma de transcribir la música no era a través del solfeo, sino simplemente perforando a mano estos famosos rollos. Thomas Adès hizo el camino inverso, transcribiendo para dos pianos algunos de sus famosos Études transcendentes.

Partituras de Gurdjieff - Nancarrow - Lauten

Elodie Lauten, compositora francesa formada con Monte Young, amiga de Terry Riley, e injustamente olvidada en Francia, era una pianista virtuosa cuyas obras para piano eran a menudo improvisadas por ella misma. Kyle Gann, memoria viva de la música minimalista desde los años 70 hasta la actualidad, ha dedicado mucho tiempo a transcribir algunas de sus abrasadoras obras(Cat Counterpoint, Adamantine Sonata, Sonate Ordinaire, Sonate Modale, Variations on the Orange Cycle) para entender su forma de componer.
Explica: "Aunque compuso muchas obras de conjunto en notación convencional, la improvisación era una forma cómoda de componer para ella y consideraba que una pieza estaba terminada después de tocarla; la notación no era necesaria. Sus piezas evolucionaban a medida que las tocaba, ganando y perdiendo secciones. Al igual que La Monte Young, que fue su mentor durante un tiempo, concibió relaciones melódicas y armónicas que tienen una identidad reconocible pero que pueden improvisarse en patrones extensibles. Se trata de obras muy importantes y hermosas, y espero que sea posible asegurarles un lugar permanente en el repertorio histórico"(2)
Después de pasar horas poniendo sobre el papel The Well-Tuned Piano de La Monte Young y desvelando al mundo la obra maestra November (1959) de Dennis Johnson, Kyle Gann continúa con su empresa de transcripción increíblemente fiel, para que los intérpretes de hoy puedan a su vez hacer suyas estas composiciones espontáneas no escritas e inefables. 

François Mardirossian

(1) Philip Glass, Words Without Music, Philharmonie De Paris, 2017.
(2) Kyle Gann, Elodie Lauten as Postminimalist Improviser - Presentado en la Conferencia de Minimalismo en Helsinki, septiembre de 2015 - https://www.kylegann.com/Lauten-Postminimalist.html