El Cuarteto Bozzini: una aproximación epicúrea al sonido

Entrevistas 05.10.2022

El cuarteto canadiense vuelve al GMEA de Albi con dos conciertos los días 8 y 9 de octubre, uno como cuarteto y el otro con el conjunto Dédalus y la soprano Peyee Chen. Entre América y Suiza, el programa reúne a tres de los compositores favoritos del cuarteto Bozzini: Alvin Lucier, Tom Johnson y Jürg Frey, cuya música el cuarteto ha documentado ampliamente en grabaciones. Un viaje al sonido y al espacio sonoro garantizado! Con este díptico, el Cuarteto Bozzini nos invita a compartir una experiencia auditiva profunda y singular.

Entrevista con Isabelle Bozzini, violonchelista, y Clemens Merkel, violinista

¿Cómo surgieron sus dos programas de conciertos en el GMEA en el marco del festival Riverrun, el primero dedicado a los compositores estadounidenses Alvin Lucier y Tom Johnson, y el segundo al compositor suizo Jürg Frey?
Isabelle Bozzini
Compartimos muchas afinidades musicales con Didier Aschour y Dedalus, tanto en el espíritu como en la forma de trabajar. Llevamos unos quince años siguiéndonos de lejos, y desde hace cuatro o cinco años trabajamos juntos de forma más directa. Nos hemos invitado mutuamente (ellos a Montreal, nosotros a Albi). También hemos estado tocando la música deAlvin Lucier desde principios de la década de 2000. Clemens y Jürg Frey se conocen desde los años 90. Dedalus y yo tenemos estos compositores en común, y además son amigos.
Clemens Merkel Dedalus: El concierto en torno a Jürg Frey debía tener lugar en 2020, y luego en el festival Archipel de Ginebra en 2021, pero no fue posible. Afortunadamente, se estrenó en Nantes y Huddersfield en 2019, con Dedalus.
Isabelle La música de Jürg Frey sólo mejora con el tiempo. Estoy pensando en la pieza del programa del 9 de octubre con Dedalus, Los terrenos de la memoriasino también su octeto con saxofonistas. También ha compuesto un cuarto cuarteto para nosotros, que también dura una hora: ¡nada más que obras fantásticas!
Clemens: Estas obras son el resultado de una larga colaboración. Conozco a Jürg desde 1993, cuando todavía estaba en Alemania y no tenía experiencia en cuartetos. En aquellos años, nadie hablaba de Jürg Frey. Fuera del pequeño círculo de músicos de Wandelweiser, era un desconocido.

¿Qué es lo que más le atrae de esta música?
Isabelle
: La tranquilidad. Es una música que aporta paz y una belleza tan tranquila. Lo necesitamos, en un momento en que todo es tan ensordecedor. Estamos sumergidos en el ruido, la información, las imágenes... Esta música se toma el tiempo de existir y nos devuelve a lo esencial. Lo percibimos desde el principio. Cuando publicamos los primeros temas de Jürg Frey a principios de la década de 2000, se habló mucho de la comida lenta. Nos dijimos: "esta música es música lenta", en el sentido de que nos tomamos el tiempo necesario para saborear cada sonido. ¿Por qué debe haber un drama cada diez compases en la música? No es necesario... Para mí, el actual Wandelweiser es una corriente muy importante. En nuestra sociedad, necesitamos volver a centrarnos, tranquilizarnos...
Clemens: El punto de partida del colectivo Wandelweiser es un poco como la obra de John Cage, en primer lugar porque, como toda la música experimental de vanguardia, es una música cuyo resultado no se puede predecir necesariamente, pero también porque no hay ningún aspecto narrativo. La narrativa está omnipresente en la música contemporánea (la idea de drama, las emociones, la sorpresa...). Esto no quiere decir que en esta música no haya emoción, pero está en un lugar diferente.
Además, la música de Jürg Frey ha evolucionado mucho. En los años 90 era más estático en cierto sentido. Hoy en día, hay más movimiento, ¡incluso se podría decir que es casi narrativo!
Jürg Frey comentó en una ocasión la evolución de su música: "Antes era como si estuviera en un lugar y mirara alrededor, mientras que hoy exploro este espacio caminando".

¿Busca poner al intérprete y al público en un estado de receptividad?
Clemens: No exactamente, creo que es más la idea de : "¡no empujes la música!" No hay ninguna receta para el público o el oyente: no da ninguna clave sobre cómo sentir su música.
Isabelle : De hecho, ¡sólo hay que dejar que la música exista! Se desenvuelve por sí mismo; ¡sólo hay que dejarlo! De ahí la importancia del silencio, sobre todo en las primeras obras, lo que la sitúa en la herencia de la escuela de Nueva York.
Clemens: Cuando tocas, cuando escuchas la música de Beethoven, Bruckner, Tchaikovsky, en cierto modo, el compositor te lleva de la mano, un poco como un guía turístico; ¡te lleva de un sitio a otro! En este tipo de música, en cambio, te dejan en un lugar y tienes que explorar el espacio por ti mismo.

¿Es importante el espacio concreto del concierto para interpretar esta música?
Isabelle
: Es una música delicada, que nos gusta tocar en un espacio a la vez íntimo y resonante. Lo que cuenta es el espacio que creamos y que el público crea con nosotros: es realmente una experiencia de escucha compartida. Se podría llamar "comunidad". Intentamos introducir otra forma de escuchar, nos tomamos el tiempo...
Así que riverrun es el espacio ideal, porque reúne todo lo que esta música necesita; reflexión, escucha, calma, belleza...

¿Piensa Jürg Frey en esta idea de "comunidad"?
Isabelle:
Creo que Jürg piensa en ello, pero no habla directamente de ello. Esta idea está presente en la corriente Wandelweiser , ¡no hace falta decirlo!
Clemens: Lo importante para él y los demás compositores de Wandelweiser es que los músicos y el público estén "metidos", ¡y no importa si son cinco personas o trescientas! Hay que escuchar y no forzar a nadie, eso es lo más importante.
Jürg cumplirá setenta años este año, y la evolución de su carrera en los últimos diez años le sorprende. Durante treinta años había escrito exclusivamente para amigos y colegas, y ahora, de repente, recibe encargos de músicos que no conoce. Esto es difícil para él; ¡necesita conocer a los músicos! Recibir demasiados encargos también es desestabilizador, porque siempre ha escrito justo lo que quería, a menudo sin recibir un encargo, para los músicos que le inspiraron. 

La pieza Grounds of Memory para soprano y orquesta de cámara presenta un texto cantado por la formidable Peyee Chen: ¿uno de los famosos poemas en forma de sobre de Emily Dickinson?
Clemens
: Sí, y este trabajo con el texto es muy interesante, porque precisamente en este tipo de música ¿qué pasa con la expresión, es decir, cómo manejas la expresividad del texto? En cierto modo, actúa con el texto como lo hace con la música. El texto no controla la música, no se "sigue" el texto; no es una ópera. Por otro lado, hay un momento muy emotivo en la partitura, un gran solo de canto; es el único momento en el que se puede decir que Jürg "reacciona" al texto. ¡Es realmente hermoso! La fuerza de la composición proviene también del hecho de que el poema elegido por Jürg Frey aquí es un poema que se puede leer en treinta segundos y que él alarga durante una hora de música.

¿Podemos hablar ahora de su concierto del 8 de octubre en torno a Alvin Lucier?
Isabelle
: Vamos a tocar todos sus cuartetos, excepto el Grupo Tapper, y los combinaremos con piezas de Tom Johnson, cuyos cuartetos acabamos de grabar. Ambos colaboran desde hace tiempo. Cuando grabamos las piezas de Alvin para el último disco, mantuvimos muchas conversaciones telefónicas con él, y ya había venido a Montreal, así que pudimos tocar delante de él: ¡es una colaboración muy bonita!
En Albi, tocamos Navigations, un cuarteto muy escrito , y Disappearances, una partitura de texto con cierta libertad para los intérpretes. En ambos casos, navegamos entre la microtonalidad, los latidos, la tensión y la resolución.
Clemens : En estas dos piezas, encontramos el mismo fenómeno acústico. Navegacións es un pequeño grupo que se convierte en un unísono (vamos hacia algo cada vez más pequeño...), y la escritura es realmente precisa.
En Desapariciones, pasamos del unísono a algo más abierto; es una pieza más alegre en cierto modo, pero es un proceso similar.
Unamuno, compuesta en 1994, es una pieza vocal arreglada para cuarteto y voz; así que cantamos y tocamos al mismo tiempo.

¿Supongo que te encuentras en un estado diferente cuando tocas la música de Alvin Lucier que cuando tocas la de Jürg Frey?
Isabelle: ¡Sí! Tocar la música de Alvin Lucier requiere una concentración muy intensa y sostenida; son quince minutos de flujo (para que cuando la grabes no haya edición posible), con el reto técnico añadido de los glissandi.
Pero como es una música que llama a la escucha interior, tampoco está tan lejos de nuestra exploración de la música de Jürg Frey.

¿Ha tocado piezas de Alvin Lucier con electrónica?
Isabelle
: Sí, pero más piezas en solitario, y también Small Waves, un sexteto con botellas y micrófonos. Alvin nos había enviado sus botellas por correo para este proyecto. Intentamos tocarla en Ámsterdam, pero la banda de allí no tenía las botellas ni los micrófonos adecuados. Así que fue difícil conseguir los microintervalos adecuados. Fue muy complicado y no funcionó del todo, pero cuando vino a Montreal en 2015 ¡fue fantástico! Recuerdo su propia interpretación de Bird y Person Dyning, en el que se mueve en el espacio durante veinte minutos: fue realmente mágico, ¡una pieza de antología!
Clemens: De hecho, para el sexteto Small Waves, nos envió un paquete con seis botellas, y nos dimos cuenta de que eran botellas realmente baratas: ¡una de las botellas estaba rota y la había pegado con un trozo de cinta adhesiva! Los micrófonos también eran un poco desordenados; al menos no eran micrófonos de calidad... Al final, es realmente el oído el que decide lo que está bien y lo que está mal; ¡el súper equipo no tiene nada que ver!

También es una forma de ver las cosas desde la distancia, y probablemente también una forma de humor...
Clemens
: Sí, Alvin lo miraba todo con una sonrisa... Creo que era como un niño, cuando encuentra algo. Todas sus piezas procedían de efectos o fenómenos que encontraba; ¡hacía música con ello!

¿Compuso hasta su muerte?
Isabelle
: Tuvo una caída muy fuerte en el verano de 2019. Poco a poco pudo volver a ponerse en pie. Supongo que seguía trasteando, y seguía pensando en la música. Tenía 89 años... Por supuesto, nos habría encantado crear una nueva pieza suya, pero lo importante es haberle conocido, haber tocado su música: ¡los cuatro cuartetos son una suma!
Clemens: Sí, tenemos mucha suerte: ¡ya tenemos mucha música! Eliane Radigue ha compuesto para nosotros, Christian Wolff y Tom Johnson siguen escribiendo música para nosotros... ¡es precioso!

Combinará la música de Alvin Lucier con la de Tom Johnson en este programa el 8 de octubre?
Isabelle
: Efectivamente, vamos a tocar dos piezas de Tom Johnson.
En el programa, Formulas, un cuarteto de 1994, que compuso para un cuarteto suizo, una pieza más bien clásica. La partitura es bastante "abierta", no tiene ninguna indicación de tempo. Así que tomamos nuestras decisiones sobre los matices y las velocidades. Son nueve movimientos "à la Tom Johnson" con desarrollos cíclicos, cánones, velocidades... Es muy interesante; suena casi "clásico" - es casi Debussy a veces - pero al mismo tiempo, ¡es Tom Johnson!
También tocaremos Acordes de cuatro notas a cuatro voces, compuesto en 2009. Es una pieza que se añadió al disco por la brevedad de los tres cuartetos. Fue él quien sugirió que se añadiera esta página. Es una pieza fantástica, basada sólo en acordes.
Clemens: Lo que pasa con Alvin Lucier es que Tom siempre se basa en fenómenos que ya están ahí. Suele decir que no hay que componer la música, ¡simplemente está ahí! En esta página, los acordes están ahí, ha escrito lo mínimo: sin tempo, sin orden oficial, sin duración de los acordes.... nos toca encontrar el equilibrio adecuado, proponer una versión que tenga sentido, ¡para que suene bien!
Isabelle: Hay que encontrar el estado de ánimo, un cierto flujo. Necesitamos tener tiempo para escuchar cada acorde, pero sin tocar demasiado lento...

En este tipo de situaciones en las que el juego está abierto, ¿siempre estáis de acuerdo?
Clemens
: No, en absoluto. Ahí es donde está el trabajo. Si se pregunta a los músicos de un cuarteto cómo se sienten, ¡siempre hay al menos cinco respuestas! Pero siempre acabamos poniéndonos de acuerdo, a base de trabajo.
Isabelle: La dificultad es ésta. ¿Cómo debe sonar una obra? ¿Cómo sonamos nosotros, el Cuarteto Bozzini? ¿Y cómo hacemos sonar esta música? Estas son las preguntas que debemos hacernos.
Clemens: Porque precisamente, lo interesante en este tipo de piezas "desnudas" es encontrar un equilibrio: instalar un cierto flujo y al mismo tiempo dejar el tiempo suficiente para saborear cada acorde. Es mucho trabajo y tiempo.

Entrevista realizada por Anne Montaron

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