Las mil y una vidas de Juliet Fraser

Entrevistas 13.05.2022

Escuchamos a Juliet Fraser cantar cada vez más a menudo en Francia: en el Ircam, en la Cité de la Musique, en el Muse en Circuit, en el Gmem de Marsella... Entre dos conciertos y tras una magnífica versión de "Skin", una composición de Rebecca Saunders concebida para Juliet Fraser, hablamos de los hilos que teje la músico: su carrera de solista, y sus actividades como comisaria de un festival en Londres y codirectora artística de un sello dedicado a la música actual.

Julieta, ¿cuál es su relación con Francia, con las instituciones y los compositores franceses? Ha cantado la música de Georges Aperghis, Gérard Grisey y, más recientemente, Pascale Criton...
En realidad, creo que mi relación con Francia está en constante evolución. El hecho es que hablo francés, y honestamente es el único idioma que hablo, aparte del inglés. Y en cuanto tuve la oportunidad de trabajar en Francia, la aproveché. Así que tengo una relación especial con este país.
En 2008, decidí pasar dos meses en París. Por aquel entonces ya había creado el conjunto vocal EXAUDI (que cumplía 6 años de existencia). Fue un momento especial en mi vida. Estaba buscando una nueva dirección.
Me tomé estos dos meses para hacer balance: dejé todo en Inglaterra por un tiempo, vine a París para descansar, conocer gente y pensar en el tipo de vida que quería. Fue muy importante para mí. En aquella época, recuerdo, hubo una reunión enel Ircam para un proyecto con EXAUDI y el conjunto L'Instant Donné, en torno a la creación de una pieza de Gérard Pesson. Ha quedado en mi memoria, porque en ese momento, sin duda, algo se movió.
Luego trabajamos juntos varias veces, EXAUDI y l'Instant Donné.
Luego, la colaboración con Royaumont, y con el Ircam, que fue una institución muy importante, tanto para el EXAUDI como para mí como solista, ya que en 2020 canté la pieza "The Mouth" de Rebecca Saunders (para soprano y electrónica). Aparte de este fuerte vínculo con el Ircam y Royaumont, mis experiencias con los CNCM (Centres Nationaux de Création Musicale) son mucho más recientes: acabo de trabajar en La Muse en Circuit, en el Gmem y en el Théâtre Garonne, pero invitado por el Gmea. Es fantástico descubrir estos equipos y este sistema musical, porque no existe en Inglaterra. Todo es nuevo para mí.

¿Aprendiste francés en la escuela?
Sí, y pasé varias vacaciones en Francia cuando era joven. ¡Y me encanta París! Tengo predilección por Francia, aunque también tengo relaciones bastante fuertes con otros países, como Alemania y Austria. Es como un patchwork... Tengo conexiones y amigos en toda Europa. Me siento como un músico europeo.

¿Podemos hablar de su colaboración con la compositora Pascale Criton en su nueva obra con orquesta "Alter"? ¿Qué textos canta?
Hay tres textos: uno en francés (algunas palabras de Pascale), otro en árabe y otro en inglés escrito por mí. Pascale eligió algunas palabras de un ensayo ("Inside Out") que escribí durante el encierro, a finales de 2020. Hemos trabajado bastante juntos en los últimos años, pero la investigación aún no está clara, ya que ella quería escribir primero una pieza en solitario con electrónica para mí. Esta pieza debía estrenarse primero, pero se pospuso. Al final, todos nuestros intercambios mezclan las ideas de las dos piezas, y es un poco borroso... Sin embargo, me pareció que la investigación de Pascale siempre estuvo del lado del sonido, de las sensaciones del sonido y de los fenómenos acústicos.

Supongo que canta los microintervalos, porque el universo de Pascale Criton lleva ya algunos años explorando este espacio.
Imagino que ya habrá realizado este tipo de trabajos con otros compositores.
Sí, he cantado muchas piezas con sistemas microtonales. A menudo, en este tipo de enfoque, los efectos de los microintervalos son inesperados, o al menos muy diferentes de lo que se puede leer en la partitura. Pero debo decir que Pascale tiene un enfoque particular de los microtonos. Lo que busca son los latidos entre los sonidos estables y los sonidos que están muy cerca unos de otros, pero que se mueven un poco. Me gusta hacer eso.
Por cierto, tengo un poco de problemas con el temperamento igual. Nunca he entendido por qué la voz debería estar "limitada"; ¡se puede cantar cualquier tipo de intervalo!
Siempre pienso en términos de sentimiento, aunque sea un sistema muy intelectual. En realidad, este ejercicio de sentir en relación con otra cosa -este roce- es algo muy físico, muy sensible, ¡y eso me gusta!

Julieta, para mí, no eres una cantante como las demás, en la medida en que te gusta analizar la música y hablar de tu práctica, de tus compromisos con la creación. Usted representa lo contrario de la imagen típica de un cantante. Ha escrito varios ensayos sobre música, tenemos varias entrevistas con usted, varios podcasts. Has mencionado el vaivén entre lo intelectual y lo sensible, y finalmente cuando cantamos la música de hoy en día estos dos aspectos suelen ir unidos.
Es cierto, pero al mismo tiempo creo que siempre tenemos ese equilibrio entre el intelecto y la sensibilidad. Creo que este es el punto de partida de la práctica musical. Porque cuando ensayas en casa, estás más involucrado en el lado racional -te criticas, deconstruyes, tomas decisiones, pruebas cosas- pero cuando estás actuando, tienes que dejar todo eso de lado, para entrar en otra dimensión, regida por el instinto y la sensación. Así que siempre hay esta tensión entre estos dos lados, esta extraña combinación.
Lo que dice sobre mi enfoque de la música es para mí la combinación natural de estas dos perspectivas, pero al mismo tiempo, creo que es importante hablar de cosas prácticas, concretas, para dar una imagen tridimensional de un artista, porque siempre existe esta especie de mitología en torno al canto: la imagen de la diva, la cantante, la soprano... ¡y yo odio eso! De hecho, quiero mostrar algo mucho más humano, y también más complejo.

Volviendo a Pascale Criton, y a su proceso de trabajo con los intérpretes, sé que es importante para ella trabajar mano a mano con los músicos; es casi un proceso de composición con varias personas, y a menudo la música sólo se realiza el día de la creación en concierto. ¿Es así como lo experimentas?
Sí, eso es exactamente. Y aunque he recibido la partitura de su nueva obra, siento que sólo se hará realidad cuando la cante en el escenario: ¡es tan compleja, hay tanta sutileza, los detalles son tan finos! Y hay sonidos que aún no puedo imaginar, porque serán el resultado de todas las líneas interpretadas por los instrumentos... ¡Imagino que hasta Pascale debe tener dudas sobre el resultado final! De hecho, la experiencia me dice que la música se construye hasta el último momento...

¿Podemos hablar de otra colaboración con un músico francés, ya que hablamos de Francia? Estoy pensando en su dúo con el contrabajista Florentin Ginot y en la creación en gestación: "Todos somos líquenes"...
Florentin y yo nos conocimos en 2018. Hicimos una gran obra de Rebecca Saunders, con Musikfabrik. En esta pieza había inicialmente una pequeña parte para voz y contrabajo, lo que nos dio la idea de hacer un gran proyecto juntos. Comenzamos nuestra investigación en 2019, pero por razones que conocemos, ¡solo se está llevando a cabo este año!
Para "Todos somos líquenes" encargamos al compositor checo Martin Smolka y a la artista multidisciplinar polaca Anna Zaradny. Ahora está de gira y se ha convertido en un proyecto muy especial. El año pasado, para prepararnos, también hicimos un pequeño proyecto a dúo en Aberdeen con la música de Pascale Criton y parte de la nueva obra de Martin Smolka; una especie de laboratorio, antes del gran proyecto de este año. En junio, también propondremos un retrato de Georges Aperghis.

¿Cuál es su relación con la música de Georges Aperghis? ¿Creo que has cantado sus Recitaciones?
¡Oh, sí, lo he hecho! He cantado las "Recitaciones", ¡como casi todos los cantantes que quieren explorar la música contemporánea! Y para mí, como para muchos cantantes, es una pieza que abrió un campo increíble de posibilidades. Creo que fue en 2010, o algo así... Recuerdo la primera vez, cuando di un recital en solitario en Londres, sólo con música contemporánea. Ese fue un punto de inflexión para mí. Había llegado a una etapa en la que tenía que decidir: "¿Puedo intentar ser solista? ¿Es esto lo que quiero hacer, estar solo en el escenario?
Porque hasta entonces formaba parte de conjuntos como el EXAUDI, u otros conjuntos y coros; cantaba mucha música contemporánea, y también barroca o renacentista... pero la verdad es que estaba un poco frustrado. Así que con este recital en solitario llegó el momento de plantearme esta pregunta: "¿quiero ser solista, y qué significa eso?"
Y el trabajo que hice en los "Recitations" fue muy importante para mí, porque había algo muy especial para mí en esta partitura. Era como un secreto que se revelaba de repente, o un rompecabezas que tomaba forma: me ponía a cantar la partitura, repetía las fórmulas, una, dos veces... ¡y de repente se revelaba el carácter o el espíritu de la "Recitación"! Era como si en los sonidos se escondiera una bestia, un organismo vivo, algo muy concreto y claro, que de repente se reveló, ¡y me encantó! Y me gusta mucho la combinación de precisión y libertad que caracteriza a la música de Aperghis. Además de las " Récitations", también canté las "Monomanies", pero por lo demás no canté mucho su música.

Así que en algún momento decidió emprender una carrera en solitario. Cuando presenta su trabajo y su campo de exploración (me refiero a su biografía oficial en la página de su sitio web), menciona "las aristas de la música contemporánea". Es una forma muy específica de hacer las cosas.
Es cierto, ¡es un poco especial! Pero a menudo lo que se lee en una biografía me molesta tanto... En esta fórmula está mi lado poético, y también siempre un deseo de precisión: intento formular estas consideraciones "profesionales" de forma personal. "Bordes nudosos" es una fórmula poética; significa "nudoso" -se dice de las manos o de un árbol-, así que es un poco la imagen de algo orgánico, que se transforma, y que no tiene una belleza evidente al principio...

¿Algo que se resiste y que requiere fuerza de voluntad, ganas de hacerlo suyo y terquedad?
Sí, eso es. Sobre todo, me gusta que sea una expresión inesperada y difícil de definir, lo contrario de un cliché.

También escribe que le gusta cantar música "nueva" y obras escritas especialmente para usted. Sabemos que es un patrocinador muy activo. ¿Significa esto que escucha mucha música, que siempre está a la búsqueda de nuevas direcciones en la música?
Sí, ya sea para la programación de obras existentes o para encargos, la investigación requiere tiempo y energía. Pero es absolutamente necesario, cuando tienes tus propias ideas, tus propios deseos.
Encargar piezas es una forma de dar forma, de "esculpir" el repertorio, y de dar una plataforma a los artistas que me interesan, pero que tal vez no tienen todavía un espacio... ¡o de confiar en mi instinto! No puedo tumbarme en el sofá y esperar a que aparezca un nuevo repertorio. (Risas). Quiero seguir mis intereses.

¿Quizás también para evitar que a veces los programadores tiendan a una forma de uniformidad?
Sí, tal vez. Sinceramente, creo que se trata de ser activo en lugar de reactivo, de tener mis propias ideas y también de crear colaboraciones o relaciones creativas en las que pueda invertir. ¡Porque es agotador trabajar con alguien! (Risas) Así que, en mi opinión, es mejor poder elegir, estar muy comprometido en este proceso.

Le gusta crear obras nuevas, descubrir, pero eso no le impide cantar y volver a cantar "Skin" de Rebecca Saunders; ¡este verano cantará "Skin" por vigésima vez! ¿Es la pieza que más has cantado?
Sí, después del Mesías (risas), ¡y me encanta! Por cierto, antes he hablado de la importancia de Georges Aperghis en mi carrera, pero antes tengo que hablar de Rebecca Saunders, que es quizá diez veces más importante para mí. 

¿Cómo se produjo la reunión?
De hecho, ¡me eligió a mí! Es realmente gracias a ella que me convertí en lo que soy hoy. Sabía que me había elegido para esta obra, a pesar de que un festival había intentado disuadirla, diciendo que nadie me conocía y que se necesitaba una estrella. Pero es tan testaruda como yo (risas), ¡y se mantuvo firme! Así que tuve la oportunidad de trabajar con ella, y escribió 'Skin' para mí en 2016. Hicimos cuatro o cinco sesiones juntos en su estudio de Berlín. La primera vez, ¡estaba muy ansioso! Le canté pequeñas piezas, piezas de Aperghis, Enno Poppe y otros, y muy rápidamente pasamos a formas de improvisación, experimentando con algunos gestos -exploramos los registros de la voz, sobre tal o cual vocal- y "Skin" fue escrito así, con mi voz en sus oídos. Así que estaba realmente hecho a medida. Por eso me viene tan bien. 

¿Como algo que siempre has usado?
Sí, lo es. Pero debo decir que mi voz ha cambiado con los años. Tardé mucho tiempo en encarnarlo plenamente, en encontrar todo lo que buscaba en él.

¿Hablan juntos de esta evolución?
¡No es cierto! Tal vez surja a pesar de todo en el hecho de que su última pieza "La boca", también escrita para mí, es muy diferente. Probablemente también se deba a su propia evolución, a la evolución de sus deseos artísticos, o quizá sea una combinación de nuestros dos caminos. Lo cierto es que hoy puedo hacer cosas con mi voz que no podía hacer hace cuatro o cinco años. Así que pude hacerle diferentes sugerencias para "La Boca".

¿Qué ha cambiado exactamente en su voz en los últimos años?
Básicamente, es el cuerpo el que cambia. Me estoy haciendo mayor; soy más fuerte. Hoy tengo 42 años, ¡no soy la misma que hace ocho años! Sabemos que el cuerpo, y por tanto la voz, cambia; no es como un clarinete, que no se mueve. Todos tenemos que negociar con estos cambios físicos (hormonales, de salud, de edad...); es parte de ser cantante. Además, hay que tener en cuenta el trabajo técnico, porque también hay cosas que cambian. He trabajado mucho en los últimos años y ahora puedo hacer cosas técnicamente que antes no podía. ¡Y creo que ahora tengo un poco más de valor! Gracias a ello pude hacer propuestas a Rebecca para "La Boca", algo que nunca me habría atrevido a hacer antes. También es una cuestión de autoconocimiento y de confianza en mi instrumento.

¿Una forma de seguro?
Sí, lo es. Cuando conocí a Rebecca, estaba en un lugar diferente. Hay que decir que "Skin" fue un punto de inflexión para mí en relación con las preguntas que me había planteado anteriormente: "¿Puedo ser solista, quiero? Estas preguntas se habían vuelto casi obsesivas, porque sentía que no podía postergarlas por mucho tiempo, y que tenía que decidirme rápidamente, si quería cambiar de dirección. Existe una terrible presión sobre los jóvenes músicos -especialmente las mujeres- para que demuestren su valía "antes de que sea demasiado tarde". Este año 2016 fue muy especial: me debatía entre una especie de terror y alegría, y era difícil vivir... Estaba como "al límite" de mis posibilidades, así que no sabía, si sería capaz de hacer honor a las creaciones que había soñado durante tanto tiempo. Pero poco a poco encontré la fuerza para ello.

¿Por qué este miedo? ¿Porque psicológicamente estás más expuesto como cantante solista que como instrumentista?
En realidad, es una combinación de factores. Cuando estás acostumbrado a cantar junto a músicos que conoces muy bien (la experiencia del conjunto vocal), la situación cambia radicalmente cuando te sientes solo en el escenario. También hay muchas "pequeñas cosas" que cambian: viajas solo, llegas solo a los ensayos. No hay nadie con quien ser vulnerable o honesto. ¡Todo eso es un gran cambio!
Además, está la expectativa que los demás tienen de ti, toda la "mitología" del cantante: lo que tengo que ser como solista, cómo tengo que comportarme...
Así que de repente me encontré en un mundo y una forma de hacer música completamente diferentes. Y aunque quería este cambio, ¡era un verdadero descanso! Luego te acostumbras, pero lleva tiempo...

Es un tema un poco tabú, ¿no? Rara vez se discute...
Me temo que sí.

¿Y sus dúos? ¿La del pianista Mark Knoop, por ejemplo, o la de Florentin Ginot?
En este sentido, es cierto que sigo considerándome un músico "de cámara". Esas son mis raíces, como oboísta y como cantante. Esta idea de formar parte de un pequeño conjunto es lo que siempre me ha gustado. Así que, aunque ahora soy solista, he mantenido esa mentalidad. Sigo intentando sentirme parte de un conjunto, en la forma de cantar y de escuchar también.

¿Incluso cuando cantas en solitario con la electrónica?
Ah, eso es lo más difícil, por supuesto, ¡pero encuentro soluciones! Lo que realmente me gusta es que me "obliguen" a escuchar. En cuanto lo escucho, me relaja un poco, me mantiene la mente ocupada.

En cierto modo, ¿es una distracción?
Sí, porque estoy en una situación de escucha más que de "proyección". Así que los dúos para mí son la posibilidad de tener esta relación de música de cámara, este espíritu durante los ensayos: divertirse, tomar decisiones juntos, hacer magia en el escenario, asumir riesgos, compartir todo eso... Así que, por supuesto, hay que elegir a los compañeros adecuados, ¡pero he tenido suerte hasta ahora! Mark es genial, y Florentin también...

¿Cómo surgió su amor por la música? ¿Sus padres eran amantes de la música?
Sí, siempre ha habido música en mi familia. Mis padres eran, en cierto modo, músicos sin formación. Cantaban, mi madre tocaba la viola... Había un ambiente musical. Y luego está esta historia, verdadera o inventada, que cuenta mi madre: cuando estaba embarazada de mí, fue a escuchar a Beethoven, un compositor al que adoraba, ¡y parece que le di una patada en la barriga al ritmo de la música de Beethoven! (Risas) 

Podrías haberte convertido en percusionista.
Desde luego que no, porque no puedo hacer dos cosas a la vez, ¡tengo un cerebro melódico! Primero toqué el violonchelo a los cinco años, luego el oboe y finalmente elegí la voz.

A qué edad ?
Cuando tenía veinte años. Así que bastante tarde. Y no tuve una educación tradicional...

¿La aventura con EXAUDI continúa para usted? ¿Sigue cantando en el conjunto?
En principio, sigo cantando con ellos, pero es complicado; muchas veces mi agenda se llena antes que la de EXAUDI. A veces es un poco triste, pero aún así intento seguir adelante, ¡porque es mi bebé! Cuando canto con ellos los madrigales de Gesualdo y todo nuestro repertorio, que conozco muy bien, no me siento sola en absoluto; ¡es mi familia!

En la actualidad, usted canta principalmente repertorio contemporáneo, pero también ha cantado mucha música antigua. ¿Cómo ve este repertorio en la actualidad?
Cuando empecé a cantar, era música sacra en los coros de la iglesia en la universidad. Cantamos música de la tradición inglesa: Byrd, Tallis, Purcell, por ejemplo. Cantábamos varias veces a la semana para las vísperas, y todas las misas: era este tipo de música. Y en cuanto empecé a cantar profesionalmente, fue una continuación de esa tradición, en los coros ingleses. Por ejemplo, con el Coro Monteverdi dirigido por John Eliot Gardiner: allí cantamos mucho Bach y Mozart. Y después, con el Collegium Vocale Gent de Philippe Herreweghe, canté mucha polifonía: la música de Orlando de Lassus, Victoria, Morales y Gesualdo. Estas obras son tesoros que no se pueden ignorar.

Si ya no canta estas canciones en los conciertos, ¿las tararea alguna vez al levantarse por la mañana?
No, no lo hago! No canto por la mañana...(risas)
Admito que lo echo de menos, pero actualmente estoy pensando en cómo mantener la música antigua en mi vida. Estoy organizando una fiesta con unos amigos de Londres: ¡vamos a cantar esta música y a tomar una copa!
Más en serio, estoy pensando en las posibilidades de mezclar la música antigua con la contemporánea en mis programas de concierto como solista. Todavía no sé cómo, ¡pero hay muchas posibilidades! EXAUDI siempre ha trabajado en esta dirección. Pero quiero tomarme mi tiempo para encontrar conexiones, puentes. Quiero hacerlo de forma inteligente.

¿Podemos hablar ahora de la serie de escuchas que iniciaste? Este verano no habrá edición, pero está previsto un pequeño evento relacionado con esta serie en Aldeburgh, antes de la cuarta edición del próximo año...
Sí, efectivamente, voy a presentar a dos artistas de temporadas anteriores. Es una gran oportunidad para llegar a un público diferente y mostrar en otro lugar que el alero es algo especial para mí; es un evento que evoluciona en espíritu y forma. Ya no es realmente una serie, sino más bien una plataforma para otros artistas, ¡y es muy emocionante para mí desempeñar ese papel! Lo que quiero hacer es darles el apoyo que yo necesité como artista para desarrollarme: es una especie de comisario que sabe muy bien lo que quieren otros artistas y les da una forma de "control" y posibilidades de actuar.

Esta plataforma consta de varios eventos: conciertos, conferencias, simposios...
La próxima temporada será un festival con conciertos, una especie de conferencia (hemos cambiado un poco la fórmula), y un podcast -hago entrevistas a cada artista. También estamos pensando en otras formas más educativas (talleres, formación). Por ejemplo, al final de la temporada pasada, hicimos un taller sobre el sesgo inconsciente. Me gustaría repetir esta experiencia. La idea es ofrecer esta formación a músicos intermitentes que no cuentan con el apoyo de instituciones u organizaciones y que no tienen acceso a este tipo de formación.

Es un festival de seis días, con todo tipo de música creativa, incluida la música improvisada...
Sí, es una gran mezcla. Y siempre es un poco diferente.
Cada noche doy carta blanca a dos artistas, y trato de encontrar combinaciones un poco extrañas, o interesantes, o incluso cercanas para cada noche. El campo es muy amplio: puede ser la improvisación, la música clásica contemporánea, la música electrónica, los tocadiscos. También estoy pensando en introducir palabras habladas.
Otros años hemos tenido bastantes artistas que hacen cosas cercanas al RnB, al jazz, al folk... Así que el enfoque es muy amplio.

¿Es importante para usted la descompartimentación?
Absolutamente, y también para poder darse cuenta de que las fronteras entre los géneros experimentales son a menudo muy finas y que pueden ser porosas.
A veces los términos que utilizamos para hablar de la música son demasiado limitados y pueden no hablar a los que la escuchan, porque no tienen en cuenta esta porosidad. En realidad, al escuchar a escondidas, programo lo que quiero oír, ¡es una forma de crear una experiencia ligeramente inesperada para mí!

¿Qué te parece la etiqueta de todo ese polvo, otra extensión de Juliet Fraser? Es una empresa a tres bandas con Newton Armstrong y Mark Knoop, es un pequeño sello independiente fundado al mismo tiempo que eavesdropping en 2017. ¿Cuál es el espíritu de este sello?
Al principio de este trabajo para el sello, están las historias complicadas que tuve con otros sellos, que me dejaron insatisfecho.
La idea era principalmente crear algo para otros artistas que fuera más adecuado, más flexible, menos costoso y que les diera más control en el proceso. Newton, Mark y yo tenemos una larga amistad. Cada uno tiene sus propias habilidades, nos complementamos muy bien. Y trabajar en trío nos permite salir de ciertos callejones sin salida.
Hemos planificado tres años, y ya estamos en el sexto año del sello. Veremos cómo evolucionan las cosas, pero es un trabajo enorme, ¡sobre todo para ellos! Ellos se encargan de las grabaciones, las mezclas, la masterización... Yo soy más activo en la parte comercial, la comunicación y la promoción. Pero es una aventura, y es un placer trabajar con los artistas y aportar algo a nuestra pequeña comunidad.

¿Qué sueño loco tienes para el futuro, Julieta?
Sinceramente, ya estoy muy contento con lo que hago. Me siento nutrido y afortunado. Pero, si tuviera un sueño... me gustaría crear un curso para cantantes avanzados que quieran explorar o desarrollar un repertorio vocal contemporáneo. Esto no existe en Inglaterra: ¡hay un vacío!
También hay algunas academias de música contemporánea para instrumentistas, iniciadas por conjuntos, pero hay muy pocas para cantantes, y es muy difícil para los estudiantes del conservatorio encontrar una forma de explorar este repertorio. Todo sigue muy compartimentado, incluso bloqueado, en los invernaderos. Me gustaría cambiar eso, pero llevará algún tiempo.

En Francia tampoco existe. Salvo las iniciativas de cantantes como Françoise Kubler, Valérie Philippin o Donatienne Michel Dansac...
Efectivamente, ¡porque el impulso viene de los cantantes! Son iniciativas personales, iniciadas por músicos que han vivido esta experiencia, esta carencia. Tal formación no existía para mí, ni probablemente para Donatienne o Françoise. Por eso quiero ayudar a quienes quieran explorar este rico y vasto mundo. Lo que me gustaría hacer al mismo tiempo es romper el tabú que consiste en pensar que cantar música que fue escrita después de... digamos... 1923 (risas), es peligroso para la voz; que va a firmar el fin de tu carrera, todas estas ideas ridículas que me irritan enormemente, porque están motivadas por el miedo, y no se corresponden con la realidad.

Todavía queda mucho camino por recorrer para cambiar las mentalidades...
Sí, por el momento, ¡los prejuicios son tenaces!
Afortunadamente, hay residencias como Royaumont en Francia, o Britten Pears Arts aquí en Francia, que cambian las actitudes. Pero en las instituciones más tradicionales, todavía estamos lejos de ello. El objetivo es reconocer lo que la creación ofrece a quienes la exploran: es la promesa de una gran aventura, y de una maravillosa liberación.

Entrevista realizada por Anne Montaron

Puede escuchar a Juliet Fraser el 1 de junio en la Philharmonie de París en Zig Bang de Georges Aperghis

Fotos © Dimitri Djuric
Fotos © Herve Veronese

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