Olga Neuwirth: La música como protesta política

Entrevistas 28.09.2022

Desde su primera ópera, Bählamms Fest (Una ópera de animación) (1992/93-1997/98), Olga Neuwirth ha desarrollado un género músico-teatral que desafía los formatos tradicionales del escenario de la ópera; con el deseo siempre presente de representar espacios e identidades en constante cambio, busca borrar las fronteras entre lo real y lo virtual, entre el pasado y el presente, utilizando el poder de la electrónica y el vídeo. The Outcast es portadora de un material rico y heterogéneo que la compositora modela a su antojo, releyendo la obra desde el ángulo de la crisis política, social y medioambiental que atraviesa nuestro mundo en la actualidad: "Sacudir los sentidos, conmover el alma, ese es mi objetivo al componer The Outcast", escribió en 2010, cuando trabajaba en los primeros bocetos de la obra: "despertar los oídos, los ojos y los pensamientos más allá de las fronteras que se erigen por doquier y de nuestras limitaciones económicas". A través de la locura de Moby Dick y del propio Melville".

¿Quémotivó su interés por la novela Moby Dickde Herman Melville ?
Olga Neuwirth: Me intrigaba el personaje de Melville que, a diferencia de su exacto contemporáneo Whitman, ya no se sentía en casa en su propio país. El destino de este perspicaz escritor político y sismógrafo de su tiempo, que puso un espejo ante su país y provocó reacciones tan defensivas, empezó a fascinarme. Me atrajo este hombre que no se ajustaba a las normas y convenciones de su tiempo, ni como persona ni como autor, y que nunca se cansó de blandir su pluma contra los poderes fácticos. Con Moby Dick, Melville mostró inexorablemente al mundo que le rodeaba lo que se negaba a ver. ¿No es esto el arte como protesta política?
Durante una estancia en Manhattan, asistí a una producción de la obra de Orson Wells Moby-Dick-Rehearsed. El escenario estaba casi vacío, los actores iban vestidos de calle y la escenografía era muy parca, haciendo que el público se imaginara el océano, el pequod y la ballena; esto me hizo querer poner en escena este gran libro y releer Moby-Dick en su versión original en inglés. El lenguaje rico, complejo, versátil y a menudo irónico de Melville, así como su estructura narrativa no uniforme y su método descriptivo para trazar los recuerdos, me dejaron asombrado.

¿No tenía la idea de escribir una ópera en ese momento?
Empecé a escribir un guión cinematográfico porque quería traducir en imágenes mis propias visiones de la soledad, el odio, el deseo, el dolor y la búsqueda de la identidad. También realicé una amplia investigación. Fui a Arrowhead, donde Melville escribió Moby Dick, y al Monte Greylock, la "ballena blanca" que podía ver desde su oficina. Hice de Ishmael el personaje central de la historia y convertí a este buscador de identidad en una mujer que vaga sola y abatida por los cañones urbanos de Nueva York, pues todos los personajes de Moby Dick son vagabundos.

También inventa el personaje del viejo Melville. ¿Qué lugar le das?
Al inventar un personaje llamado Old Melville en mi guión, saqué a Herman Melville de la tumba. Fue enterrado a bombo y platillo en los años 20, cuando se le inmortalizó como estrella de la literatura norteamericana, mientras que terminó su vida en el más absoluto desprecio y olvido. El viejo Melville retrata su fracaso, su búsqueda y desesperación, su deseo de comprender y su determinación de encontrar la verdad, en la que persiste aunque sabe que las posibilidades son infinitas. Por no hablar de sus reflexiones sobre el ansia de poder y el deseo de gobernar. Mira constantemente detrás de lo que le atormenta, porque cree en la validez del funcionamiento de la mente humana cuando se enfrenta a fenómenos reales. Expresa su duda perpetua, especialmente cuando se trata de la cuestión de Dios y de las razones de la conducta humana.

Al final, la película no pudo realizarse, pero el encargo de una ópera para el Teatro de Mannheim le permitió finalmente llevar el proyecto al escenario musical. A continuación, ha llamado a los colaboradores...
Tuve claro que quería mantener al menos los personajes del Viejo Melville que había creado originalmente para la película. Al mismo tiempo, quería echar otro vistazo a la complejidad del "mundo de Melville". Así que seguí el ejemplo de John Huston (que recurrió a Ray Bradbury y Charles Olson para el guión de Moby-Dick) enviando una solicitud al escritor estadounidense Barry Gifford. Le pedí que viera Moby Dick a su manera, siguiendo mi idea del viejo Melville. También pedí a la escritora austriaca Anna Mitgutsch, que había pasado años estudiando a Melville, que escribiera los monólogos del viejo Melville. Para mí, no se trataba de interpretar el texto a través de la música, sino de situar las referencias y citas de la vida y la obra de Melville de forma evocadora y emotiva en un espacio musical, no como una evaluación, sino como una base para la discusión, quizá bajo la rúbrica de "Tómalo o déjalo".

Hubo que condensar esta larga narración, ajustarla; ¿cómo surgieron las elecciones dentro de la novela?
Moby Dick es un conglomerado de estilo, juegos de palabras, historia natural, filosofía, lenguaje exuberante y efervescente, procesos conscientes y subconscientes de la mente humana, y una crítica a la destrucción de la naturaleza, la codicia y los delirios de grandeza humanos. Cada capítulo, cada frase es un universo en sí mismo. ¡Qué maravilla! La perspectiva narrativa no uniforme, su material heterogéneo y la prosa que oscila entre los temas de la calma plana y la tormenta, el inevitable flujo y reflujo y las múltiples acciones que surgen de dicha calma, estimularon mi fantasía musical. Pero, al igual que Orson Welles, no quise dramatizar la ballena o la caza de ballenas porque el libro es tan complejo y diverso que desafía la representación en el escenario. Pensé que una confrontación entre el amor y la pérdida del amor, las experiencias traumáticas, el dolor, el deseo, la muerte, la disolución de los límites y la angustia expresada en una amplia variedad de pasajes y perspectivas musicales podría remitir a los oyentes a sus propias asociaciones y que, durante la actuación, estas "aguas musicales del alma" podrían generar imágenes en la mente de todos...

Junto a los cantantes, se presenta un narrador encargado de los monólogos...
Estos monólogos -que han molestado a algunos- son pronunciados por el actor que interpreta al viejo Melville. Herman Melville también fue criticado por los largos segmentos documentales "científicos" sobre la caza de ballenas en su novela. Incluso hoy en día, se consideran pasajes largos y arduos que impiden el flujo de la historia. Por mi parte, encuentro que los encartes de la caza de ballenas están perfectamente colocados; sucede, por así decirlo, a medida que avanza el libro. Estos pasajes se van haciendo menos frecuentes y se abandonan por completo antes de la catástrofe, el final apocalíptico. Quería conservar esas interrupciones de la historia ocasionadas por las digresiones sobre la cetología, aunque en mi caso las interrupciones serían el resultado de las reflexiones del viejo Melville sobre su vida en la desolación de una habitación vacía, entre los escombros de sus sueños.

¿Cuál es su enfoque musical de la multitud de acciones y personajes que recorren la historia?
"Hay empresas", declara Ismael, "en las que el desorden cuidadoso es el verdadero método". En efecto, hay una red de referencias desconcertantemente densa, como un archipiélago. Lo mismo puede decirse de la música: un flujo de líneas vocales solistas y bloques de voces corales, estallidos de sonido, tejidos sutiles, superposiciones y densificaciones, paisajes sonoros hablados y cantados, orquestales y electrónicos, así como chasquidos que reproducen musicalmente a los cachalotes. Con el tiempo, se abren diferentes espacios musicales, porque para Melville el espacio no es una abstracción sino una experiencia central. Para él, el Pacífico era una experiencia del espacio.

Otro marginado, el personaje de Ahab, comandante del Pequod que perdió una pierna en una pelea con la ballena blanca, es fundamental en la novela...
¿Representa Ahab el sueño americano enloquecido? ¿O la creencia de que él es el mundo y que, por tanto, el mundo está bajo su mando? ¿Es alguien que ya no tiene corazón pero cuya mente sigue intacta, y que busca subyugar su voluntad a todo recurso? No tengo la respuesta, pero lo que sí sabemos es que la despiadada campaña de venganza de Ahab lo aplasta todo. Es una persona llena de rabia apoplética y un sentimiento de mortificación narcisista y autoestima dañada. Mientras su odio y sus delirios de grandeza le impiden desmoronarse, sus estados patológicos atraen a toda una tripulación a su destrucción. Ahab es un demagogo que manipula a sus fieles seguidores con episodios de adulación y fanfarronería. Con sus diatribas y su odio cada vez más concentrado, alimenta la creencia de los marineros en la importancia de su cruzada de venganza. Desde el punto de vista del sonido, lo que me interesó de Ahab es que al principio habla con voz fuerte y asertiva, mientras que los miembros de su tripulación hablan con vacilación y cautela. Sólo cuando Ahab los atrae con dinero se unen a sus delirios. Ahab ha dejado claro el propósito de su viaje: gobernar la naturaleza. La tripulación no comprende el precio de las fantasías de omnipotencia y venganza de este hombre, un hombre solitario que rechaza cualquier forma de consuelo. Cuando Ahab se refiere a la necesidad humana de encontrar un sentido al sufrimiento en la tierra, toda la tripulación rompe a cantar el odio. La prosa cantada de Ishmael, el tartamudeo de Pip, la energía y el melisma vivaces e inconfesables de Queequeg -además del Coro de la Tripulación y el Coro de Niños- contrastan con el discurso lacónico e inconexo de Ahab. Así, en muchos sentidos, los papeles del canto ya estaban distribuidos en el libro: en la yuxtaposición de entonaciones y formas de expresión contrastadas.

¿Por qué Ismael, que es un personaje del libro pero también el narrador, se convierte en Ismael en ¿Perdido, Ishmael?
A las mujeres no se les permitía trabajar en los barcos y, cuando se atrevían a hacerlo, tenían que disfrazarse y ocultar su identidad. Este elemento de metamorfosis, de transición, los convertía en figuras enigmáticas entre el mito y la realidad. De ahí el cuadro de G.F. Watts titulado: "Se llamará mujer". Muestra la figura de Eva en el momento de su creación a partir de una cornucopia de flores, pájaros, agua y nubes... Para mí, la idea de que toda mujer tiene derecho a vivir una vida buena y plena en libertad siempre ha sido crucial. Y esto es algo que he intentado expresar a través de mi música muchas veces. Creo que es importante creer que todo el mundo merece una vida que merezca la pena. Tenemos que dar testimonio de ello. Melville lo hizo. Estaba en contra de la idea de confinar y congelar a nadie en una sola identidad.

The Outcast, como Moby Dick, comienza y termina en la soledad. Sin embargo, ¡habla de un mensaje de esperanza!
Aunque
todo lo que queda (como en mi ópera Carretera perdida) es una crónica de violencia, amor, pérdida y dolor, los marginados -los desorientados y alienados, como Bartleby, Ishmaela, Queequeg, Pip, el Coro de Niños y el propio Herman Melville- son para mí símbolos de esperanza porque hablan de amor, cada uno a su manera. En una época de uniformidad y conformidad, y de necesidad constante de funcionar bajo presión financiera, son ellos los que pueden abrir un reino edénico potencialmente diferente, revelar las extensiones del alma y dispensar calor humano.

Michèle Tosi

Foto Olga Neuwirth © Priska Ketterer.
Foto Orson Wells © Daily Mail/Shutterstock - Ensayo de Moby Dick

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