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C’est avec tout l’équipage du Pequod qu’Olga Neuwirth nous embarque sur le pont du baleinier où sa musique vient nous frapper au visage comme la vague du Pacifique. Avec les forces de l’Ensemble Intercontemporain et l’Orchestre du Conservatoire de Paris sous la direction de Matthias Pintscher, The Outcast (Le paria), inspiré par le roman de Herman Melville Moby Dick est donné en création française sur la scène de la Philharmonie de Paris.
La configuration spatiale de la Grande salle Pierre Boulez a été sensiblement modifiée pour accueillir le dispositif scénique de The Outcast, un ouvrage que la compositrice définit comme « musicstallation – theater with video ». Il n’y a pas de mise en scène à proprement parler mais des personnages costumés qui parlent et chantent sur le devant de la scène et deux chœurs placés à des niveaux différents : 24 hommes (Company of music) derrière l’orchestre et 24 garçons grimés (München Knabenchor), placés en surplomb, formant une tâche claire (comme la dune de sable ou l’écume des mers) dans un contexte globalement très sombre. On aperçoit trois échelles en fond de scène et des drisses quadrillent tout l’espace, qui nous rappellent que l’histoire se passe en pleine mer et sur un bateau. Les images – celles de Netia Jones – sont projetées sur cinq panneaux de tailles différentes, figurant peut-être l’archipel des Îles enchantées, autre roman d’aventure de Melville dont il est question dans le livret. La vidéo (ambiances marines, amas de chiffres, ciels tourmentés, mais aussi personnages filmés en gros plan) est partie intégrante de la dramaturgie, comme une strate supplémentaire au texte et à la musique qu’elle contrepointe superbement.
Si Olga Neuwirth nous raconte une histoire, celle, catastrophique, du baleinier Pequod et de son équipage, la narration n’est en rien linéaire, plus proche du scénario tant la technique d’élaboration évoque le cinéma que la compositrice connaît bien pour en avoir étudié les mécanismes. Au livret, en anglais, pour lequel elle fait appel à l’écrivain Barry Gifford, s’ajoutent les monologues du Old Melville écrits par Anna Mitgutsch. Melville au crépuscule de sa vie devient un personnage central (le comédien Johan Leysen) dans The Outcast qui amène cette part de théâtre que Neuwirth veut faire valoir. Installé à jardin devant son clavier, il se prête à de longues réflexions solitaires, sur l’idée de la mort, le sens de sa propre vie, abordant d’autres questions existentielles qui animent son esprit comme celui de Neuwirth : la cupidité, la soif de pouvoir, le désastre écologique… des digressions (toujours soutenues par l’électronique ou la texture légère des cordes) qui n’écartent pas l’humour voire l’ironie et dont la longueur peut paraître excessive, l’excès étant toujours un ressort expressif chez la compositrice! Elle ajoute elle-même d’autres textes (de Lautréamont, Lewis Carroll, Walt Whitman, etc.) et introduit une âme étrangère au roman de Moby Dick, le fantasque Bartleby (rôle chanté et incarné par une femme). Bartleby est l’anti-héros de la nouvelle éponyme écrite par Melville deux ans après Moby Dick, personnage étrange qui se soustrait à toute forme d’aliénation par la formule consacrée, « I would prefer not to » (je préférerais ne pas).
L’ouvrage en trois parties et seize scènes enchaînées nous plonge immédiatement dans un espace sonore très réverbéré où règne en maître l’hybridation des matériaux (instruments et électronique) et du style – « multi-sensoriel et à tiroir » – comme aime à le dire la compositrice. Au sein de l’orchestre, qui concentre un pupitre de cordes conséquent, on entend une guitare électrique, dont chaque intervention soliste flirte avec le jazz, un sampleur mêlant ses corps étrangers aux timbres de l’orchestre et un orgue liturgique, pour la scène du sermon notamment, où le Père Mapple (rôle parlé), lors de sa prédication généreuse soutenue par les tenues de cordes et les fréquences aiguës de l’électronique, rappelle bien à propos le récit biblique de Jonas puni par Dieu et reclus dans le ventre de la baleine. L’orchestre est souvent impulsif dans ses interventions, l’écriture mettant en vedette la trompette (l’instrument de la compositrice) entendue à travers le filtre de nombreuses sourdines.
Le voyage débute avec une chanson gaillarde de marin interprétée par le chœur de garçons, timbre pur et registre clair qui tranchent avec le son d’orchestre très hybridé et nous ramènent à chaque intervention dans le sillage du Pequod. Quant aux huit solistes qui chantent en bord de scène, ils concentrent autant de couleurs et de spécificités vocales que de personnalités incarnées. Parmi le quintette de l’équipage, tous partants pour aller tuer la baleine blanche, Queequeg le harponneur – « pas un cheveu sur la tête, sauf une sorte de nœud de crâne tressé sur son front », écrit Melville dans Moby Dick – se distingue par sa voix de contre-ténor, celle, rayonnante, d’Andrew Watts, interprète fétiche de l’Hommage à Klaus Nomi écrit par Neuwirth dans la même année 2010. On s’étonne à peine d’entendre, à travers sa voix et l’orchestre qui en répercute l’articulation, le fameux « air du froid » de Purcell, anamorphosé dans ce contexte étranger. Pip, le garçon de cabine et son tambourin, qui échappe à la noyade mais perd la raison, est une voix d’enfant (David Schilde), touchante dans la fragilité de son intonation. Elle est la seule à émouvoir Achab/Otto Katzameier, le capitaine du Pequod par qui tous les maux arrivent et contre lequel se révolte le Vieux Melville : « Le monde est un navire de guerre où certains s’arrogent un pouvoir divin et les autres sont leurs victimes », nous dit-il en substance. La voix du baryton, à qui Neuwirth réserve de très beaux solos, est large et richement timbrée. Loin d’être monolithique, le baryton découvre un registre aigu somptueux et d’une grande expressivité où passent toutes les nuances de cette personnalité complexe. Vaillants eux-aussi, Stubb (le baryton Peter Brathwaite) et Starbuck (le ténor Johannes Bamberger) ont chacun leurs mots à dire dans cette chronique de la vie à bord où la vocalité épouse les accents de la langue anglaise. Ils s’insurgent contre la xénophobie du capitaine et sa folie de vengeance, essayant en vain de l’arrêter dans son projet obsessionnel de tuer la baleine blanche qui lui a jadis arraché la jambe gauche. Si l’on entend, non sans humour, Achab échanger avec le vieux Melville (superbe Johan Leysen) ) dans la troisième partie, les deux personnages féminins sont eux aussi en phase avec l’écrivain, se considérant chacun comme son double ou son alter ego. Ishmaël(a) – le narrateur dans Moby Dick – est incarnée par la soprano Susanne Elmark, assumant tout à la fois un rôle parlé et une partie lyrique souvent vertigineuse. La voix est aussi flexible que lumineuse, libre dans son émission et d’une grande homogénéité de timbre. Les apparitions intermittentes de Bartleby/Anna Clementi, autre figure de paria qui semble narguer son interlocuteur, ne manquent pas leur effet : voix légèrement nasillarde et proche du music-hall, sertie de sonorités instrumentales ad hoc – trompette bouchée, synthétiseur et guitare électrique aguicheuse – transposant musicalement et à merveille cette « désobéissance nonchalante » (selon les mots de Laurent Feneyrou) qu’elle entretient.
On rattrape le fil de l’histoire dans la troisième partie (« la mer noire ») où Neuwirth évoque la houle de l’océan d’abord – une très belle page chorale entièrement vocalisée – puis le combat du Pequod avec la baleine blanche, scène impressionnante où s’interpénètrent le son de l’orchestre stylisant la vague et le flux de l’image passant progressivement du noir et blanc à la couleur rouge…
L’épilogue se déroule sous un ciel bleu avec de légers nuages blancs, un royaume édénique où se retrouvent Old Melville, le chœur de garçons et Ishmaëla chantant son message de paix dans un dernier air au lyrisme éperdu : « Pourquoi ne nous comportons-nous pas comme les nuages qui traversent lentement le ciel… ».
L’œuvre – chef-d’œuvre – est défendue bec et ongle par une équipe, vidéaste et techniciens, chœurs, solistes et orchestre, en étroite synergie pour articuler toutes les composantes de cette proposition aussi ambitieuse que fermement maîtrisée par le maître à bord, Matthias Pintscher ; The Outcast est cette œuvre-monde d’une compositrice qui entend se confronter à la réalité de son époque avec un élan et un engagement qui forcent l’admiration.
Michèle Tosi
