A Juliet Fraser se la escucha cada vez más a menudo en Francia: en el Ircam, la Cité de la Musique, el Muse en Circuit, el Gmem de Marsella... Entre dos conciertos y tras una magnífica versión de "Skin", composición de Rebecca Saunders escrita para Juliet Fraser, hablamos de los hilos que teje la músico: su carrera como solista, y sus actividades como comisaria de un festival en Londres y codirectora artística de un sello dedicado a la música contemporánea.

Julieta, ¿cuál es su relación con Francia, con las instituciones y los compositores franceses? Ha cantado la música de Georges Aperghis, Gérard Grisey y más recientemente Pascale Criton...
En realidad, creo que mi relación con Francia está en constante evolución. El hecho es que hablo francés, y sinceramente es la única lengua que hablo, aparte del inglés. Y en cuanto tuve la oportunidad de trabajar en Francia, la aproveché. Así que tengo una relación especial con este país.
En 2008 decidí pasar dos meses en París. Para entonces ya había creado el conjunto vocal EXAUDI (que cumplía 6 años). Era un momento muy especial de mi vida. Buscaba un nuevo rumbo.
Me tomé esos dos meses para hacer balance: dejé todo en Inglaterra por un tiempo y vine a París a descansar, conocer gente y pensar en el tipo de vida que quería. Fue muy importante para mí. En aquella época, recuerdo, hubo una reunión enel Ircam para un proyecto con EXAUDI y el conjunto L'Instant Donné, en torno a la creación de una pieza de Gérard Pesson. Se me quedó grabada, porque en ese momento, sin duda, algo se movió.
Después de aquello, trabajamos juntos varias veces, EXAUDI y l'Instant Donné.
Luego vino la colaboración con Royaumont, y con el Ircam, que fue una institución muy importante, tanto para EXAUDI como para mí como solista, ya que en 2020 canté la pieza de Rebecca Saunders "The Mouth" (para soprano y electrónica). Aparte de este vínculo bastante fuerte con el Ircam y Royaumont, mis experiencias con los CNCM (Centres Nationaux de Création Musicale) son mucho más recientes: acabo de trabajar enLa Muse en Circuit, el Gmem y el Théâtre Garonne, pero invitada por el Gmea. Es estupendo descubrir estos equipos y este sistema musical, porque no existe en Inglaterra. ¡Es todo nuevo para mí!

¿Aprendió francés en la escuela?
Sí, y de joven pasé varias vacaciones en Francia. Y me encanta París. Le tengo mucho cariño a Francia, aunque también tengo lazos bastante fuertes con otros países, como Alemania y Austria. Es como una colcha de retazos... Tengo contactos y amigos en toda Europa. Me siento un músico europeo.

¿Podemos hablar de su colaboración con la compositora Pascale Criton en su nueva pieza orquestal "Alter"? ¿Qué textos canta?
Hay tres textos; uno en francés (unas palabras de Pascale), otro en árabe y el último en inglés escrito por mí. Pascale eligió unas palabras de un ensayo ("Inside Out") que escribí durante el encierro, a finales de 2020. Hemos trabajado juntos bastante en los últimos años, pero la investigación sigue siendo un poco incompleta, porque ella primero quería escribir una pieza solista con electrónica para mí. Esta pieza iba a estrenarse primero, pero se pospuso. Al final, todos nuestros intercambios combinan las ideas de las dos piezas, y todo se mezcla un poco... Sin embargo, me pareció que la investigación de Pascale siempre se centró en el sonido, las sensaciones sonoras y los fenómenos acústicos.

Supongo que canta microintervalos, porque el universo de Pascale Criton lleva ya algunos años explorando este espacio.
Imagino que ya habrá realizado este tipo de trabajos con otros compositores.
Sí, he cantado muchas piezas con sistemas microtonales. A menudo, en este tipo de enfoque, los efectos de los microintervalos son inesperados, o al menos muy diferentes de lo que se puede leer en la partitura. Pero tengo que decir que Pascale tiene un enfoque particular de los microintervalos. Lo que ella busca son tiempos entre sonidos estables y sonidos que están muy cerca, pero que se mueven un poco. ¡Me gusta hacer eso!
Por cierto, tengo algunos problemas con el temperamento igual. Nunca he entendido por qué hay que "limitar" la voz; ¡se puede cantar cualquier tipo de intervalo!
Siempre pienso en términos de sensaciones, aunque estemos hablando de un sistema muy intelectual. En realidad, este ejercicio de sentir en relación con otra cosa -esta fricción- es algo muy físico, muy sensible, ¡y eso me gusta!

Juliet, no creo que seas como los demás cantantes, en el sentido de que te gusta analizar la música y hablar de tu práctica y tu compromiso con la creación. Eres todo lo contrario de la típica cantante. Has escrito varios ensayos sobre música, y tenemos varias entrevistas y podcasts contigo. Acaba de hablar del vaivén entre lo intelectual y lo sensible, y cuando se canta la música de hoy en día estos dos aspectos suelen ir unidos.
Es cierto, pero al mismo tiempo creo que siempre hay un equilibrio entre lo intelectual y lo sensible. Creo que ese es el punto de partida para practicar música. Porque cuando ensayas en casa, estás más involucrado en el lado racional -te criticas a ti mismo, deconstruyes, tomas decisiones, pruebas cosas-, pero cuando estás actuando, tienes que dejar todo eso y entrar en otra dimensión, gobernada por el instinto y la sensación. Así que siempre existe esa tensión entre las dos partes, esa extraña combinación.
Lo que dice sobre mi enfoque de la música es para mí la combinación natural de estas dos perspectivas, pero al mismo tiempo, creo que también es importante hablar de cosas prácticas, concretas, para dar una imagen tridimensional de un artista, porque siempre existe esta especie de mitología en torno al canto: la imagen de la diva, la cantante, la soprano... ¡y yo odio eso! En realidad, quiero mostrar algo mucho más humano, y también más complejo.

Volviendo a Pascale Criton y a su proceso de trabajo con los intérpretes, sé que para ella es importante trabajar codo con codo con los músicos; es casi un proceso de composición conjunta, y a menudo la música no fructifica hasta el día de la actuación en directo. ¿Es así como lo vive?
Sí, ¡es exactamente así! Y aunque he recibido la partitura de su nueva obra, siento que no se hará realidad hasta que la cante en el escenario: ¡es tan compleja, hay tanta sutileza, los detalles son tan finos! Y hay sonidos que aún no puedo imaginar, porque serán el resultado de todas las líneas tocadas por los instrumentos... ¡Imagino que incluso Pascale debe tener dudas sobre el resultado final! De hecho, la experiencia me dice que la música se construye hasta el último momento...

¿Podemos hablar de otra colaboración con un músico francés, ya que hablamos de Francia? Estoy pensando en tu dúo con el contrabajista Florentin Ginot y la creación en gestación: "Todos somos líquenes"?
Florentin y yo nos conocimos en 2018. Hicimos una gran obra de Rebecca Saunders, con Musikfabrik. En esta pieza había inicialmente una pequeña parte para voz y contrabajo, lo que nos dio la idea de hacer un gran proyecto juntos. Empezamos nuestra investigación en 2019, pero por razones que todos conocemos, ¡solo va a suceder este año!
Para "Todos somos líquenes", encargamos al compositor checo Martin Smolka y a la artista multidisciplinar polaca Anna Zaradny. Ahora está de gira y se ha convertido en un proyecto muy especial. El año pasado, para prepararnos, también hicimos un pequeño proyecto a dúo en Aberdeen con música de Pascale Criton y parte de la nueva pieza de Martin Smolka; una especie de laboratorio antes del gran proyecto de este año. En junio también presentaremos un retrato de Georges Aperghis.

¿Cuál es su relación con la música de Georges Aperghis? ¿Creo que ha cantado sus Récitations?
Sí, las he cantado. He cantado Récitations,como casi todas las cantantes que quieren explorar la música contemporánea. Y para mí, como para muchas cantantes, es una pieza que abrió un abanico increíble de posibilidades. Creo que fue en 2010, o algo así... Recuerdo la primera vez que di un recital en solitario en Londres, solo con música contemporánea. Fue un punto de inflexión para mí. Había llegado a un punto en el que tenía que decidir: "¿Puedo intentar ser solista? ¿Es esto lo que quiero hacer, estar sola en el escenario?".
Porque hasta entonces había formado parte de conjuntos como EXAUDI, u otros conjuntos y coros; cantaba mucha música contemporánea, y también barroca o renacentista... pero la verdad es que me sentía un poco frustrada.
Así que con este recital en solitario llegó el momento de hacerme esta pregunta: "¿Quiero ser solista, y qué significa eso?" Y el trabajo que hice en los "Recitados" fue muy importante para mí, porque había algo muy especial en esta partitura para mí. Era como un secreto que se revelaba de repente, o un rompecabezas que tomaba forma: me ponía a cantar la partitura, repetía las fórmulas, una, dos veces... ¡y de repente se revelaba el carácter o el espíritu de la "Recitación"! Era como si en los sonidos se escondiera un animal, un organismo vivo, algo muy concreto y claro, que de repente se revelaba, ¡y eso me encantaba! Y me gusta mucho la combinación de precisión y libertad que caracteriza la música de Aperghis. Aparte de "Récitations", también canté "Monomanies", pero por lo demás no he cantado mucha música suya.

En algún momento decidiste emprender una carrera en solitario. Cuando presentas tu trabajo y tu campo de exploración (me refiero a tu biografía oficial en tu página web), mencionas "los bordes retorcidos de la música contemporánea". Es una manera muy concreta de hacer las cosas.
Es cierto, ¡es un poco especial! Pero a menudo lo que se lee en una biografía me molesta tanto... En esta fórmula, está mi lado poético, y también siempre un deseo de precisión: intento formular estas consideraciones "profesionales" de manera personal. "Bordes nudosos" es una fórmula poética; significa "nudoso" -se dice de las manos o de un árbol-, así que es un poco la imagen de algo orgánico, que se transforma, y que no tiene una belleza evidente para empezar...

¿Algo que se resiste y requiere fuerza de voluntad, ganas de hacerlo tuyo y tozudez?
Sí, ¡eso es! Sobre todo, me gusta el hecho de que sea una expresión inesperada y difícil de definir, así que es lo contrario de un cliché.

También escribes que te gusta cantar música "nueva" y obras escritas especialmente para ti. Como sabemos, ¡es usted un mecenas muy activo! ¿Significa eso que escucha mucha música y está constantemente a la búsqueda de nuevas direcciones musicales?
Sí, ya sea para programar obras que ya existen o para encargos, la investigación requiere tiempo y energía. Pero es absolutamente necesaria cuando uno tiene sus propias ideas y deseos.
Encargar obras es una manera de dar forma, de "esculpir" el repertorio, y de dar una plataforma a artistas que me interesan, pero que quizá no tienen un espacio en este momento... ¡o de confiar en mi instinto! No puedo quedarme en el sofá esperando a que aparezca un nuevo repertorio. (risas). Quiero seguir mis propios intereses.

¿Quizás también para evitar que a veces los programadores tengan tendencia a la uniformidad?
Sí, puede ser. Sinceramente, creo que sólo se trata de ser activo en lugar de reactivo, de tener mis propias ideas, y también de crear colaboraciones o relaciones creativas en las que pueda implicarme. Porque es agotador trabajar con alguien. (Risas) Así que, en mi opinión, es mejor poder elegir, implicarse mucho en el proceso.

Le gusta crear nuevas obras y descubrir cosas nuevas, pero eso no le impide cantar y volver a cantar "Skin" de Rebecca Saunders; ¡este verano cantará "Skin" por vigésima vez! ¿Es la obra que más veces ha cantado?
Sí, después de "El Mesías" (risas), ¡y me encanta! Por cierto, antes he hablado de la importancia de Georges Aperghis en mi carrera, pero antes tengo que hablar de Rebecca Saunders, que es quizá diez veces más importante para mí. 

¿Cómo llegó a conocerla?
De hecho, ¡ella me eligió a mí! Gracias a ella he llegado a ser lo que soy hoy. Sabía que me había elegido para esta obra, aunque un festival había intentado disuadirla, diciendo que nadie me conocía y que necesitaban una estrella. Pero ella es tan testaruda como yo (risas), ¡y se mantuvo firme! Así que tuve la oportunidad de trabajar con ella y escribió "Skin" para mí en 2016. Hicimos cuatro o cinco sesiones juntas en su estudio de Berlín. La primera vez, ¡estaba muy ansiosa! Le canté pequeñas piezas, piezas de Aperghis, Enno Poppe y otros, y muy rápidamente pasamos a formas de improvisación, experimentando con algunos gestos -exploramos los registros de la voz, en tal o cual vocal- y "Skin" se escribió así, con mi voz en sus oídos. Así que estaba realmente "hecha a medida". Por eso me va tan bien. 

¿Como algo que siempre has llevado?
Sí, así es. Pero tengo que decir que mi voz ha cambiado con los años. Tardé mucho tiempo en encarnarla plenamente, en encontrar todo lo que buscaba en ella.

¿Habláis juntos de este desarrollo?
La verdad es que no. Tal vez se manifieste, a pesar de todo, en el hecho de que su última pieza, "La boca", también escrita para mí, es muy diferente. Probablemente también se deba a su propia evolución, a la evolución de sus deseos artísticos, o quizá sea una combinación de nuestros dos caminos. Lo cierto es que hay cosas que puedo hacer hoy con mi voz que no podía hacer hace cuatro o cinco años. Así que pude hacer algunas sugerencias diferentes para 'The Mouth'.

¿Qué ha cambiado exactamente en su voz en los últimos años?
Básicamente, lo que ha cambiado es el cuerpo. Me hago mayor y más fuerte. Hoy tengo 42 años, ¡no soy la misma que hace ocho! Todos sabemos que el cuerpo, y por tanto la voz, cambia; no es como un clarinete, que no se mueve. Todos tenemos que lidiar con estos cambios físicos (hormonales, relacionados con la salud, con la edad...); es parte integrante de ser cantante. También hay que tener en cuenta el trabajo técnico, porque ahí también cambian las cosas. He trabajado mucho en los últimos años y hoy puedo hacer cosas técnicamente que antes no podía. Es más, ¡creo que ahora tengo un poco más de valor! Gracias a ello he podido hacer propuestas a Rebecca para "La Boca" que antes nunca me habría atrevido a hacer. También es una cuestión de autoconocimiento y de confianza en mi instrumento.

¿Una forma de seguro?
Sí, lo es. Cuando conocí a Rebecca, yo estaba en otro lugar. Hay que decir que "Skin" fue un punto de inflexión para mí en cuanto a las preguntas que me había estado haciendo antes: "¿Puedo ser solista, quiero serlo? Estas preguntas se habían vuelto casi obsesivas, porque sentía que no podía dejarlo para más tarde y que tenía que decidirme rápidamente si quería cambiar de dirección. Hay una presión terrible sobre los músicos jóvenes -especialmente las mujeres- para que demuestren su valía "antes de que sea demasiado tarde". Este año, 2016, fue muy especial: me debatía entre una especie de terror y alegría, y eso era difícil de vivir... Estaba como "al límite" de mis posibilidades, así que no sabía si iba a poder hacer honor a las creaciones con las que había soñado durante tanto tiempo. Pero poco a poco encontré la fuerza para hacerlo.

¿Por qué ese miedo? ¿Porque psicológicamente estás más expuesto como cantante solista que como instrumentista?
En realidad, es una combinación de factores. Cuando uno está acostumbrado a cantar junto a músicos que conoce muy bien (experiencia de conjunto vocal), la situación cambia radicalmente cuando está solo en el escenario. También hay muchas "pequeñas cosas" que cambian: viajas solo, llegas solo a los ensayos. No hay nadie con quien ser vulnerable o sincero.

Luego está lo que los demás esperan de ti, toda esa "mitología" del cantante: lo que tengo que ser como solista, cómo tengo que comportarme... Así que de repente me encontré en un mundo y una forma de hacer música completamente diferentes. Y aunque yo quería el cambio, ¡fue una verdadera ruptura! Después te acostumbras, pero lleva su tiempo...

Es un tema un poco tabú, ¿no? Rara vez hablamos de ello...
Me temo que sí.

¿Y sus dúos? ¿Con el pianista Mark Knoop, por ejemplo, o con Florentin Ginot?
Es cierto que sigo considerándome un músico de cámara. Ésas son mis raíces, como oboísta y como cantante. Siempre me ha gustado la idea de formar parte de un pequeño conjunto. Así que, aunque ahora soy solista, he mantenido ese estado de ánimo. Siempre intento sentirme parte de un conjunto, en mi forma de cantar y también de escuchar.

¿Incluso cuando cantas solo con electrónica?
Ah, eso es lo más difícil, obviamente, ¡pero encuentro soluciones! Lo que realmente me gusta es que me "obliguen" a escuchar. En cuanto escucho, me relajo un poco y mantengo la mente ocupada.

En cierto modo, ¿le distrae?
Sí, porque estoy escuchando en lugar de "proyectando". Para mí, los dúos significan poder tener esta relación de música de cámara, este espíritu durante los ensayos: divertirse, tomar decisiones juntos, hacer magia en el escenario, asumir riesgos, compartir todo eso... Por supuesto, hay que elegir bien a los compañeros, ¡pero hasta ahora he tenido suerte! Mark es maravilloso, y Florentin también...

¿Cómo nació su afición por la música? ¿Eran sus padres amantes de la música?
Sí, siempre ha habido música en mi familia. En cierto modo, mis padres eran músicos sin formación. Cantaban, mi madre tocaba la viola... Había un ambiente musical. Y luego está esta historia, verdadera o inventada, que cuenta mi madre: cuando estaba embarazada de mí, fue a escuchar a Beethoven, un compositor al que adoraba, ¡y parece que le di una patada en el estómago al ritmo de la música de Beethoven! (risas) 

Podría haberse convertido en percusionista.
Desde luego que no, porque no puedo hacer dos cosas a la vez, ¡tengo un cerebro melódico! Empecé tocando el violonchelo a los cinco años, luego el oboe y finalmente elegí la voz.

A qué edad ?
A los veinte. Así que bastante tarde. Y no seguí ninguna formación tradicional...

¿Sigue colaborando con EXAUDI?
¿Sigues cantando en general? En principio, siempre canto con ellos, pero es complicado; a menudo mi agenda se llena antes que la de EXAUDI. A veces es un poco triste, pero intento seguir de todas formas, ¡porque es mi bebé! A veces es un poco triste, pero intento seguir adelante de todos modos, ¡porque es mi bebé! Cuando canto con ellos los madrigales de Gesualdo y todo nuestro repertorio, que conozco muy bien, no me siento sola en absoluto; ¡son mi familia!

Hoy en día canta principalmente repertorio contemporáneo, pero también ha cantado mucha música antigua. ¿Cómo ve este repertorio en la actualidad?
Cuando empecé a cantar, lo hacía música sacra en coros de iglesia en la universidad. Cantábamos música de la tradición inglesa: Byrd, Tallis, Purcell, por ejemplo. Cantábamos varias veces a la semana las Vísperas y todas las misas: ese era el tipo de música. Y en cuanto empecé a cantar profesionalmente, fue una continuación de esta tradición, dentro de los coros ingleses. Por ejemplo, con el Monteverdi Choir dirigido por John Eliot Gardiner: allí cantábamos mucho Bach y Mozart. Y más tarde, con el Collegium Vocale Gent de Philippe Herreweghe, canté mucha polifonía: la música de Orlando de Lassus, Victoria, Morales y Gesualdo. Estas obras son tesoros imperdibles.

Aunque ya no canta esta música en concierto, ¿sigue tarareándola cuando se levanta por la mañana?

No, en absoluto. No canto por las mañanas...(risas) Admito que la echo de menos, pero ahora estoy pensando en cómo mantener la vieja música en mi vida. Estoy organizando una fiesta con unos amigos de Londres: ¡vamos a cantar esta música y a tomar algo!
Más en serio, estoy pensando en las posibilidades de mezclar música antigua con música contemporánea en mis programas de conciertos como solista. Todavía no sé de qué manera, ¡pero hay muchas posibilidades! EXAUDI siempre ha trabajado en esta dirección. Pero quiero tomarme mi tiempo para encontrar conexiones y puentes. Quiero hacerlo con inteligencia.

¿Podemos hablar ahora de la serie de escuchas que ha iniciado? No habrá edición este verano, pero está previsto un pequeño evento relacionado con esta serie en Aldeburgh, antes de la cuarta edición del año que viene...
Sí, de hecho, presentaré a dos artistas de temporadas anteriores. Es una gran oportunidad para llegar a otro público y presentarme en otro lugar donde la escucha es algo especial para mí; es un evento que está evolucionando en espíritu y forma. Ya no es realmente una serie, sino más bien una plataforma que se da a otros artistas, ¡y significa mucho para mí desempeñar ese papel! Lo que quiero es darles el apoyo que yo también necesité como artista para florecer: en cierto modo, significa ser un comisario que sabe muy bien lo que quieren otros artistas y les da tanto una forma de "control" como oportunidades para actuar.

Esta plataforma incluye varios eventos: conciertos, conferencias, simposios...
La próxima temporada será un festival con conciertos, una especie de conferencia (hemos cambiado un poco la fórmula) y un podcast: hago entrevistas a cada artista. También estamos pensando en otras formas más educativas (talleres, cursos de formación). Por ejemplo, al final de la temporada pasada hicimos un taller sobre prejuicios inconscientes. Me gustaría repetirlo. La idea es ofrecer estos cursos a músicos intermitentes que no reciben apoyo de instituciones u organizaciones y que no tienen acceso a este tipo de formación.

Es un festival de seis días, con todo tipo de música creativa, incluida la improvisada?
Sí, es una gran mezcla.
Cada noche, doy carta blanca a dos artistas e intento encontrar combinaciones un poco extrañas, interesantes o incluso similares para cada velada. El campo es muy amplio: puede ser improvisación, música clásica contemporánea, música electrónica o giradiscos.
Incluso estoy pensando en introducir la palabra hablada (slam). Otros años hemos tenido bastantes artistas haciendo cosas cercanas al RnB, el jazz, el folk... Así que el enfoque es muy amplio.

¿Es importante para usted romper barreras?

Absolutamente, y también ser capaz de darse cuenta de que las fronteras entre los géneros experimentales son a menudo muy finas y pueden ser porosas. A veces los términos que utilizamos para hablar de música son demasiado limitados y corren el riesgo de no hablar a los que escuchan, porque no tienen en cuenta esta porosidad. En realidad, alescuchar a escondidas, programo lo que quiero oír, ¡es una forma de crearme una experiencia un poco inesperada!

¿Qué tal el sello all that dust, otra extensión de Juliet Fraser? Es una aventura a tres bandas, con Newton Armstrong y Mark Knoop, es un pequeño sello independiente fundado al mismo tiempo que eavesdropping en 2017. Cuál es el ethos del sello?

Al principio de este trabajo para el sello, estaban las historias complicadas que tuve con otros sellos, que me dejaron insatisfecho. La idea era sobre todo crear algo para otros artistas que fuera más adecuado, más flexible, menos costoso y que les diera más control en el proceso. Newton, Mark y yo somos amigos desde hace mucho tiempo. Cada uno tiene sus propias habilidades y nos complementamos muy bien.
Y trabajar como trío nos permite salir de ciertos callejones sin salida. Hemos planificado tres años, y ya estamos en el sexto año del sello. Veremos cómo evolucionan las cosas, pero es un trabajo enorme, ¡sobre todo para ellos! Ellos se encargan de las grabaciones, las mezclas, la masterización... Yo soy más activo en la parte comercial, la comunicación y la promoción. Pero es una aventura, y es un placer trabajar con los artistas y aportar algo a nuestra pequeña comunidad.

¿Qué sueño loco tienes para el futuro, Julieta?
Sinceramente, ya estoy muy contenta con lo que hago. Me siento nutrida y afortunada. Pero si tuviera un sueño... Me gustaría crear un curso para cantantes avanzados que quieran explorar o desarrollar un repertorio vocal contemporáneo.
Esto no existe en Inglaterra: ¡hay escasez! También hay algunas academias de música contemporánea para instrumentistas, iniciadas por conjuntos, pero hay muy pocas para cantantes, y es muy difícil para los estudiantes del conservatorio encontrar la manera de explorar este repertorio. Todo sigue muy compartimentado, incluso bloqueado, en los conservatorios. Me encantaría cambiar eso, pero va a llevar algún tiempo.

Tampoco existe en Francia. Aparte de las iniciativas de cantantes como Françoise Kubler, Valérie Philippin y Donatienne Michel Dansac...
Sí, ¡porque el impulso viene de los cantantes! Son iniciativas personales, de músicos que han vivido esta experiencia, esta carencia. Este tipo de formación no existía para mí, ni sin duda para Donatienne o Françoise. Por eso quiero ayudar a los que quieren explorar este mundo tan rico y vasto. Lo que me gustaría hacer al mismo tiempo es romper el tabú que consiste en pensar que cantar música escrita después de... digamos... 1923 (risas) es peligroso para la voz; que va a ser el fin de tu carrera, todas esas ideas ridículas que me irritan enormemente, porque están motivadas por el miedo y no se corresponden con la realidad.

¿Queda mucho camino por recorrer para cambiar las actitudes?

Sí, de momento los prejuicios son tenaces. Afortunadamente, hay residencias como Royaumont, en Francia, o Britten Pears Arts, aquí en Francia, que están cambiando actitudes y puntos de vista. Pero en las instituciones más tradicionales, todavía estamos muy lejos. El objetivo es reconocer lo que la creación ofrece a quienes la exploran: la promesa de una gran aventura y una maravillosa liberación.

Entrevista realizada por Anne Montaron

Podrá escuchar a Juliet Fraser el 1 de junio en la Philharmonie de París en Zig Bang, de Georges Aperghis.

Fotos © Dimitri Djuric Fotos © Herve Veronese