Marion Cousin est attirée par la force tellurique du folklore, la sonorité profonde et ancienne des chants de nos ancêtres. Elle collecte des chants traditionnels, les interprète, les renouvelle avec la vibration de la modernité. Accompagnée de musiciens tels que Gaspar Claus ou Borja Flames, Marion Cousin détourne le traditionnel pour expérimenter le folklore qui a enveloppé l’âme des cultures et des peuples. Que serait l’Amérique du Sud sans Victor Jara, Violeta Parra, Mercedes Sosa, Yupanqui ou Chavela Vargas ? Un puits vide. Marion Cousin perpétue la tradition en la modernisant, la prend par le col, la regarde dans les yeux et nous l’offre dans des disques comme Jo estava que m’abrasava (folklore des Baléares) avec Gaspar Claus, Tu Rabo Par’Abanico avec le groupe Kaumwald, (folklore d’Estrémadure). Elle prépare avec la chanteuse Éloïse Decazes, un nouvel album aux airs portugais, Chants du Tras-os-Montes.

Marion, comment a commencé ton aventure musicale ?
En 2006, alors que je vivais à Barcelone, j’ai rencontré un musicien valenciennois, Borja Flames, qui avait un groupe instrumental qui s’appelait Belmonde, et avec lui j’ai formé le duo June et Jim, un clin d’œil au film de Truffaut et un petit hommage à June Carter. Mais quelque temps plus tard, j’ai voulu reprendre mes études en France. A ce moment-là, nous ne voyions pas beaucoup d’avenir à Barcelone, car nous chantions en français et nous nous disions que cela ne servait à rien de le faire à Barcelone.

Pensiez-vous que votre proposition serait mieux comprise en France ?
Oui, parce que le texte des compositions pourrait être valorisé. Bien que nous ayons pensé tout cela à l’époque, aujourd’hui, je vis en France et je chante en espagnol, et Borja Flames travaille également en France et chante en espagnol!

Les paradoxes de la vie…
Oui, c’est curieux. Quoi qu’il en soit, à Barcelone, à cette époque, il n’y avait pas beaucoup d’espaces pour un genre de musique autre que le rock.

Quelle est ta formation, Marion ?
Je n’ai pas de formation musicale à proprement parler. J’ai commencé à prendre des cours de chant quand je me suis mise à la musique, mais ma formation est théâtrale. J’ai étudié la dramaturgie et la mise en scène. La musique a toujours été un rêve. Adolescente, j’écoutais du grunge et, dans les années 90, j’ai voulu monter un groupe de grunge exclusivement féminin, mais beaucoup d’hommes ne voulaient pas de femmes guitaristes dans leurs groupes. J’ai trouvé ma place dans le théâtre, mais pas dans la musique. C’est alors que j’ai rencontré Borja et qu’il m’a proposé de former un duo.

Vous avez sorti deux albums : Les Forts (2012) et Noche Primera (2013).
Oui, et deux EP aussi. Entre 2006 et 2013, nous avons été assez actifs, jouant dans des festivals en France; mais nous avons presque toujours été classés dans le paysage de la chanson française.

Avez-vous été influencés par la chanson française?
Non, car nous ne partagions pas les influences de la chanson française. Nous étions trop bizarres pour nous conformer au genre musical de Brassens, Brel ou Hardy. De plus, à l’époque, en France, il y avait une grande méfiance à l’égard du français. Si on chantait en français, on était catalogué dans la chanson française ; mais si on ne revendiquait pas cet héritage et qu’on allait dans des espaces plus bizarres, on n’était pas du tout accepté.

Avez-vous eu l’impression de vous trouver dans un endroit inconfortable ?
Oui, parce que ce n’était pas notre place. Lorsque nous jouions devant un public amateur de chansons françaises, les spectateurs étaient désorientés. Notre démarche paraissait étrange, austère et triste. C’était une époque où l’utilisation du français était rejetée pour la musique alternative, qui semblait devoir être chantée en anglais. Mais cela a changé entre 2010 et 2012, et il est devenu à la mode d’écrire de la musique alternative en français!

Comment s’est déroulée la découverte des collections Ocora de la Radio nationale française ?
Ces ethnomusicologues qui se rendaient dans des régions reculées du monde pour enregistrer des musiques qui n’étaient ni commerciales ni commercialisées, des chansons qui venaient du plus profond d’un peuple, d’une culture, d’une âme, ont changé notre point de vue. Je me souviens du changement qui s’est opéré en nous lorsque nous avons découvert Violeta Parra. Nous étions émerveillés. Cette découverte a donné naissance au deuxième album de June et Jin, intitulé Noche Primera.

Est-ce qu’elle t’a influencée ?
Oui, tout à fait. Elle avait fait soixante ans plus tôt ce que nous voulions faire cette année-là. Nous avons été envoûtés non seulement par sa musique, mais aussi par son attitude. Violeta se rendait dans les villages avec une guitare pour que les habitants lui apprennent des chansons, puis elle revenait à Santiago et enregistrait ces chansons pour laisser une trace et les faire connaître au monde entier.

Tout cela s’est passé en 2012. La découverte des enregistrements d’Alan Lomax dans les années 1950 a-t-elle eu une influence similaire à celle de Violeta Parra ?
Oui. Il est connu pour avoir réalisé les premiers enregistrements de blues dans des petites villes aux États-Unis dans les années 1970, le premier à avoir mis un magnétophone géant dans le coffre d’une voiture pour parcourir les États-Unis et enregistrer les bluesmen des petites localités. Parce qu’il était communiste et qu’il y avait une chasse aux sorcières contre les communistes, Alan a émigré en Europe. Sur les cinq années qu’il a passées sur le vieux continent, trois ont été consacrées à l’Espagne, où il a enregistré toutes sortes de musiques folkloriques : dans les Asturies, en Estrémadure, à Valence, en Andalousie, etc.

Et c’est de cette approche du folklore qu’est né Jo estava que m’abrasava en 2016 ?
Oui, sur le répertoire folklorique des îles Baléares, avec Gaspar Claus.

En 2021, tu as de nouveau sorti un album sous le nom de Catalina Matorral, avec Borja Flames.
Oui, ce sont des chansons que nous avons commencées en 2014 à Minorque et terminées en 2020 en Bourgogne.

Sur quels critères choisis-tu les chansons d’un répertoire traditionnel ?
Comme je n’adopte pas un point de vue scientifique, je choisis les chansons que j’ai envie de chanter pour leur mélodie et leur texte. Dans le monde du folklore, je suis attirée par les histoires de violence contre les femmes, comme si je pouvais protester contre la violence qui est encore perpétrée contre les femmes aujourd’hui. J’ai un penchant pour le tragique, je crois. J’écarte également les berceuses, car je trouve qu’il est très facile d’émettre des émotions à partir des berceuses, et j’essaie de me tenir à distance de cette source.

Qu’as-tu appris de la relation entre la musique traditionnelle et la musique contemporaine ?
Que la musique traditionnelle est contemporaine, parce qu’elle est encore active dans de nombreux pays. En France, elle survit dans certaines régions, mais dans d’autres pays, elle a presque été bannie et réduite à néant. Avec Kaumwald, le duo avec lequel j’ai travaillé sur les chants des romances d’Estrémadure, je travaille avec Ernest Bergez. Il compose les chansons avec des éléments mélodiques et textuels de la musique traditionnelle. Par conséquent, la musique traditionnelle continue et se perpétue, et il n’y a pas de différence entre la modernité et la tradition, entre le passé et l’avenir. Parfois, certains critères sont utilisés pour définir la musique, mais je pense qu’en réalité, il n’y a pas de différence. Certains disques montrent que ces romances peuvent être jouées sur des instruments baroques ou anciens, comme avec Jordi Savall, par exemple. Ou encore moulées dans l’électronique, sur fond de folk américain des années soixante.

Veux-tu dire que la musique traditionnelle se renouvelle au fil du temps ?
Oui, quand j’ai découvert le répertoire traditionnel, j’étais obsédé par la pureté, par l’idée de revenir à la source. Il y a les chansons de María del Mar Bonet, les chansons de Lomax des années cinquante. Mais il y a un moment où on ne peut pas aller plus loin, parce que la musique traditionnelle n’était pas écrite. Ces mélodies, ce fond musical, sont transformés. María del Mar Bonet l’élabore sous l’influence du folklore anglais, par exemple. Si nous voulions remonter à l’origine de ces musiques traditionnelles, il faudrait fixer ce folklore dans le temps. Or, ce qui m’intéresse, c’est que ces musiques continuent d’exister, se transforment et ne se figent jamais.

Comment s’est déroulée ta collaboration avec Gaspar Claus ?
Nous ne nous connaissions pas, mais je connaissais son travail. J’ai assisté à l’un de ses concerts et je lui ai proposé de travailler ensemble. Nous avons fait un test, il a improvisé au violoncelle pendant quinze minutes, et nous avons immédiatement su que nous devions créer de la musique ensemble. Nous avons passé une semaine en studio et nous avons commencé à travailler sur ces chansons, sans répéter à l’avance. Je lui chantais la chanson, je résumais les paroles et il trouvait la bonne sonorité. Ensuite, nous enregistrions la chanson.

As-tu répété cette procédure avec Kaumwald ?
Oui, tout à fait. Avec Kaumwald (Ernet Bergez et Clément Vercelletto), nous avons réservé un studio pour deux semaines et nous avons enregistré une chanson par jour. Ils installaient leurs appareils électroniques, cherchaient des sonorités et nous faisions des prises. C’était très dur pour moi, je me sentais très fragile parce que je chantais toute la journée et que ma voix en souffrait.

Enfin, parles-moi de ta relation et de ton travail avec Eloïse Decazes.
L’album est déjà enregistré et mixé. Nous sommes en train de négocier avec les maisons de disques. J’ai cherché le répertoire polyphonique de Trás-os-Montes, une province du nord du Portugal. Je voulais travailler avec une autre femme pour interpréter les mélodies dans la même tessiture. Il y a aussi une autre raison. Après avoir travaillé avec des hommes, j’ai voulu jouer des instruments et briser la dichotomie chanteuse-instrumentiste. Je voulais corrompre ce format et ne pas être la seule chanteuse. En fait, j’aime nous confondre toutes les deux, pour briser l’idée que les chanteuses doivent être uniques. Je voulais ne pas être unique, savoir que nous ne sommes pas en compétition, qu’il n’y a pas de mal à nous confondre, car cela crée un terrain de jeu très intéressant.

Propos recueillis par Txema Seglers

Photo © Borja Flames