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Superspectivas nace en 2019 del encuentro entre el pianista François Mardirossian y el filósofo Camille Rhonat y tiene lugar en los jardines de la Maison Lorette (Terraza Sur y Terraza Norte) con vistas a la ciudad de Lyon. Esta cuarta edición, que comienza mañana, 17 de junio, y finaliza el 10 de julio, reúne a artistas tan diferentes e iconoclastas como Carlomagno Palestina, Clara Levy, Alvin Curran o La Novia. Conozcamos a los dos jóvenes directores.
François, Camille, ¿cómo se conocieron?
Camille Rhonat: ¡Nos conocimos en la escuela cuando teníamos 15 años! Solíamos intercambiar discos y hablar mucho de ellos. François me presentó a Philip Glass, al que escuchaba desde hacía tiempo. En cuanto a mí, aparte de la música clásica y el jazz, tenía una pasión devoradora por David Bowie. Ese fue el comienzo de mi descompartimentación mental de la música, que encontramos años después en Superspectivas.
Hablemos de música: ¿cómo se crea un nuevo festival de música contemporánea hoy en día? ¿Qué significado tiene para usted el término "música contemporánea" en una época en la que se cuestiona esta terminología histórica?
François Mardirossian: Nos planteamos muchas preguntas; cómo asumir este término, en lugar de los de música creativa, exploratoria o actual... pero rápidamente decidimos que teníamos que asumirlo porque las referencias históricas ya están lejos de nosotros: Boulez fue en 1952, ¡es más contemporáneo de Shostakovich que de mí!
También queríamos mostrar que la música contemporánea reúne otras músicas fuera de Europa, en Estados Unidos por ejemplo con el jazz y la música india americana. Si tuviera que definir las grandes revoluciones musicales del siglo XX, pondría en primer lugar el jazz, y quizás Debussy y Stravinsky. En 2022, nos pareció más importante avanzar hacia este tipo de música. Hacia la música minimalista que apenas empieza a ser aceptada aquí, la de los dinosaurios como Phil Glass, Terry Riley, La Monte Young.
CR: Es un reto un tanto ambicioso y codicioso para asumir el tema principal, que es reconciliar al público con la música contemporánea, aunque sea un término que siempre desanima. Intentamos separarnos de las vanguardias algo anticuadas. No creo en una élite ilustrada a la vanguardia de la estética que legitime la música del futuro para educar al público.
¿Cómo empezó el festival en 2019? ¿Y por qué lanzar un festival en Lyon?
CR: Tuvimos la oportunidad de proponer un proyecto a la Maison de Lorette que nació de una reflexión sobre los hábitos culturales locales de los lioneses. De hecho, no había ningún festival que se celebrara todos los años en un único lugar y durante un periodo bastante largo (un mes). Queríamos ofrecer una alternativa, festiva y veraniega, a los enfoques académicos e institucionales de la música contemporánea y, al mismo tiempo, proponer cosas más exigentes o raras que en la mayoría de los festivales de verano. También queríamos destacar la música minimalista y la hibridación con otras músicas distintas a la académica.
FM: El festival salió a flote en nueve meses con esta increíble obra de apertura del compositor y pianista Frédéric Rzewski, ¡El pueblo unido nunca será derrotado! (1975), en ese lugar mágico que es la Maison de Lorette, en la colina de Fourvière. Y fue un gesto fuerte para nosotros: político, musical, territorial.
También desarrollamos un tipo de comunicación diferente, con humor y autoburla, que no es tan habitual en nuestro medio tan serio, y nos ocupamos de redactar todas las presentaciones de los conciertos para hacerlas comprensibles a todo el mundo. Y en cuatro años ya hemos conseguido un público fiel (aunque modesto), que viene a disfrutar de un lugar único en la naturaleza, que descubre la música a todas horas del día y de la noche y asiste a conciertos híbridos.
CR: Híbrido en el sentido del público, porque lo importante es descompartimentar al público; en cuanto a la descompartimentación estética, los artistas se encargan muy bien de ello. El público de Lyon está todavía bastante disperso, y nuestro deseo es atraerlo a través de nuestra transversalidad, como hace, por ejemplo, el metro de la Ópera.
Esta es la 4ª edición. ¿Cómo funciona? ¿Cómo se construye un programa por parejas? ¿Y qué significa para usted "programación"?
FM: Intentamos hacer un programa que se parezca a los dos, con nuestros respectivos gustos, por ejemplo con mi cultura que también forjé durante diez años en Bélgica. Intentamos traer proyectos que no se escuchan en otros lugares, al menos en la región de Lyon. Lo importante también es crear conciertos desde cero: buscamos un compositor, intérpretes y los reunimos en torno a un proyecto; de hecho, no hacemos mucha difusión. Cada uno de nosotros tiene sus propias redes, las mezclamos y creamos encuentros.
CR: Para mí, el papel de director artístico es inseparable de mi trabajo como programador, me gusta ocupar un lugar fructífero en el proceso creativo. También es una experiencia de amistad y emulación intelectual. Las ideas no faltan, pero afinarlas juntas es precioso e indispensable.
FM: Estar solo es un poco megalómano, ¿no?
CR: Y además somos directores, así que también tenemos que rendir cuentas. Estamos presentes en todo, aunque tengamos un pequeño equipo con un responsable de producción permanente, un responsable de comunicación y una treintena de voluntarios durante el festival.
En este programa, hay nombres que conocemos bien en Hémisphère son - Lubomyr Melnik, Gavin Bryars, Charlemagne Palestine- y otros artistas que estamos descubriendo, como...
CR: ... Chassol, con "Six Pianos Ultrabirdz & More" (2 de julio). Muchos asistentes al festival nos conocieron gracias a Chassol, a quien programamos el año pasado con Ludi, su último disco. Queríamos que expresara su apego a la música contemporánea tanto como su apego al medio ambiente (a través de su trabajo de grabación de campo). El corazón de su obra es el "ultrascore", es decir, la armonización de secuencias sonoras grabadas, un método muy directo de crear música que permite mezclar minimalismo y pop.
FM: También mencionaría al clavecinista Jean Rondeau (29 de julio). Ya queríamos invitarlo el año pasado. Le descubrí hace diez años en Bruselas y la publicación de sus Variaciones Goldberg (UNDR) en Warner Music nos dio la oportunidad de invitarle a revisar estas Variaciones Goldberg con su amigo baterista Tancrède Kummer y un piano preparado.
Precisamente, ¿qué lugar le da a la generación más joven, a los jóvenes artistas? ¿Y cuál es su posición sobre la paridad en los programas?
FM: Desde el principio hemos dado un lugar real a los jóvenes, como en esta noche de carta blanca para los jóvenes estudiantes de la clase de composición del Conservatorio Nacional Superior de Música (CNSM) de Lyon. Intentamos mezclar la generación más antigua con la más joven, de 20 a 25 años.
CR: En cuanto a la cuestión de la paridad y la juventud, me gustaría subrayar que ya nos ocupamos de equilibrar la creación y el repertorio a través de los encargos. Después de este esfuerzo, también nos preocupa abrirnos a la escena emergente. Así, en Lyon, hemos establecido relaciones con los alumnos de las clases de composición y teclado del CNSM, pero también del Conservatorio de Región y de la Escuela Nacional de Música de Villeurbanne. Además, aquí hay toda una escena alternativa local, bastante alejada de los locales institucionales y muy activa, como se puede ver, por ejemplo, en lugares como Grrrnd Zero.
En el programa de este año, mencionaría Othman LouatiUn joven compositor y percusionista que vendrá el sábado 18 de junio a tocar Nocturnos, una reescritura electro/ambiental improvisada del Preludio de Die Walkyrie de Wagner.
¿Y qué lugar ocupan las mujeres músicas y compositoras en el programa?
FM: Desde el principio, hemos intentado realmente crear paridad en el festival. Al principio, programamos a mujeres músicas y compositoras durante toda una noche, pero la fórmula no fue satisfactoria y se nos reprochó que las hiciéramos invisibles al reunirlas en una sola velada. De hecho, tengo que admitir que todavía no encontramos muchas mujeres compositoras, y cuando convocamos proyectos, siguen siendo principalmente hombres los que responden.
FM - CR: Para esta edición, vamos a mencionar a algunas de estas mujeres artistas: Clara Lévy Las "Mujeres de las Artes", que acogemos con un programa basado en Hildegarda de Bingen y Pauline Oliveros; las "Mujeres de las Artes", con Christine Zayed, Sébastien Dupuis.conjunto Chakâmcon Christine Zayed, Sogol Mirzaei y Marie-Suzanne de Loye para celebrar la música persa (1 de julio) y la creación de La mer de la compositora Margaux Dauby con la ondista Cécile Lartigau (8 de julio).
CR: En cualquier caso, este año hay una verdadera concienciación y estamos tratando de encontrar ideas que vayan más allá de un enfoque contable. Por ejemplo, Clara Levy estaba prevista inicialmente para el fin de semana de Ambient y finalmente nos arriesgamos a ofrecerle una noche entera.
¿Es arriesgado programar a jóvenes y mujeres?
FM: En realidad, si miras la taquilla, asumimos más riesgos en la programación Alvin Curran ¿Quién es otro dinosaurio de la música minimalista contemporánea que Clara Lévy?
¿Puede hablarnos del sello Groovedge, con el que organiza un fin de semana en torno a la música ambiental los días 25 y 26 de junio?
CR: Groovedge es un sello independiente dedicado a la música alternativa que se encuentra a caballo entre el drone, el noise y el post-punk, y que al mismo tiempo se adentra en la música minimalista y concreta a través de su enfoque experimental. Forman parte de la escena lionesa a través de una red de músicos que recorren varios locales underground de calidad. Esta es nuestra primera experiencia de coprogramación.
¿Qué representa para usted el ambient: un género musical contemporáneo?
CR: Pensamos en el ambient como un eco de la noche minimalista que habíamos programado en 2021 porque buscábamos otro proyecto inmersivo para esta edición. Hemos querido destacar este género musical y recordar que sus fronteras son difusas e inciertas ante el éxito de las listas de reproducción de relajación y meditación; recordar que ante todo es música experimental.
Queríamos privilegiar el lado acústico de los inicios con la utopía de Obscure Records de Brian Eno (1975-1978) con Gavin Bryars, David Toop, Harold Budd...
FM : David Toop no pudo venir, pero vamos a tener grandes músicos como Yannick Lestra, MTUA, Camille Heim, Felicia Atkinson, Laura Lippie...
Para terminar, usted escribe en la presentación de Superspectivas que quiere desarrollar una experiencia honesta de la cultura... ¿qué quiere decir con esto?
FM: Tal vez me refería a la experimentación en la programación misma, con notas falsas y posibles fracasos. La vida está llena de notas falsas y la música también. Afrontar nuestras ideas y no hacer concesiones.
CR: Creo que también es una crítica a la festivalización y a la tiranía de la rentabilidad. Una forma de ser sincera, leal y orientada a la música y menos a la rentabilidad aunque sea difícil, sobre todo hoy en día.
Entrevista realizada por Sandrine Maricot Despretz
