Tijn Wybenga forma parte de una generación impregnada de hip-hop y música electrónica que está renovando los códigos del jazz. Al frente de AM.OK (Amsterdam Modern Orkestr), de la que es director y compositor, inventa nuevas formas de escribir y tocar esta música. Representa la escena holandesa más dinámica e innovadora. En esta entrevista, nos cuenta los orígenes de la orquesta, comparte algunos de sus métodos de composición, habla de su trabajo como director y analiza la escena actual del jazz holandés.

Tjinla orquesta AM.OK tiene una configuración particular. Algunos elementos son habituales en la big band de jazz tradicional: una sección de metales (según las épocas: saxofón, saxofón tenor, trompeta y trombón, y más recientemente saxofón, clarinete bajo, trompeta y trombón), y una sección de ritmo y armonía (bajo eléctrico/contrabajo, batería, vibráfono, guitarra eléctrica y, según las épocas, un teclado eléctrico). Sin embargo, hay algo menos frecuente: la presencia de un cuarteto de cuerda (inicialmente dos violines, una viola y un violonchelo, ahora con dos violas, y este cuarteto puede convertirse eventualmente en un quinteto de cuerda cuando Alessandro Fongaro elige el contrabajo en lugar del bajo eléctrico). ¿Qué le llevó a elegir esta configuración instrumental tan particular, que no es habitual en el jazz, sino más bien en la música clásica?
En primer lugar, me encanta la música clásica, especialmente la música para cuarteto de cuerda. Por ejemplo, Ainsi la nuit de Henri Dutilleux y el Cuarteto de cuerda nº 7 de Dmitri Shostakovich. Así que escuchando esta música, con admiración, quise reproducir este sonido en mis creaciones. En segundo lugar, en lo que respecta al jazz, me gusta tanto la música orquestal contemporánea como la de pequeños grupos, como tríos o cuartetos. Al fundar AM.OK, quise crear una orquesta híbrida capaz de producir ambos sonidos. Sobre todo, me inspiré en los músicos que tocan los instrumentos de cuerda: estos cuatro instrumentistas son superdotados, con cualidades muy singulares y un sonido propio. Pablo Rodríguez es un violinista pizzicato excepcional, con un auténtico sentido del groove. Yanna Pelser canta y toca al mismo tiempo, con un sonido realmente cálido. George Dumitriu es un mago de la viola mejorado electrónicamente, con unos solos de locura. Pau Sola es un experto en improvisación libre, que lleva constantemente la creatividad del cuarteto a nuevas cotas. Este grupo es tan rico en posibilidades que he aprendido muchísimo gracias a nuestra colaboración en los últimos años.

¿Cómo conociste a los músicos que componen AM.OK?
Siempre quise trabajar con artistas como el batería Jamie Peet. Conocí a algunos más cuando terminé mis estudios en el Conservatorio de Ámsterdam. Pero conocí a la mayoría de los miembros del grupo en pequeñas sesiones de jazz/impro en el Café De Ruimte o en conciertos en el Bimhuis. Me propuse encontrar artistas que tuvieran su propia narrativa musical y su propia voz, artistas que demostraran una fuerte personalidad improvisadora y que lideraran su propia banda. Así que AM.OK se ha convertido en una "banda de directores de orquesta". Ahora se puede llenar una velada en un festival con grupos que han salido todos de AM.OK. Es estupendo trabajar con gente que sabe dirigir a otros instrumentistas además de componer. Por eso el ambiente en este grupo es muy positivo y respetuoso, ¡y estoy muy agradecido por ello!

El nombre AM.OK, por "Amsterdam Modern Orkest", hace referencia a un fenómeno aterrador y morboso: un repentino ataque de locura sanguinaria, observado por etnólogos en ciertas regiones de Asia. ¿Por qué eligió esta referencia?
Empecé con el nombre Amsterdam Modern Orkest y quise encontrarle una abreviatura agradable. Se convirtió en AM.OK. Conocía la expresión inglesa "running amok" o en neerlandés "amok maken". En los Países Bajos, esta expresión se utiliza habitualmente cuando la gente (principalmente niños o jóvenes) se enfada de repente y provoca una pelea o un pequeño disturbio. Esta expresión es mucho menos violenta que el origen de la palabra. En el caso de nuestro grupo, la asocio más a la oposición al statu quo, o incluso a la rebelión, lo que para mí se corresponde con la forma en que la música del grupo encaja en la evolución general del jazz.

Para su segundo álbum, Brainteaser (2021), utilizaste un método de composición en cuatro etapas muy interesante. En primer lugar, grabó improvisaciones individuales de sus músicos, basadas en patrones que usted les había sugerido, una especie de laberinto musical que les permitía viajar muy libremente a través de las teclas. La idea era producir una composición empírica, basada en el sonido de los instrumentistas y su forma de tocar, más que una composición producida enteramente bajo tu dirección. Ensamblaste estos cientos de grabaciones en casa, utilizando el software Live Ableton, como samples, en un estilo techno o hip-hop de la vieja escuela. Hay que decir que se trata de una cultura musical en la que estuviste inmerso durante toda tu juventud. Escribiste tus composiciones a partir de estos ensamblajes. Después, los músicos tocaban las piezas en directo, para hacerlas suyas, porque implican configuraciones sonoras que nunca habrían imaginado sin el trabajo que hacías en el ordenador, que a veces era muy complejo, ya que ibas aislando pequeños fragmentos de frases. Por último, has grabado este álbum. Tengo dos preguntas.

¿Eran indispensables las partituras laberínticas y muy libres que dio a los músicos para las primeras improvisaciones? ¿No podría haber elegido la improvisación pura, sin dirección, para realizar sus composiciones en Live Ableton?
Es cierto que si hubiera optado por la improvisación pura, sin dirección, podría haber creado composiciones igual de adecuadas para el grupo. Sin embargo, cuando empecé a dirigir la improvisación, tuve la sensación de canalizar más las ideas de los músicos, y de poder reunir diferentes variaciones sobre un mismo motivo, o empujar más al improvisador hacia la radicalización de sus ideas. De este modo, la improvisación contenía momentos más potentes y más interesantes de probar. Es un poco como dirigir una obra de teatro. Sin director, los actores son capaces de producir una representación de calidad, pero gracias al trabajo del director, la representación se vuelve más completa, más expresiva y (esperemos) ¡más cautivadora!

El procesamiento electrónico basado en el sampling era esencial en el trabajo de composición, los métodos del hip-hop y el techno, pero tú quieres mantener una configuración muy acústica en directo. ¿No te gustaría añadir samples, cajas de ritmos o sonidos de sintetizador a AM.OK?
Por supuesto que sí. Actualmente estoy trabajando en un nuevo álbum y en un espectáculo en el que mezclaré sampling y electrónica en directo con el sonido en vivo de AM.OK. Para el álbum Brainteaser, decidí no hacerlo, porque quería dejar a los músicos todo el espacio del espectro sonoro para explorar y experimentar. Sin embargo, las muestras originales utilizadas en mis composiciones tenían un cierto carácter que acabé lamentando en la música en directo. Así que compuse un nuevo álbum llamado Re:Brainteaserutilizando las grabaciones en directo con los samples originales remezclados por el productor Lowkolos. Así fue como los samples acabaron reapareciendo. También los utilizo a veces en el escenario, para presentar un tema con los materiales que se utilizaron para crearlo. Como oyente, me gusta escuchar el proceso creativo en el corazón de la música. Por eso, para el próximo álbum, estoy experimentando con una mezcla de directo, sampling y electrónica que aparece en la propia música.

Con AM.OK, tu papel es el de compositor y director de orquesta en directo. No tocas tu instrumento, el piano, con la banda. ¿Qué influencia tiene en la forma de tocar las canciones? ¿Puede cambiar por completo el curso de una actuación en directo?
Es una pregunta que me hago constantemente y con la que también he experimentado. Al principio, sólo dirigía, luego tocaba todo el set con rhodes y sintetizador. Hoy, combino las dos cosas. Toco cuando creo que la música realmente necesita el sonido del rhodes, pero la mayor parte del tiempo dirijo. Sentí una diferencia en la actuación cuando tocaba en vez de dirigir. La música era más dinámica, radical y expresiva cuando yo dirigía que cuando sólo tocaba. Dirigir va más allá de la sincronización y los cambios de pasaje. Puedes ampliar el espectro dinámico, crear espacio para que sucedan cosas nuevas, hacer que los gestos musicales sean lo más grandes y fuertes posible, etc. Es una actividad realmente apasionante. Es una actividad apasionante. Cuando tocaba, ya no podía hacerlo, porque me concentraba en mi parte. Me pregunto cómo se las arreglaba Duke Ellington para tocar y dirigir al mismo tiempo!
Tenemos herramientas que nos permiten cambiar por completo el curso de un concierto, cosa que a veces ocurre. Pero en AM.OK, a menudo es un instrumentista quien, de forma natural, propone una nueva idea. Lo único que hay que hacer en ese caso es asegurarnos de que le dejamos espacio suficiente para volver a algo que conocemos, cuando la transición parezca justificada. La música es algo vivo y, como director, no intento forzarla, sino simplemente acompañarla. La música tiene que pedir realmente un cambio y, por regla general, la sensibilidad de los músicos es tan fuerte que su reacción es inmediata. Me encantan esos momentos. Por ejemplo, durante un concierto, el cuarteto de cuerda se lanzó de repente a una improvisación que me recordó la música de El resplandor de Kubrick. Puede escucharla en el tema Aplauso - Live del álbum Re:Brainteaser.

En general, sus canciones parecen muy escritas. ¿Cuál es la diferencia entre la improvisación y una partitura en directo?
Es un tema interesante. Mi música se basa en la improvisación y conserva esa atmósfera fresca y espontánea. Pero es cierto que compuse y orquesté mucho, ¡porque había mucho que decir! En el álbum, alrededor del 30% de la música es improvisada, pero en concierto la cantidad de improvisación aumenta constantemente. Hoy en día, mi papel consiste una vez más en equilibrar todo eso. Si nuestra actuación es larga, las partes improvisadas se alargan, porque tenemos suficiente "tiempo", pero también porque el público está dispuesto a un viaje musical más íntimo y profundo. En Jazz Sous les Pommiers, por ejemplo, hubo un magnífico intermezzo improvisado en la pieza Triudium de Federico Calcagno y Teis Semey. Me encantó este momento, tan puro y tan honesto, que se hacía eco perfectamente de la historia de la pieza original.

¿Puede decirme si existe un sonido típico del jazz de Ámsterdam hoy en día? ¿O típico de los Países Bajos?
Desde luego que sí. Y me siento muy afortunado de estar asociado a él. Los músicos que realmente están ampliando los límites del jazz holandés son Reinier Baas, Joris Roelofs y Ben van Gelder. Ellos también contribuyeron a las grabaciones improvisadas de las que tomé muestras para el álbum Brainteaser. Hoy en día, una nueva generación de artistas está emergiendo y encontrando su propia voz en la escena contemporánea, entre ellos Kika Sprangers, Sun Mi Hong, Teis Semey, Jamie Peet y Jameszoo.

¿Cómo va la creación de jazz en Holanda? ¿Recibe apoyo? ¿Cómo funciona allí la economía musical?
Aquí hay una escena jazzística muy rica, con muy buenos locales y festivales en los que tocar. Como el club de jazz Bimhuis de Ámsterdam y el gran festival internacional North Sea Jazz. Afortunadamente, estos lugares y festivales dan a los artistas la oportunidad de componer nueva música y presentar sus nuevas creaciones. Esto es de vital importancia para nuestra escena. Salas como Bimhuis, Paradox, TivoliVredenburg, November Music y North Sea Jazz ofrecen a los artistas este tipo de oportunidades. Tuve la suerte de ser un Young Maker en el Bimhuis (con el apoyo del Fondo Holandés para las Artes Escénicas). Durante dos años pude componer, ensayar y actuar en la Bimhuis, donde también grabé mis dos discos. Mantengo una relación especial con el equipo que gestiona el local, que es un vínculo precioso. Si tengo alguna duda sobre la escena musical, puedo preguntarles. Con AM.OK también contamos con el apoyo del Fondo Holandés para las Artes Escénicas, que nos permite tocar mucho, tanto en Holanda como en el extranjero, y pagar adecuadamente a todos los músicos. Gracias a este apoyo, sé que puedo superar mis límites y dedicarme a desarrollar la mejor música posible. Es un privilegio que agradezco mucho.

Entrevista realizada por Guillaume Kosmicki

De gira este otoño:
19/10 - Jazz in the City, Salzburgo
20/10 - Odeon, Göppingen
27/10 y 28/10 - Birds Eye, Basilea (con Vuma Levin)
10/11 - Sendesaal, Bremen
11/11 - Rockit Festival, Groningen

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