Tras una residencia de dos años en el Théâtre de Saint-Quentin en Yvelines, donde fue artista asociada, la cantante y compositora Isabel Sörling experimenta de nuevo el vértigo de la libertad y el salto al vacío. De esta nueva etapa seguro que salen pepitas, pues Isabel Sörling traza un camino singular de gran integridad. Una cosa es cierta, la carrera francesa de esta músico no ha puesto fin a su apego a Suecia; ¡la cultura escandinava siempre está dispuesta a emerger a golpe de canción!

Isabel, vive en Francia desde hace cinco años, pero sigue manteniendo profundos lazos con Suecia?
Sí, mi país sigue ahí en mi cabeza; ¡es un vínculo un poco sentimental! En realidad, no elegí Francia. La primera vez que vine fue gracias a un intercambio Erasmus. Pensé que sólo sería un interludio de un año, para probar otra cosa. Pero al final me quedé, y pasaron diez años, yendo y viniendo entre los dos países al principio. Hoy todavía me pregunto cómo las cosas pudieron llegar tan lejos en Francia. Porque sigo apegado a Suecia, a su cultura; ¡escucho la radio sueca, por ejemplo! Pero al mismo tiempo me siento como un extraño. Oigo palabras nuevas, me pierdo en las conversaciones.... Cuando vuelvo a Suecia, oigo palabras nuevas: ¡me pierdo fácilmente en las conversaciones! Lo mismo ocurre con la política. ¡Ya no puedo votar mucho en Suecia! Así que me pregunto: ¿qué te hace formar parte de una determinada sociedad en un determinado momento de tu vida? Es una pregunta interesante.

¿Quiere volver alguna vez, o hay demasiadas desconexiones?
Sólo puedo soñar con volver. Alguien cercano a mí me dijo una vez : "En realidad, es en otras palabras para ti: no se trata de 'volver atrás', sino de 'mudarsehacia' ('no te moverás hacia atrás, te moverás hacia'). Tiene razón; ¡eso es exactamente! Si vuelvo a Suecia, tendré que rehacer mi vida allí.

El año de Erasmus fue el año en que recibiste clases en el departamento de jazz del CNSMdP, ¿no? ¿Participó también en la clase de improvisación generativa?
Sólo tuve que ir a dos o tres sesiones. Me hubiera gustado seguir la clase todo el año, pero no entendía cómo funcionaba. Mucho antes, en Gotemburgo, había seguido un curso de improvisación, pero mucho menos en el lenguaje del jazz que en Francia.
En el CNSMdP, era mucho más en el lenguaje del jazz, y eran cursos muy prácticos. Como no sabía cantar en francés, hice las cosas de otra manera.

¿Cantaste en inglés?
Sí, y sin palabras también, a menudo.

Creo que también en sueco.
A veces... ¡pero rara vez! De momento estoy probando un poco. Me encanta cantar en sueco. Me parece que cuando cantas en tu propia lengua, realmente tocas otros niveles de significado. Hay una gran diferencia.

En muchos álbumes canta en inglés. ¿Cuál es su relación con esta lengua?
Recuerdo haber traducido al inglés "Mon coeur survivra pour toi - my heart will go on" de Celine Dion cuando tenía diez años: ¡fue la primera vez que canté en inglés! La mayoría de los artistas que escuchaba cuando tenía veinte años cantaban en inglés. Eran las canciones pop-folk de Leonard Cohen, Bob Dylan, Joni Mitchell: ¡toda esa cultura! Los tres son además magníficos escritores, que se expresan en un inglés profundo y consiguen expresar emociones y sensaciones muy sutiles a través de este refinado lenguaje. Es probablemente este amor por ellos lo que me llevó a escribir en inglés; ¡me encanta escribir en este idioma!

¿Siempre escribe usted las letras de sus composiciones?
Sí, desde hace unos quince años, porque me gusta que la voz -un instrumento que llegó a mi vida un poco por casualidad- tenga también esta dimensión. Para mí, componer una canción es sólo la mitad del trabajo.

Dices que llegaste a la vozpor casualidad "¿Puede hablarnos un poco más de ello?
Sí, primero toqué el piano y la guitarra. Hasta los diecisiete años quise ser pianista. Hice un poco de canto coral, pero no le presté mucha atención, sobre todo porque había verdaderos cantantes a mi alrededor en la escuela. En Suecia existe toda una cultura coral. Todo el mundo tiene derecho a cantar: la voz es accesible a todos. Creo que en Francia es un poco diferente.
Y cuando teníamos diecisiete años, éramos tres amigos interesados en el jazz y la improvisación. ¡Era más fácil hacer este tipo de música con la voz que con el piano! Así es como empezó todo. Sin embargo, después de la escuela, quería entrar en una clase de piano en un conservatorio de música. Pero entonces una amiga me dijo:"No, Isabel, tienes que cantar, ¡es lo tuyo!Así que, para mí, cantar sigue siendo una coincidencia.

¿Puede decirnos algo más sobre la práctica amateur en su país?
En Suecia existe una tradición de encuentros musicales entre pueblos de la campiña desde hace al menos cien años. Todos traen instrumentos (el acordeón, el violín). Nos reunimos para cantar canciones tradicionales. No es realmente un concierto, es informal; es sólo un intercambio entre aficionados, no se trata de hacer algo perfecto. Es una tradición que sigue muy viva.

¿Donde creciste había música en la calle?
Crecí en una pequeña ciudad de 9000 habitantes. Si querías escuchar música, tenías que buscarla. La comercialización de la cultura ya había dañado muchas cosas, pero yo tenía muchos amigos músicos. Durante años tocamos juntos: yo tocaba la guitarra, también había un acordeón, un violín y el nyckelharpa (instrumento tradicional de cuerda con arco). Tocábamos sobre todo en fiestas. Todas las canciones se transmiten oralmente, con pequeñas diferencias entre regiones.

¿Había música en su familia?
En absoluto, pero a mis dos abuelos les encantaba la música y el abuelo de mi madre era acordeonista. Le conocí cuando tenía quince años, y pude compartir con él mi amor por la música unos años antes de que muriera.

¿Qué tipo de música tocaba al piano?
Música clásica a partir de partituras. También tocaba de oído lo que oía en la radio, o lo que componía en mi cabeza

¿Y en la guitarra?
Sobre todo folk.

¿Así que trabajaste en tu voz después?
Sí, pero como canté mucho tiempo sin técnica -hasta los diecisiete o dieciocho años-, desarrollé una voz que se salía de la norma, y eso contó mucho en mi evolución: una voz que escapa a los códigos, y con la que puedo jugar. Cualquier cosa menos una voz perfecta, o que intente agradar. Cuando empecé a tomar clases de canto, ¡fue con ánimo experimental!

Isabel, ¿cómo se produjo la transición de la música clásica y folclórica a la improvisación? ¿Fue el jazz lo que hizo la transición?
Creo que surgió de forma natural, porque me gustaba el trance, la idea de estar atravesado; ya estaba presente en mi forma de hacer música.
También hubo un breve periodo en la escuela durante el cual toqué jazz con otros; tocábamos los estándares. Descubrí la música de Nina Simone, Ella Fitzgerald, Billie Holliday... ¡Alguien como Avishai Cohen era muy popular en Suecia! Y entonces había toda una escena activa en Gotemburgo; estudiantes de jazz que empezaban a hacer música contemporánea. Estos músicos tocaban música armónica, una forma de jazz, pero muy abierta. Entre estos músicos, había varias cantantes mayores que yo, que proponían una forma de cantar muy libre, melódica y desenfadada, que influyó en toda la generación más joven; cantantes como Erika Angell, Mariam Wallentin, Lindha Kallerdahl, y también Sidsel Endresen, Maja Ratkje. En aquella época también descubrí el trabajo de Meredith Monk, Laurie Anderson.
Cuando tenía 21 años, asistí a una clase magistral de improvisación en mi escuela de música, dirigida por una cantante. ¡Qué sorpresa! No podía creerlo: estaba perdido, pero resonó muy fuerte en mí. A partir de ese momento, se abrió una puerta: sentí que ése era mi camino.
Enseguida empecé a experimentar con un cantante que cantaba con pedales y yo también lo hice. Creamos un grupo de música experimental: Soil Collectors, con una mezcla de improvisación, escritura, teatro y vídeos. Hubo colaboraciones con bailarines, videoartistas... A veces también nos filmábamos a nosotros mismos. Las puertas estaban abiertas de par en par a la experimentación!
Contábamos con el apoyo de la escena europea, que quería ayudar a los músicos emergentes; tocábamos en festivales como Twelve Points. Aprendí mucho de esa banda.

Soil Collectors - The making of Tah-tay Leet' -kah lah (vídeo oficial ) from SOIL COLLECTORS on Vimeo.

En Suecia, también creó otra banda: Farvel?
Sí, ha sido una aventura de diez años, muy importante para mí, que acaba de terminar tras un último concierto. Farvel es el grupo que realmente creó mi identidad; ¡ahora me doy cuenta! En diez años, ensayamos tanto, buscamos tanto... Era un grupo en ebullición permanente, seis músicos de horizontes muy diferentes: música balcánica, musicales, y también rock y grunge, música tradicional sueca, jazz, ¡todas estas influencias!
Intentamos ser un verdadero colectivo: nos tomamos el tiempo necesario para probar las ideas de los demás, con la improvisación como principio rector. Era una gran escuela en términos de igualdad y democracia: lo intentábamos todo. Hubo largos momentos de discusión. También impartimos varios talleres en colegios para compartir esto con los alumnos, ¡y allí aprendimos aún más!

¿Por qué se detuvo el grupo?
Por varias razones: dispersión geográfica, ciertos cambios de vida (algunos se convirtieron en padres o empezaron a enseñar). Además, el contexto de la vida profesional ha cambiado mucho en Suecia. Las subvenciones a la música experimental en Suecia, que antes eran generosas, ahora se conceden a grupos que dan al menos diez conciertos en un año: ¡es terrible, ha matado a toda una subcultura!

Usted habla de improvisación y de voces libres, pero en su música, a pesar de todo, la melodía sigue estando muy presente...
Es verdad, ¡me encanta la melodía! Las armonías hermosas pueden abrumarme, ¡es tan bonito! En mi vida, hasta hoy, no he encontrado nada tan sobrecogedor como la música, pero aunque la armonía me emociona mucho, también me encanta el ruido. Puedo ir y escuchar ruido, un muro de ruido durante más de una hora: me conmueve tanto como una melodía. Todo lo que es SONIDO tiene la misma importancia para mis oídos.

¿Podemos hablar ahora de los grupos que ha iniciado en Francia, y de sus proyectos futuros?
Después de diez años como colectivo -o como músico invitado-, ahora llevo mis propios proyectos: ¡es un gran cambio, es otro trabajo! Como jefe de proyecto, tengo que desarrollar habilidades sociales para que mis compañeros se sientan seguros. Es un reto, ¡pero he aprendido mucho de otras experiencias!

¿Quiere hablar de sus experiencias como artista invitado conAna Paceo y Airelle Besson, por ejemplo?
¡Sí! De hecho, todavía juego con ellos. Fueron años muy intensos, jalonados de muchos conciertos, y de estéticas muy diferentes, porque siempre me gustaron los contrastes. En 2014, Airelle Besson me invitó por primera vez. Gracias a ella pude tocar en muchos conciertos en Francia.

¿Estas colaboraciones surgieron inmediatamente después de que dejara el CNSMdP? ¿Le salieron estos músicos de forma natural?
Sí, pero ya durante mi año en el conservatorio se habían formado uno o dos grupos. Surgió una colaboración con Ibrahim Maalouf , que me permitió quedarme un poco más en Francia para trabajar en mi álbum de 2013 Something came with the sun. Entonces pude dar vida a otros proyectos. Todavía vivía en Suecia, así que tenía que ir y venir mucho de un país a otro.

También hubo esta hermosa aventura en torno a la música de Moondog con el Cabaret contemporain? ¿Recuerdas el comienzo de esta experiencia?
Los músicos del conjunto nos invitaron a nosotros, Linda Olah y a mí, ambos suecos de Gotemburgo activos en Francia. Por extraño que parezca, fue entonces cuando nos conocimos, nunca nos habíamos visto antes.

¿Conocías la música de Moondog?
No, ¡yo lo descubrí! ¡Qué gran experiencia! Para mí, Moondog es un genio: me encanta el lado minimalista de su música y sus letras. Todo es cincelado, preciso, humorístico. Era muy físico vocalmente; a veces teníamos que cantar la misma palabra durante cinco minutos... Es un bonito recuerdo; debo decir que me siento muy a gusto con estos músicos.

También ha colaborado con COAX, en el álbum Bribes 4 en particular?
Sí, con Julien Desprez, hubo la creación del conjunto "t(r)opic" en relación con el Puente, la serie Alexandre Pierrepont y el encuentro de Julien Desprez con Rob Mazurek. Surgió la idea de crear un grupo más importante, en torno a Julien y Rob; nueve músicos, entre ellos muchos escandinavos(Mette Rasmussen, Ingebrigt Haker Flaten, yo...) y también músicos de Estados Unidos y Brasil, como Susana Santos Silva. Fue una experiencia muy especial para mí, tocar de repente en un proyecto francés con escandinavos. La música era totalmente improvisada.

En estas colaboraciones, usted era un músico invitado, pero muy pronto compuso su propia música, escribió sus propias letras...
Sí, pero me llevó tiempo encontrar mi camino. Por ejemplo, creo que todavía no soy yo mismo en los álbumes de 2011 y 2013.

¿Encontró esta identidad en el álbum Mareld, publicado en 2020?
Sí, lo considero mi primer álbum. En primer lugar, "escuché" toda la música de este álbum en mi cabeza antes de hacerlo. Tenía una idea muy clara de lo que quería artísticamente. Sin embargo, tardé cinco años en escribir la música y la letra.

¿De qué trata Mareld?
El álbum comenzó con el libro Homo Sapiens de Harari Yuval Noah; una visión singular de nuestra especie, que destaca, por ejemplo, el hecho de que la especie humana ha vivido mucho más tiempo como nómada que como sedentaria, y cómo esto ha afectado al curso de nuestras vidas, hasta nuestros días. Este libro tuvo una gran influencia en mi forma de pensar. De repente fui capaz de comprender ciertas formas de automatismos del comportamiento humano que me resultaban opacas. También he podido analizar mejor la evolución política en Suecia: el éxito de la extrema derecha, del populismo... Este libro me ha ayudado a responder a las preguntas que me planteaba sobre la evolución de nuestras sociedades. Hay varias referencias a estas preguntas en el expediente.

Y en este momento, ¿en qué idea está trabajando?
Estoy trabajando en un nuevo disco con un tema muy claro: la luna. El punto de partida fue una serie en sobre el programa Apolo, que descubrí por casualidad: los intentos de aproximación a la Luna, las pruebas durante diez años, los fracasos... Me quedé fascinado por la Luna, ¡leí mucho! Esto coincidió con el deseo de un solo, que primero imaginé para el piano y la guitarra, hasta que me di cuenta de que había una fuerte conexión entre la luna y el piano de cola, por el gran espacio y las increíbles posibilidades sonoras del piano. Así que elegí el piano de cola. Entonces se me ocurrió el título: Mar de la tranquilidad, es decir, el lugar donde Apolo alunizó. Una metáfora maravillosa.

Luego quise añadir algunos sonidos espaciales. Entré en Internet y vi que la NASA tenía todo un banco de sonidos disponibles gratuitamente: tormentas en Júpiter, por ejemplo, que me impresionaron mucho. Lo descargué todo, me pasé dos meses escuchándolo todo y me hice una fonoteca con ello. Era un asunto delicado. No es fácil grabar sonidos en el espacio; las frecuencias son diferentes debido a la ingravidez. Las grabaciones de la NASA están llenas de ruido.
Mi idea con este álbum es crear una especie de música lunar, digamos música que suene como estar en la luna, con mucho espacio. También habrá un tema de diez minutos en sueco, una forma de reconectar con mis raíces; ¡es precisamente el momento en el que se inicia el viaje a la luna!

Isabel, ¿cómo se gana la vida con su música?
Desde hace dos años, tengo la suerte de ser artista asociado en el Théâtre de Saint-Quentin en Yvelines. Era la primera vez que vivía una experiencia así. Me encantaba el hecho de tener espacio y tiempo para la experimentación, la investigación y el trabajo de laboratorio, cosas que no son tan frecuentes cuando eres músico. El funcionamiento de la gran maquinaria de la música en directo en Francia hace que a menudo vayamos deprisa de un proyecto a otro, sin tener tiempo de profundizar en el proceso creativo. El sistema no permite la experimentación. Probablemente esto sea diferente en el teatro y la danza, pero en la música es la norma con demasiada frecuencia. Pude trabajar en varias creaciones durante esta residencia: me alimentó mucho. Hoy atravieso una nueva etapa; tengo que llevar a cabo mis propios proyectos. Tengo que perfeccionar mis conocimientos sobre el terreno y el funcionamiento de las cosas.
El sistema en Francia es complicado. Algunos músicos emergen (o son elegidos), mientras que otros permanecen injustamente en la sombra; esto mata la creación, ¡y es aún peor en Suecia debido al sistema comercial! No quiero ser prisionero de la máquina; siento que debo escapar del automatismo que consiste en vincular sistemáticamente un álbum a la búsqueda de conciertos, a vender el álbum... Cada proyecto me compromete por completo.

¿Escucha mucha música?
Escucho un poco de todo, sobre todo folk, pero necesito el ambiente del concierto, ¡así que voy a escuchar los conciertos de mis amigos!

Entrevista realizada por Anne Montaron

Foto del artículo © Viktor Freidlit
Fotos © Maxim Francois