Con pasos de paloma, está surgiendo un justo reconocimiento de ciertas mujeres músicas, poco a poco y a costa de un cierto esfuerzo. Un esfuerzo loable, pero desgraciadamente el "efecto Clara Schumann o Fanny Mendelssohn" a veces perjudica a sus colegas femeninas de la época o a las que están vivas hoy en día: estas compositoras que (con razón) recuperan un lugar en nuestras salas de concierto se convierten en coartadas para no buscar más allá - y siguen garantizándose una garantía feminista. Grabar una pieza de Clara Schumann no convierte a un músico en activista de la causa de las mujeres compositoras. Para el tercer episodio sobre portadas de vinilos, he aquí cinco compositoras que han destacado por su originalidad y que merecen aparecer más a menudo en nuestra programación.

Un magnífico dibujo de Judith Lerner -artista que realizará una plétora de portadas para el sello Composers Recordings Inc. dedicado al repertorio americano moderno y contemporáneo- abre esta selección y rinde homenaje a dos grandes figuras del modernismo americano: Dane Rudhyar, expatriado francés, padre de la astrología humanista, compositor y gran inspirador de la new-age, y Ruth Crawford. Nació en Ohio en 1901, Ruth Crawford-Seeger Estudió música con su madre antes de continuar sus estudios en Chicago, donde recibió su primera descarga musical de Djane Lavoie Herz, una joven compositora que había estudiado unos años antes con Alexander Scriabin durante una estancia en Bruselas. (Para que conste: Scriabin vivió en Bruselas durante más de un año y dio clases de piano y composición. Allí conoció al pintor simbolista Jean Delville, que estaba ocupado con su gran cuadro Prometeo, que inspiró a Scriabin para componer su propio Prometeo). Por casualidad, uno de sus grandes alumnos canadienses -Alfred La Liberté- le envió a sus mejores alumnos, entre ellos un tal Djane Lavoie que, una vez de vuelta en Estados Unidos, difundió la buena palabra de Scriabin y de la teosofía (antecesora del New Age). Ruth Crawford quedó marcada para siempre. Su encuentro con Henry Cowell y el poeta Carl Sandburg también fue decisivo, pero al escuchar su PreludiosEn la distancia, se puede escuchar la influencia mística de Scriabin mejor que la de sus compatriotas. Su escritura es segura y deslumbrante. Sus Preludios , ciertamente modernos, forman uno de los ciclos más innovadores del siglo XX. De su matrimonio con el compositor y musicólogo Charles Seeger nacieron tres hijos, todos ellos con una inmensa carrera en la música folk, siendo el más famoso el pionero de la música folk, Pete Seeger, fallecido en 2014. Y si el universo cósmico de Scriabin pudiera encontrarse de alguna manera en las maravillosas canciones del hijo de Ruth Crawford, ¡un modernista antes de tiempo! 

En 2017, Joanna Brouk Joanna Brouk Joanna Brouk fue la invitada del festival Variations de Nantes y se encontró de nuevo en el escenario tras más de treinta años de parón para ofrecer al público francés su música meditativa y conmovedora. Unos días más tarde dejó este mundo y toda la música que tenía en su cabeza. Esta antigua alumna de Robert Ashley y Terry Riley nos deja pocas grabaciones o partituras, pero este doble álbum editado en 2016 por el Grupo Numero y con el dulce título de"HearingMusic" (nótese la bonita portada que la representa) recoge un montón de grabaciones que iban a acabar en la basura antes de que el productor de este sello Douglas Mcgowan consiguiera finalmente contactar con ella y convencerla de que editara todas estas cintas olvidadas. Esta recopilación nos ofrece lo mejor de Joanna Brouk y, afortunadamente, lo mejor de ella es prolífico. Descubrimos una música en la frontera entre el minimalismo, el ambient y el new-age (de nuevo) de gran belleza, muy pura y natural. Los sonidos de la naturaleza se integran de forma sutil y coherente con flautas acústicas que recuerdan a las atmósferas primitivas. En ningún momento cae en la trampa de este tipo de música, es decir, dar la impresión de estar escuchando música de relajación o de masaje. No, la música de Joanna Brouk evita esto, porque los sonidos puros, sin adornos de todo tipo de ritmos, hacen que esta música sea seria, compuesta y pensada. Uno cree estar escuchando música de otro tiempo y otro mundo. Y ciertamente lo es.
"Me gusta el sonido entre las notas y los espacios entre los silencios. Me gusta decir que juego con el silencio, que mi música evoluciona según este silencio. Siempre se vuelve al silencio".

El new-age tiene muy mala prensa en Francia y a muchos les parece un jugueteo fútil y sincrético con un montón de creencias pseudo-trascendentales aisladas que pretenden un despertar espiritual pacífico. Verborrea hippie, en definitiva. En la música, los resultados son a veces sorprendentes y a menudo dispares. Algunos mezclan a Brian Eno, Tangerine Dream, algunos experimentos de Keith Jarrett, Vangelis, recientemente fallecido, sin olvidar a los grandes representantes Kitaro o Jan Hammer. La música de la nueva era ha vuelto a ponerse de moda en los últimos años gracias al reconocimiento de ciertos artistas. Esta tendencia requiere un cierto despertar y nos obliga a despojarnos de nuestros desconfiados prejuicios occidentales. La delicada música de los jóvenes Ana RoxanneLa delicada música de los jóvenes, a veces etiquetada como ambient, minimalista o new-age, está en auge en los últimos años, y con razón. Después de escuchar un disco como este -para Leaving Records en 2019 y con el críptico título de "~ ~ ~" - uno sólo puede sentirse abrumado por esta música de (también) otro mundo. Fue una experiencia cercana a la muerte la que dio a Ana Roxanne el lado espiritual de su música. Su voz frágil con el tono justo, sus sonidos electrónicos sutiles, como perdidos, dan tiempo a su música para desplegarse y para que nos sumerjamos en todos sus colores sonoros.

Emahoy Tsegué-Mariam Guèbru tiene hoy 98 años y sigue viviendo en un monasterio etíope de Jerusalén y, según las últimas noticias, aunque sigue siendo una anciana respetable, la música ocupa todos sus días. En 2006, el sello LesÉthiopiques, fundado por Francis Falceto, publicó un disco con sus más bellas obras para piano interpretadas por ella misma, bajo el nombre de"Ethiopiques 21". El álbum fue un éxito. Su carrera despegó de nuevo y el mundo entero empezó a interesarse por esta figura única de la música etíope. Nacida en Addis Abeba (Etiopía) en 1923 en el seno de una familia acomodada y alfabetizada, Yèwèbdra Guèbrou (nombre real) fue llevada a Suiza tras un exilio para ser educada en un internado femenino. Unos años más tarde, en El Cairo (Egipto), continuó sus estudios musicales estudiando violín. Impedida a los veintiún años de continuar sus estudios musicales y perfeccionar sus habilidades en Inglaterra, se dejó marchitar e ingresó en un convento donde tuvo el tiempo libre para enseñar música, practicar su piano y, sobre todo, componer. Su obra es prolífica, pero desgraciadamente todavía se difunde muy poco. La mayoría de sus obras son para piano o piano/voz y su música se compara a menudo con la de Erik Satie, Brian Eno, Alice Coltrane, Charles Mingus o Bill Evans (como si hubiera que citar a todos estos compositores para darle una garantía de calidad), pero en realidad estas influencias, que se repiten a menudo en los artículos, no se notan tanto cuando se escucha en serio. La música de Mariam Guèbru no se parece a ninguna otra: se detectan claramente los modos y colores etíopes (a pesar de los puristas que a veces le niegan la inspiración de sus orígenes), a veces se oyen algunas inflexiones a lo Chopin , algunas reminiscencias del jazz, pero eso es todo. Se escucha una personalidad única con nuevos acentos musicales, giros melódicos repetitivos alejados del minimalismo pero cercanos a los mantras u otras músicas rituales y una sensibilidad exacerbada. Hoy, más de 16 años después de su redescubrimiento, su música sigue siendo desgraciadamente demasiado poco promocionada. En los últimos años, la maravillosa pianista israelí Maya Dunietz ha realizado un enorme trabajo para defender e interpretar esta inquietante música. Ha trabajado directamente con Mariam Guebru y ha reescrito varias de sus obras. La música de Mariam Guèbru es, por desgracia, poco accesible para los músicos que quieran tocarla (obtener una partitura cuesta más de 100 dólares). A los editores que nos leen, ¡hola! 

Julius Eastman es un compositor minimalista clandestino con un destino trágico que resurge en las salas de concierto, también a paso de paloma. Y eso es una suerte. Pero este reconocimiento no se produjo por sí solo. Desde su muerte en 1990, un compositor que trabajó con él durante muchos años se ha esforzado por reintegrar a 'Eastman en la historia de la música: Mary Jane Leach. Esta compositora, que ha trabajado con Arthur Russell, Ellen Fullman, Peter Zummo, Philip Corner y Arnold Dreyblata, ha antepuesto esta búsqueda de reconocimiento de Eastman a su propio trabajo durante casi siete años y parece que sólo se la reconoce en Francia por ello, lo que es lamentable porque su obra es rica, bella e inspiradora. Muy interesado en el propio sonido y en su interacción en el espacio, este inmenso cuerpo de trabajo, que abarca muchos géneros, no deja indiferente. (F)lute Songs editado en el sello Blume en 2018 reúne cuatro piezas para flauta y voz compuestas entre 1985 y 2018. Fascinada por las superposiciones multipista de Steve Reich, explora en estas piezas interpretadas por Manuel Zurria todos los usos que ofrece la posibilidad de la regrabación. "A finales de los años 70, solía practicar tocando y cantando con cintas que yo mismo había hecho sosteniendo notas largas", dice. Comenzó como un ejercicio de entonación y terminó en una fascinación por los fenómenos sonoros: diferencia, combinación y tonos de interferencia". Mary Jane Leach sigue muy activa, componiendo y viajando. Es urgente que los teatros de Francia piensen en ella porque su música es bella, audaz y original.

François Mardirossian