En el campo del arte y la realidad virtual, Celine Daemen (nacida en 1995) se ha hecho un nombre como directora y creadora visionaria. Su mezcla única de tecnología, música y narrativa traspasa los límites de las formas artísticas tradicionales. Desde óperas de realidad virtual hasta instalaciones de vídeo inmersivas, la obra de Daemen trasciende el ámbito físico e invita al público a explorar nuevas dimensiones de emoción y experiencia. 

Celine Daemen¿Qué formación has recibido y cómo te conviertes en un virtuoso de la realidad virtual como tú?
Jaja, gracias. Hice un curso de dirección en la Academia de Artes Escénicas de Maastricht, que me ayudó a definir mi forma de utilizar este medio. Creo que si ves mis piezas de realidad virtual puedes sentir, a mi modo de ver, la presencia del espectador en el aquí y ahora; te das cuenta de que están basadas de alguna manera en la historia del teatro y en la forma en que la música se relaciona con el público. Mi último trabajo es algo muy inmersivo: permite al público sentirse a sí mismo. No me interesan las obras muy narrativas, sino las dramaturgias atmosféricas y musicales. Los medios inmersivos alimentan mi imaginación.

Songs for a Passerby fue galardonada en la Bienal de Venecia, donde usted acaba de recibir el Gran Premio de Venecia Inmersiva 2023. ¿En qué consiste exactamente el trabajo de un director en un proyecto así y quiénes son sus colaboradores en esta empresa?
Trabajé con un equipo formado por mi director artístico Aron Fels, el compositor de sonido y música Asa Horvitz y el libretista Olivier Herter. Todos ellos estuvieron muy implicados en el proceso creativo. Compartimos nuestras ideas en una fase muy temprana, implicándonos mutuamente en nuestros procesos creativos, sesiones de brainstorming y sesiones de trabajo. Creo que esto es muy importante en el trabajo transdisciplinar. De este modo, las disciplinas convergen en un todo magnífico en el que, cuando experimentas todos estos elementos, ya no puedes separar nada. Mi papel como director aquí es asegurarme de que todo encaja y de que todos los miembros de mi equipo central se mueven en la dirección correcta. Intento inspirarles e invitarles a compartir sus ideas y hacer que trabajen íntimamente juntos. Inspirándome en sus ideas, intento idear un concepto que reúna todo en atmósferas envolventes y hechizantes y que se ajuste a lo que ellos y yo queremos expresar en la obra.

Teaser Nowhere from Studio Nergens /by Celine Daemen on Vimeo.

Dice que no hay una historia real en Songs for a Passerby : ¿cómo resumiría el libreto de Olivier Herter en el que ha trabajado?
El texto/libro no es el elemento principal. Son los sonidos y las imágenes los que guían al público a través del espectáculo. Para que se haga una idea: el público viaja a través de escenas oníricas, descubriendo una ciudad a pie, guiado por un perro que marca el camino, y por el camino se encuentra con varias calles con transeúntes, se cruza con un caballo moribundo, con gente sentada en un tren subterráneo cuyos pensamientos son como mantras que se pueden escuchar; cada espectador ve su propia imagen reflejada, su propio cuerpo, grabado en directo, caminando a través de estas escenas. Pueden disfrutar de una visión muy amplia, una visión de conjunto, y pueden volver a visitar algunas de las escenas que han vivido previamente desde la distancia. En estas escenas, también nos vemos a nosotros mismos desde una gran distancia: el espectador se mira a sí mismo mientras observa, provocando un sentimiento de soledad o melancolía.
Los textos que Olivier ha escrito, y que el espectador descubre a lo largo de la película, son mantras inquietantes, como los esquemas de pensamiento de los personajes que conocemos. Son murmullos íntimos y existenciales.

En Songs for a Passerby, el usuario-espectador se convierte en protagonista y puede explorar la ciudad a su ritmo, interactuando con el entorno y los personajes. ¿Cómo se consigue esto?
En realidad, no hay mucha interacción. Al menos, no hay nada que salte a la vista. A lo largo de la obra existe la idea de que no se puede interactuar. Vas pasando por las escenas y tienes la impresión de que no puedes cambiar nada. Estar al lado de este caballo moribundo y no poder ayudarle es una sensación muy inquietante, que sitúa la condición de espectador en el centro del cuestionamiento artístico. Es una aproximación voyeurista al medio. Técnicamente, entre bastidores, hay por supuesto un montón de pequeñas interacciones técnicas, perros que aparecen en el momento exacto, por ejemplo, o que deambulan por los espacios y descubren nuevas escenas en el mismo espacio. Todo esto depende principalmente del ángulo de visión del público y de su posición en el espacio físico. El público gira en círculos y podemos cambiar el entorno en cualquier momento, dándoles la impresión de emprender un gran viaje, pasando de un escenario a otro, refrescando los ambientes que tienen delante. Como he dicho, se encuentran con su propia imagen reflejada en las escenas: para ello utilizamos cámaras 3D en directo.

¿Qué parte de la música es de Asa Horvitz? ¿Se canta el texto íntegramente, como en una ópera tradicional?
El texto no se canta entero. Es un enfoque mucho más contemporáneo. Es como si fuera un paisaje musical y auditivo que podemos explorar. No hay realmente una brecha entre el sonido y la música. Todos los sonidos se utilizan como elementos musicales. Por ejemplo, el aliento del caballo moribundo o los pensamientos susurrados de la gente en el metro no son canciones, pero estos fenómenos sonoros se abordan musical o rítmicamente. Además, hay melodías inquietantes en ciertas partes del tema. Todo está compuesto por Asa, desde la respiración del caballo hasta las melodías. Algunas de las melodías son ecos de canciones existentes.

En su nota de intenciones, habla de una experiencia que toca un sentimiento reconocible de melancolía, y elige como exergo una elegía de Rilke: " Esto es lo que significa el destino: ser opuesto, y ser eso y nada más, opuesto, para siempre "
Es un tema recurrente en toda su obra... ¿Refleja una visión sombría o incluso pesimista del mundo?
En absoluto. La palabra melancolía en neerlandés tiene una connotación diferente a la inglesa. Hay cierta belleza en este sentimiento. La pieza evoca un sentimiento de soledad o tristeza ante el paso de la vida, pero también un fuerte deseo de ser uno con el mundo. Creo que la pieza es un viaje espiritual que evoca este sentimiento de melancolía, de estar fuera del mundo, de mirarte a ti mismo mientras ves pasar la vida; pero terminamos la pieza con una confrontación con tu imagen en un espejo cercano y dos perros jugando a tus pies. Para mí, es una imagen de la alegría de estar aquí y ahora.

Entrevista realizada por Michèle Tosi

Visite Songs for a Passerby en el Muziekgebouw de Ámsterdam hasta el 30 de septiembre (producción Silbersee, coproducción Studio Nergens, Via Zuid, Muziekgebouw Productiehuis)

Con el apoyo de Performing Arts Fund (NL)

Fotos © Celine Daemen
Fotos © Aron Fels