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Desde Claudio Monteverdi hasta Pierre Henry, la lira de Orfeo y los poderes de la música nunca han dejado de inspirar a los compositores. Con la ópera de cámara Eurídice, estrenada en Francia en el Athénée, Dmitri Kourliandski y Antoine Gindt examinan el mito, dándole a la historia nuevos matices.
El libreto está basado en un largo poema de la escritora rusa Nastya Rodionova. Es el monólogo de una mujer en busca de su amado, que asume el protagonista de la ópera. Eurídice, hay que recordarlo, es la esposa enviada al inframundo después de que Orfeo insultara a los dioses cuando, al volver a la vida, se giró para verla. En esta "experiencia de la oscuridad" -la oscuridad del inframundo y un movimiento de introspección- medita sobre su condición y su soledad, en el recuerdo de quien ha perdido: "la memoria es más terrible que el destino", se lee en el hermoso texto de la escritora.
Para el director Antoine Gindt y su fiel equipo, Daniel Levy (iluminación), Élise Capdenat (escenografía) y Fanny Brouste (vestuario), era importante inscribir el largo tiempo de esta introspección a través del canto de la soprano Jeanne Crousaud. No hay drama ni evolución en la narración, sino un espacio que necesita tiempo para existir. Hay pocos elementos en el escenario -un banco, un sillón, la perspectiva de un retrete y unas cuantas hojas muertas amontonadas- y esta oscuridad permanente, si no fuera por la dura luz de dos neones que sobresalen del escenario. El tramo de agua y humo en el suelo aporta una dimensión onírica a un escenario en el que el elemento acuático se sugiere a menudo. Gindt añade la presencia muda de Orfeo, siempre a la sombra de Eurídice. El director pensó en Dominique Mercy, que bailó Orfeo durante toda su carrera en la compañía de Pina Bausch, como un Orfeo que había envejecido, en contraste con la eterna juventud de su esposa perdida, explica. Está tumbado en el banco cuando ella empieza a cantar, antes de caer al suelo; viajero errante, abre una bolsa y explora su contenido o sigue los pasos de su Eurídice, a la que intenta recuperar en vano. Dominique Mercy no baila su papel, sino que reencarna el mito con su presencia.
El libreto sobre el que trabajó Dmitri Kourliandski se articula en siete "arias", como otros tantos números cantados por la soprano desde diferentes perspectivas sonoras. Esta no es la primera experiencia del compositor con el escenario. La partitura deEurídice data de 2019, terminada justo antes del encierro y estrenada en la escena italiana en 2021. Utiliza música de sonido fijo, difundido y espacializado en la sala (mediante una instalación de sonido ad hoc), así como un piano (teclado electrónico) tocado en el escenario. El espectáculo comienza en la oscuridad con una magnífica secuencia puramente electroacústica, que invita al oyente a esta experiencia auditiva singular y envolvente. Enseguida nos encontramos con el universo ruidoso de un compositor que, desde los años 2000, desarrolla el concepto de "música objetiva": un arte sonoro que niega cualquier dramaturgia en virtud de una voluntaria "desubjetivación" de la obra: ningún drama que pueda contradecir la acción interior experimentada por el oyente. Su escritura, en la que está ausente cualquier noción de tonos fijos, adopta un sistema de notación relativa, dejando un margen de libertad y elección al intérprete. Para la soprano, el compositor fija un patrón melódico, un tempo y ciertos modos de enunciación. Kourliandski evoca la ornamentación monteverdiana en las estilizaciones vocales que adopta la soprano para cada "aria": alargamiento de la primera sílaba de la palabra, temblor al principio o al final de la frase, rebote en las palabras habladas, cantadas o coreadas, etc. El canto se vuelve lastimero, fantasioso, y la voz de la soprano se vuelve más compleja. El canto se vuelve lastimero, caprichoso, encantador, a través de tantas figuras exigentes y virtuosas que la voz de Jeanne Crousaud, ciertamente amplificada, asume plenamente. Se nota la evolución definitiva - amplitud y timbre - desde que asumió el papel en Le Petit Prince de Michaël Levinas en 2014.
En la producción de Antoine Gindt, la pianista(Bianca Chillemi), que sólo llega durante la representación, da la espalda al público, en un espacio donde toda comunicación parece haberse roto. Toca notas dispersas en el teclado cuya resonancia y distorsión nos llegan a través de los altavoces. Al igual que el piano, la voz de Jeanne Crousaud ha sido pregrabada por el compositor y sometida a los logaritmos del software que reinyecta a través de los altavoces el sonido modulado y desmultiplicado que se escucha como una superposición de la voz cantada en directo. Este ambiente sonoro, a la vez difuso e impalpable, se mantiene a lo largo de toda la representación (casi una hora), dando voz a las voces interiores del personaje en un inquietante ir y venir entre el interior y el exterior.
El proceso aleatorio utilizado por nuestro compositor permite renovar significativamente la interpretación del sonido en cada velada. Una excelente razón para ir a ver una y otra vez este espectáculo onírico y cautivador que se representa en elAthénée hasta el 15 de abril.
Michèle Tosi
