Espacios sensoriales de Malin Bång

Entrevistas 31.03.2023

La compositora sueca Malin Bång inaugura la primavera con una rica actualidad: por un lado, la pieza para instrumentos y objetos Inuti, estrenada el 24 de marzo en Estrasburgo por el conjunto lovemusic en el marco de Botanica, y retransmitida la misma semana en France Musique, por otro, la música escénica Judith's Gaze - I, volcanic sobre un libreto de Mara Lee Gerden - la contrapartida contemporánea de El castillo de Barba Azul de Béla Bartok - que presentará el 19 de abril en el Folkoperan de Estocolmo.
Una ocasión perfecta para conocer a esta compositora soleada, de una serenidad contagiosa.

Malinviniste a Francia para participar en la creación de tu pieza Inuti por el colectivo lovemusic¿Cuál es su relación con Francia y la escena musical contemporánea francesa?
Viví en París durante un año hace mucho tiempo, en 1996. Fue una pausa en mis estudios de música. Quería vivir otra experiencia. Es un recuerdo muy bonito: tomé algunas clases de francés, fui a conciertos, asistí a seminarios de composición en el CNSMdP... En aquella época, seguí un curso con Gérard Grisey, aunque personalmente no tengo ninguna afinidad con la música espectral.
También participé en la Académie Voix Nouvelles de Royaumont. Fue una experiencia valiosa porque pude conocer a muchos compositores franceses. Luego volví a Francia para una residencia de composición en la Cité des Arts en 2010. Siempre estoy deseando tener la oportunidad de venir a pasar una temporada en París.

Aparte de lovemusic¿ha tenido otras colaboraciones con conjuntos franceses en el pasado?
Hace unos años, tuve la oportunidad de trabajar con el Ensemble 2e2m. En Royaumont, durante la academia, mi música fue interpretada por el conjunto Cairn.
Además, en la época de mis estudios de composición, también participé en la academia de verano del Ensemble Aleph: fue una experiencia muy inspiradora. Conocí a muchos jóvenes compositores de todo el mundo.

Antes de crear Inuti para France musiquecreo que lovemusic había interpretado dos de sus piezas.
Sí, pero no pude asistir a los conciertos. Esta vez hemos podido conocernos. Me gusta mucho el espíritu de este colectivo, porque está muy cerca del grupo que creé en Estocolmo, Suecia: Curious Chamber Players. Ambos grupos tienen la misma forma de elegir la música, la misma curiosidad, las mismas ganas de experimentar, de abrazar los estilos musicales más diversos. Otro punto en común es el hecho de que son un grupo de amigos, reunidos por el placer de crear juntos, con también esa alegría, esa felicidad de compartir cosas sencillas de la vida cotidiana: ¡una comida, por ejemplo!
La única diferencia es que Curious Chamber Players es un conjunto dirigido. Mi marido, Rei Munakata, es el director del conjunto. También es compositor y toca objetos, según la configuración. 

¿Cuánto tiempo hace que existe este conjunto?
El grupo nació en 2003. Todos acabábamos de terminar nuestros estudios en el conservatorio. Ya teníamos proyectos en marcha y queríamos tener una estructura para darles vida. Surgió la idea de proponer a todos nuestros amigos músicos que se unieran a nosotros en este conjunto. El grupo nació así. Por supuesto, el grupo ha sufrido algunos cambios en su composición debido a ciertos cambios vitales -éramos jóvenes-, pero hoy somos un grupo muy unido, movido por la misma pasión por la creación. Nos aportamos mucho los unos a los otros.

¿Hay varios compositores en el conjunto?
Estamos Rei y yo, pero colaboramos con muchos otros compositores.

¿Tocas algún instrumento en esta banda?
A veces toco objetos acústicos. Empecé a tocar música de niño con el piano y el violín, luego la viola, pero muy pronto, en la composición, buscaba sonidos que no se encuentran en los instrumentos musicales tradicionales; quería enriquecer mi paleta sonora. Así que empecé a introducir objetos, ¡y lo más conveniente era que los tocara yo mismo! Así empecé a manipular objetos en el escenario.

¿Cuándo se hizo realidad el deseo de componer su propia música?
El deseo de escribir mi propia música surgió bastante pronto, y de forma gradual. Recuerdo que sentí el deseo de tocar el piano cuando tenía seis años. Les dije a mis padres: "necesitamos un piano". Así que encontraron un piano...
Luego vinieron las clases de música en la escuela. Muy pronto pensé que la música era lo que quería hacer en la vida, aunque aún no supiera qué forma tomaría.
Me gustaba tocar el piano. Me atraía la música tímbrica, la música para piano de Debussy, por ejemplo. Más tarde, me decanté espontáneamente por música más contemporánea. En la escuela, con los amigos, nos gustaba organizar espectáculos que combinaban música y teatro. Creo que la alegría de crear nació de estas representaciones. Más tarde, de adolescente, me abrí a diferentes estilos de música escénica: jams, ópera, musicales... Me impresionaron mucho todos estos enfoques de la música, y realmente quería ir en esa dirección, ¡pero para ello primero tenía que aprender composición! Empecé a componer de forma más consciente en el instituto. De hecho, a partir de los dieciséis años no dejé de escribir música.

Ha dicho que maneja objetos en el escenario. Efectivamente, a menudo introduces objetos en la plantilla instrumental y escénica. Te gustan los sonidos ruidosos, soplados, frotados. La fricción me parece una característica de tu música...
La forma en que organizo mis materiales sonoros suele estar relacionada con la presencia o ausencia de fricción, y el espectro es amplio: puede ir desde el aire que sale de nuestros labios (no hay fricción en esos sonidos), hasta sonidos que contienen mucha fricción y requieren mucha fuerza física. Son energías muy diferentes.
Yo tengo el mismo tipo de relación con los tonos. Cuando tienes que cantar una nota alta, por ejemplo, requiere mucha energía, mucha fricción, a diferencia de tocar con el aliento, pianissimo. 

¿Significa esto que piensa en la música principalmente en términos de fricción y movimiento? ¿Qué papel desempeña el binomio tensión-relajación en la música que imagina?
Uno no impide el otro. También me gusta la relación clásica de tensión y relajación dentro de una obra, pero la desplazo, porque no son los tonos los que me interesan. Durante mis estudios, intenté imaginar progresiones armónicas que aportaran este tipo de tensión, pero en realidad me di cuenta de que no escucho la música de esta manera en absoluto. Me ha parecido liberador utilizar los sonidos por sí mismos, y por su movimiento físico: me interesa cómo evoluciona el sonido, y cómo puedo sugerir este movimiento en mi música.
A menudo busco sonidos que tengan cualidades "elásticas", que puedan aparecer pianissimo y en segundo plano al principio, sólo para desarrollarse y contener mucha energía en el momento adecuado.

En muchas de sus obras utiliza la voz, la respiración de los instrumentistas.
El uso de la voz de los músicos se ha desarrollado a lo largo de los años, debido a la fisicidad de los sonidos instrumentales y los objetos que añado, y también para obtener una relación entre el cuerpo del músico y su instrumento. De hecho, la respiración se introdujo de forma natural en la interpretación, y también la voz, como para apoyar el sonido instrumental.

Inuti es una obra que requiere la voz de los músicos, su respiración y también la manipulación de objetos. Es una pieza táctil, sensorial, que parece corresponder a la necesidad de volver a algunos fundamentos...
¡En efecto! La idea central de esta pieza es la conexión de nuestro cuerpo con el mundo exterior a través del contacto, de los sentidos. Es un camino entre el interior de nuestro cuerpo y el exterior del mundo. Es una forma de manifiesto, una manera de expresar mi frustración con la importancia de la tecnología digital, con estas plataformas cada vez más comerciales que se entrometen en nuestras vidas y desvían nuestra atención, en cuanto abrimos una página en la web. Aunque todos somos conscientes del peligro, ¡nos dejamos atrapar por ellas!
Con esta composición, intenté centrarme en nuestras experiencias sensoriales: qué ocurre cuando tocamos la superficie de una caja de madera, de un instrumento musical... O qué pasa en nuestra boca cuando tocamos un instrumento de viento, cuando intentamos decir algo con la boca cerrada... Cómo sentimos el contacto de una ramita en nuestra piel, nuestra mano, nuestra mejilla...
Creo que yo también necesitaba esto en mi evolución personal. Quería abrir un espacio diferente, más interior, alejado del ruido y la agitación del lienzo. 

La naturaleza y las plantas aparecen a menudo en su música de una forma u otra. En Inuti, por ejemplo, los músicos tienen que manejar ramitas de sauce, eucalipto, caña...
Mi interés por la naturaleza ha crecido mucho en los últimos años. He leído muchos libros sobre la vida de las plantas, sobre cómo se comunican. Hay muchos libros sobre este tema, y es fascinante. En 2015-16 escribí Kutzu, una pieza que lleva el nombre de una planta trepadora asiática. En esta composición quería explorar las relaciones existentes entre plantas y humanos en el contexto del cambio climático. Lo cierto es que las plantas son muy adaptables. Además, ¡se comunican muy bien! Incluso tienen una forma de solidaridad: se dice que unas plantas acuden en ayuda de otras. Al final, el mundo vegetal es mucho más resistente que el ser humano... ¡A medida que leía más y más, aprendía a respetar cada vez más a las plantas! Y ya que hoy se habla mucho del cambio climático, podríamos aprender algunas lecciones de la resistencia del mundo vegetal: sobre cómo funciona, se adapta, se comunica y perdura. Estas cuestiones son cada vez más importantes para mí.

En Inuti, denuncias el peso de lo digital y la importancia que han tomado las plataformas en nuestra vida cotidiana. En tu página orquesta de 2015, esquirlas de ebulliente rebeldía, te interesabas por el hecho de que un individuo aislado pudiera contribuir a cambios en la sociedad, gracias a las redes sociales. Parece que estas cuestiones te ocupan mucho...
La composición puede ser un diario en el que anotas lo que te pasa en la vida cotidiana, lo que te preocupa. Cuando compuse esta página orquestal, el contexto era muy diferente al actual. Aún no tenía esta visión negativa del mundo digital.
En aquella época, las plataformas digitales realmente permitían a la gente discrepar, movilizarse por una causa. Era una herramienta para el debate político. Algunos cambios sociales podían hacerse a través de la voz de la gente. Bastaba con que alguien alzara la voz, y era como una chispa que encendía reacciones en cadena en todo el mundo. Estas valientes iniciativas por una mayor libertad son fundamentales!
El tema central de esta pieza orquestal es precisamente la relación entre el individuo y el colectivo. El colectivo está simbolizado aquí por la orquesta. Vista desde fuera, la orquesta es una estructura muy jerarquizada, pero vista desde dentro, está formada por individuos con sus propias convicciones. La combinación de estas dos situaciones me interesa mucho!
Así, en esta página de astillas de efervescente rebeldía, algunos músicos se expresan a veces de forma personal. Otras veces, son la voz de la autoridad. Quería jugar con esta ambivalencia de papeles.

Usted experimenta la relación entre lo individual y lo colectivo a través de su doble actividad: por un lado, la composición -una práctica más bien solitaria- y, por otro, la vida colectiva como codirector artístico de un conjunto.. ¿Cómo encuentra el equilibrio entre estos dos polos?
Es muy importante encontrar el equilibrio entre los dos. El equilibrio puede variar de un periodo de la vida a otro. Durante unos años, cuando componía y actuaba con los Curious Chamber Players, pude encontrar ese equilibrio, pero cuando empecé a componer piezas orquestales largas, las cosas se desequilibraron, porque es un trabajo a largo plazo. Tuve que pasar muchas horas en la mesa, lo que también disfruto enormemente, pero después de un tiempo, a pesar de ti mismo, ¡te aíslas del mundo! Por eso, en esos momentos, el contacto con mis alumnos ha sido beneficioso: mi trabajo como profesora me ha permitido redescubrir ese equilibrio entre el mundo interior y el exterior.

Entrevista realizada por Anne Montaron

Se podrá ver el 19 de abril en el Folkoperan de Estocolmo, La mirada de Judith - Yo, volcánica
Escuchar : Inuti on France Musique 


Fotos © lovemusic

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