Jugando en el medio con Loïc Guénin

Entrevistas 29.11.2022

Compositor, intérprete y artista sonoro, a Loïc Guénin (nacido en 1976) le gusta fomentar los intercambios y el trabajo en colaboración con sus intérpretes en un enfoque que combina la investigación y la experimentación, la instalación sonora y la performance. Su deseo de crear y explorar le ha llevado a inventar, junto a las partituras tradicionales, otros soportes de lectura, tableros gráficos y cuadrículas de interpretación situados entre lo escrito y lo no escrito, un entremedio que intenta, para nosotros, definir.

Loïc Guénin, su escritura gráfica y sus proyectos que vinculan la arquitectura y el mundo del sonido le sitúan en la tenue frontera entre la música y las artes plásticas...
Tengo la sensación de que mi forma de entender el sonido puede estar a veces más cerca de la de los artistas sonoros que crean instalaciones y happenings que de la llamada música "contemporánea", muy escrita, con un trabajo específico de técnica instrumental y a menudo construida y transmitida en un gesto más bien descendente, del compositor a los intérpretes y luego al público. Se me asocia más con un artista que explora el sonido e inventa conceptos que con un compositor de escritura puramente clásica.

Usted señala a menudo la presencia en nuestro entorno de "sonidos funcionales". que, en su opinión, "están normalizando poco a poco nuestro entorno y transformando nuestra escucha....
Esta observación está relacionada con el proyecto Walden. Vivimos en un mundo cada vez más ruidoso que invade nuestra vida cotidiana; manifestaciones cercanas al diseño sonoro que pueden transportar información o implicar comportamientos específicos; sonidos enviados para hacernos reaccionar, timbres de teléfonos móviles y otros jingles de señalización; en definitiva, todo un universo fónico que se apodera y trivializa la escucha más que nos invita a escuchar. Por mi parte, intento devolverle su parte activa y estimular la escucha aguda prestando atención a todos los sonidos. Como me gusta decir y escribir, estoy convencido de que escuchar es la clave de nuestra relación social, de nuestra posición en el mundo que nos rodea.

Me gustaría que nos contara más sobre este proyecto Walden [un lugar] que le ha ocupado durante casi diez años...
El primer
Walden fue llevado a escena en mayo de 2015. Fue creado por elconjunto C Barré dirigido por Sébastien Boin y acogido por el GMEM-CNCM de Marsella en el marco del festival Les Musiques. Fueron Christian Sébille y Paul Fournier quienes me dieron los primeros medios para dar vida a este proyecto bastante loco. Hoy en día hay 14 Waldens y otros tantos lugares en los que he podido invertir con intérpretes de renombre para compartir esta experiencia común: Ars Nova, L'Instant Donné, l'Intercontemporain y otros músicos ajenos al conjunto.

¿De qué se trata concretamente?
Walden hace referencia al libro de Henry David Thoreau (1817-1862) de 1854 , Walden o la vida en los bosques, un best-seller sobre ecología ciudadana y el lugar del hombre en su entorno. El libro es un diario en el que el escritor y filósofo estadounidense relata su existencia, solo durante dos años en su cabaña a orillas del lago Walden, en Massachusetts, donde pasó sus días escuchando, inspeccionando, caminando, dibujando, grabando, pensando y escribiendo. Es esta postura, esta porosidad con los lugares, pero también con las personas, la que he tratado de adoptar en cada uno de los proyectos de Walden [a place]. Se trata de largas residencias (a veces de un año) en los lugares en cuestión, que me permiten sumergirme en la atmósfera, la configuración de los edificios y recoger formas, materiales y palabras, una multitud de cosas y materiales que recojo en pequeños cuadernos y que luego utilizo para escribir partituras que llamo placas gráficas.

¿Cómo se presentan?
Se trata de partituras que hacen poco o ningún uso de la escritura tradicional. Las partituras son muy diferentes entre sí y cada una es única, derivada de la colección que realicé y vinculada al lugar donde tomó forma: el Château de Ranrouët para el centro Athénor, la Cité Radieuse de Marsella, la Abbaye de Noirlac, los jardines de Royaumont, el Mont Ventoux, la Cité de la Musique de Metz o la Philharmonie de París, etc. Estas coloridas representaciones gráficas utilizan símbolos relacionados con mis colecciones. Están pensadas para ser interpretadas en el mismo lugar de su creación, y para nomenclaturas instrumentales diversas y a veces incluso libres. En realidad son las partituras las que se colocan en los atriles y las que tocan los músicos, no son diagramas o dibujos que dan rienda suelta a los intérpretes, sino simplemente las partituras, llenas de limitaciones.

El proceso recuerda al trabajo de Éliane Radigue con sus intérpretes y a la transmisión oral que, según ella, se produce...
Por lo que sé, Éliane Radigue parte de imágenes compartidas con los músicos, pero no diseña necesariamente los soportes gráficos. Sin embargo, soy muy consciente de que mi forma de trabajar requiere largos momentos de intercambio y puesta en común con los intérpretes. Esto transmite cosas que no se dicen porque no se pueden (des)escribir, pero aparecen poco a poco, en la discusión y a veces incluso simplemente en la sensación del grosor de un lugar, de una línea gráfica. Estas partituras que presento a los intérpretes requieren un largo periodo de maduración: quiero que vean los lugares antes de los ensayos, para que puedan sumergirse mejor en el material recogido. Les lleva tiempo familiarizarse con la complejidad de los símbolos utilizados, descifrar los signos y captar su significado más profundo. Por lo tanto, hay un vaivén permanente entre la arquitectura, el sonido, la escritura y la creación. Esta transmisión oral también es eficaz en el caso de que otros músicos -esto ya ha ocurrido- quieran volver a tocar una partitura, en el mismo lugar o, por qué no, en otras estructuras. Pero me gusta especialmente la idea de que el concierto que se da in situ es también el momento único en que el lugar resuena, en el momento de la actuación. Las piezas de Walden no están necesariamente destinadas a ser reproducidas o grabadas.

¿Queda algún espacio para la improvisación durante el concierto?
Cada instrumentista tiene que elegir de antemano, pero una vez tomadas las decisiones, la escritura es fija y medida y no deja realmente espacio para la verdadera improvisación libre. Por otra parte, algunas puntuaciones permiten elegir la circulación según la cual el curso general puede cambiar dentro de los límites de una aleatoriedad controlada.

También menciona dos principios fundamentales en el trabajo que se realiza a partir de sus placas gráficas: " Aquí, cada persona tiene su propio papel, su propia libertad de interpretación, de lectura y de escucha, respetando los dos principios queridos por John Cage de interpenetración y no obstrucción". ¿Qué quiere decir con esto?
Estos
son los principios de su maestro Suzuki, tal y como se recogen en la filosofía budista zen (en elsutra Avantamsaka). En el trabajo colectivo, estos principios se aplican aquí a la práctica sana: lo que hago debe fundirse e interactuar con el trabajo de los demás (interpenetración); evito hacer algo que obstruya las propuestas de quienes me rodean (no obstrucción). Como jefe de proyecto, a veces tengo que moderar ciertos impulsos y regular las cosas cuando los problemas de ego perturban el esfuerzo colectivo...

El Walden (Philharmonie), interpretado el pasado mes de junio, reunió bajo su dirección a siete solistas del Ensemble Intercontemporain y a un grupo de aficionados que participaron en la recogida de materiales y en la elaboración de ciertas partes de la tabla gráfica. Tenían a su disposición objetos sonoros y pequeños instrumentos de percusión y trabajaban en parejas con los miembros del EIC. ¿No era arriesgada la idea de enfrentar a lo mejor de la escena contemporánea con músicos no profesionales?
Me
gustan los retos. La calidad de la reproducción del sonido recompensó mis expectativas y el trabajo en parejas entre profesionales y aficionados confirmó las ventajas de la transmisión oral. Al trabajar de este modo y confiar a los intérpretes mis partituras gráficas, busco reposicionar los roles predefinidos por una historia social de la música. El compositor, el director de orquesta, los músicos, los oyentes... Ahora tengo en mis cajas una treintena de partituras gráficas que me gustaría hacer publicar para que los músicos puedan retomarlas: sería una manera de poner fin a este proyecto, un proyecto que me ha mantenido en pie durante diez años y que me ha hecho trabajar con conjuntos fabulosos en Francia y en el extranjero, y en lugares diferentes cada vez.

El grito de AntígonaSu espectáculo musical, dirigido por Anne Monfort, se estrenó el pasado mes de mayo en Marsella y acaba de reponerse en el Arsenal de Metz. La partitura mezcla la notación tradicional y los gráficos, por ejemplo en el cuadro 2, para el guitarrista que no es lector. La partitura también muestra material dibujado que guía el juego de los intérpretes con el poliestireno o las hojas muertas que tienen a mano. Una vez más, nos encontramos en una situación intermedia con fronteras porosas...
El espacio es realmente difícil de definir. Tengo a mi alrededor intérpretes que se sienten muy cómodos con los códigos de la música escrita y que también tienen esa capacidad de escuchar a los demás y de reaccionar a las exigencias del momento. Muchos de ellos vinculan hoy estas dos dimensiones en su práctica. Quiero darles la posibilidad de afirmarse como artistas únicos permitiendo este intermedio que significa que la música no sonará exactamente como uno podría esperar, sino con ese pequeño extra que aporta la singularidad de la persona. Este es el sentido principal de la interpretación, me parece. En Le Cri d'Antigone, esto se puede escuchar particularmente en los solos que escribí para algunos.No está escrito, no se puede explicar, pero se puede sentir y elaborar en la nariz, "en la hoja" como decimos entre nosotros... Lo que me interesa a través de la notación que propongo es sacar de la humanidad de cada persona algo único al servicio de un proyecto colectivo.

Además de su trabajo como compositor, también improvisa dentro del dúo de ruido NOORG o con músicos como Serge Tessot-Gay, Audrey Chen o eRikm...
En su libro Improvisar libremente, una cartilla sobre una experienciael músico improvisador y pensador Le Quan Ninh, con quien tuve la oportunidad de trabajar hace unos años, se plantea esta pregunta: "¿A qué tengo que renunciar para improvisar libremente? ¿Tengo que hacerlo? ¿No debería dejar lo que conozco, para siempre? Realmente tengo esta sensación de abandono y de dejarse llevar hacia un estado de porosidad total y absoluta cuando improviso, por ejemplo, en el dúo NOORG, junto a Éric Brochard. Antes de cada uno de los conciertos del dúo, nunca se habla de la música, ni siquiera de la forma, la dirección o los objetos que se cruzan. Nos sumergimos literalmente en cuerpo y alma en el sonido sin que nada ni nadie parezca impulsar nada. Es una experiencia que no acepta concesiones. Es muy difícil hablar de ello y describir el estado en el que nos pone la improvisación libre. 

¿Cómo encaja esta práctica en su composición?
No tengo la sensación de que la improvisación libre exija el abandono total de otra práctica, por ejemplo la composición, la escritura o un enfoque para tocar con limitaciones. Por mi parte, navego a través de diferentes prácticas que se alimentan entre sí. Mi forma de componer y compartir con los intérpretes para crear objetos sonoros, caminos, formas, grosores y materiales, nunca me sitúa en la posición del sabedor, del genio demiurgo intocable que domina todos los parámetros del sonido y da a luz a la música a través de su gesto reconocible y admirable... En los proyectos que me impulsan, la frontera entre lo escrito y lo no escrito es muy difusa. El resultado sonoro de una experiencia colectiva en torno a una partitura, ya sea gráfica, aleatoria, abierta o más clásica, será por supuesto muy diferente de lo que se interpretará en una improvisación libre, si es que realmente podemos imaginarnos ser totalmente libres en la improvisación. Estas dos experiencias me hacen feliz y transforman mi relación con las cosas y con los demás. 

Entrevista realizada por Michèle Tosi

Fotos artículo © Vincent Beaume
Fotos particiones © Loïc Guénin

Relacionado

comprar cuentas twitter
betoffice