El camino hacia lo invisible por Vanessa Wagner

Entrevistas 28.07.2022

La pianista Vanessa Wagner está invitada a La Grave en el marco del festival Messiaen 2022, que rinde homenaje a Pascal Dusapin, del que es la intérprete favorita. En los jardines del hotel Edelweiss, frente al glaciar Meije, nos habla de los profundos vínculos que ha forjado con el compositor y su mundo pianístico y nos habla de su apego a la música de los minimalistas americanos, que no deja de grabar y que interpreta en concierto, sola o en dúo.

Vanessa Wagner, usted es una habitual del Festival Messiaen de la región de Meije, que este año celebra el 30º aniversario de la muerte del compositor. ¿Qué obras del Maestro de la Grave le gustan especialmente?
Llevo viniendo al festival desde 2011, cuando toqué Scriabin, Murail, Debussy y tres de los Estudios de Pascal Dusapin. He vuelto regularmente, cada dos años, con varias obras de Messiaen: el ciclo vocal Harawi cantado por Karen Vourc'h, que hemos girado mucho y que me encanta, las Visions de l'Amen para dos pianos con Marie Vermeulin, el Poème pour Mi... También tengo en mi repertorio una docena de Regards sur l'Enfant Jésus, las Petites Esquisses d'oiseaux y la Fantaisie pour violon et piano, que se interpretó al principio de esta edición de 2022.

Este año no interpretará música de Messiaen, sino dos piezas de gran formato de Pascal Dusapin creadas por usted. ¿Cómo conoció al compositor?
Se remonta a 1999 y surgió por mediación del compositor Eric Tanguy , al que conocía bien desde nuestros estudios en el Conservatorio y que era muy amigo de Pascal Dusapin; yo acababa de grabar un CD de Scriabin para Lyrinx, que él escuchó y le gustó mucho. A partir de ahí, se desarrolló una relación muy bonita, amistosa, duradera y profunda, ¡hasta el punto de que hoy me considera su confidente! Pascal tenía una relación muy conflictiva con el piano, que aún no figuraba en su catálogo, y nuestro encuentro le permitió sin duda superar este bloqueo y volver a conectar con un instrumento que había estudiado, sin mucho éxito, en su infancia. Tuve el placer de crear sus primeros Estudios, que están dedicados a mí, con esa emoción que siempre es intensa cuando se trata de dar vida a una música que nunca se ha escuchado.

El enlace es tan íntimo como profesional.
La dimensión humana cuenta mucho en nuestra relación como intérprete y compositor. Debo decir que entré en su universo sonoro casi instintivamente y que siento su música con bastante fuerza en virtud de lo que nos une en la vida, esa base de "gran melancolía" que nos une y que asumo totalmente.

¿Tenía ya experiencia en el mundo contemporáneo antes de empezar a trabajar en sus partituras?
Ya me interesaba la creación, con ese deseo de escapar de la institución del conservatorio donde sufría mucho la enseñanza académica. Empecé a escuchar a Stockhausen, Xenakis, Grisey y Berio, compositores que estaban ausentes de mi enseñanza y a los que quería descubrir. Conocer a compositores vivos como Eric Tanguy y François Sarhan me estimuló mucho; conocer a Pascal Dusapin fue determinante.

Esta noche, en la iglesia de La Salle-Les-Alpes, tocará los Siete Estudioscompletos para piano. Es una interpretación que ha ido madurando desde hace tiempo, una música de la que se ha apropiado totalmente...
La música de Pascal está habitada por una melancolía muy profunda pero que no es desesperante; en los Siete Estudios, se ajusta al género que implica investigación en la escritura y cierto virtuosismo: hay tres que son particularmente aventurados, uno de ellos muy difícil. Se relacionan con el gran ciclo de estudios del siglo XXᵉ o incluso del XIXᵉ, donde quiso poner a prueba las capacidades técnicas y digitales del intérprete aunque no llegue tan lejos como Ligeti. La intención no es la misma en O Mensch! donde desnuda la escritura al máximo y da al texto toda su importancia. Estrené el primer Étude en 1999 en las Bouffes du Nord, luego los números 3 y 7; pero prefiero tocarlos en su totalidad, según la dramaturgia que esboza y las ramificaciones armónicas que sigo descubriendo en el curso de los conciertos, sin temer hoy estar cerca del silencio y la resonancia. Cuanto más toco esta música, más intento encontrar la flexibilidad y la naturalidad que la acercan a la improvisación, aunque todo esté anotado con precisión. Recuerdo el comentario de Henri Dutilleux, que me emocionó mucho, de que yo hacía que esta música cobrara vida "entre las notas". Inspiró el título de mi último CD Study of the Invisible . En la escritura de Dusapin, la forma en que el discurso es sostenido y habitado por cada nota y cada espacio es extremadamente importante para restaurar el flujo interno del discurso.

¿Cuál es la mejor manera de definir esta escritura pianística?
En mi opinión, y después de haber trabajado mucho con cantantes, diría que Pascal escribe para el piano como para la voz, pidiendo al instrumentista que encuentre el aliento del cantante; creo que su música es más expresiva cuando se olvida del piano.

Ô Mensch! es otra aventura con el barítono Georg Nigl, para quien Pascal Dusapin ha escrito ya cuatro óperas: ¿se mantiene la escritura del piano?
Al igual que el Viaje de invierno de Schubert, al que la pieza recuerda innegablemente, O Mensch! es un viaje existencial muy profundo y desesperado; los textos de Nietzsche, de un tenor completamente diferente al de Müller, fueron seleccionados por Pascal Dusapin y podrían ser casi una especie de retrato íntimo del compositor. La obra fue estrenada en las Bouffes du Nord en 2011 por Georg Nigl y la puesta en escena de Pascal incluyó escenografía, vídeo y electrónica. El encuentro artístico con Nigl, un artista extraordinariamente carismático, fue más que positivo; juntos grabamos la pieza en Col legno.
Pero ahora estoy muy contento de volver a hacer la partitura con el barítono australiano Mitch Riley, cuya personalidad, físico y voz son completamente diferentes a los de Georg. También él ha ideado una puesta en escena en la versión de Sidney, con su propio pianista. Su apropiación del texto y su forma habitada, casi expresionista, es tan intensa que me ha cautivado su visión de las cosas, a la vez que aporta ese toque de melancolía, de intimidad, a un mundo suyo muy teatral. En cuanto a la escritura pianística, se trata de un trabajo armónico detallado y de una dimensión tímbrica y de textura sonora que depende del intérprete. Hay que buscar la manera de hacer sonar los acordes, de dar forma al sonido y de animar un material en sus mínimas variaciones.

Me gustaría hablar ahora de su incursión en la música de los minimalistas americanos, un enfoque bastante reciente, después de todo, y un estilo de escritura al que da una nueva luz, un nuevo júbilo...
Empecé este nuevo repertorio en 2016, el año del lanzamiento del disco Statea, Nunca he ocultado mi interés por la música electrónica sofisticada, pero tardé bastante tiempo en concebir un proyecto con ella; ¡tenía miedo de las reacciones de mi entorno profesional! Es un disco que funcionó bien y que marcó un punto de inflexión en mi carrera: quería confrontar mi papel de intérprete interpretando a John Cage, Philip Glass, Morton Feldman, György Ligeti, Valentin Sylvestrov, John Adams con otra forma de aprehender el sonido como Murcof sabe hacerlo, con un dispositivo electrónico relativamente sencillo. Empecé a tocar la música de los minimalistas en ese momento, aunque la conocía desde hacía mucho tiempo: ¡me encantaba Einstein on the Beach! Llevaba mucho tiempo jugándolo -me encantaba Einstein on the Beach-, pero en Francia seguía siendo muy despreciado. Para mi primer CD en solitario, En el interiorBusqué partituras menos conocidas, como las de Moondog, Emilie Levienaise-Farrouch o William Susman.

Vanessa Wagner, su aclamado segundo álbum, This is America, es un gran éxito.
Es para dos pianos, con Wilhem Latchoumia, un alter ego en cuanto a tacto y sensibilidad artística. Hacía tiempo que soñaba con tocar Piano Phase, de Steve Reich, para dos pianos, y lo combinamos con otras músicas igualmente frenéticas y agradables, como Four Movements , de Philip Glass, las danzas sinfónicas de West Side Story y Hallelujah Junction, de John Adams. Mi último álbum Estudio de lo invisible continúa esta investigación sobre el movimiento minimalista con la joven generación de Caroline Shaw, Bryce Dessner, Peter Garland, Peteris Vasks y David Lang, a quienes quería presentar al público francés. Espero haber abierto las puertas a esta música que lucha por establecerse en Francia; el hecho de haberla tocado en La Roque-d'Anthéron es en sí mismo un gran éxito.

¿Significa eso que el repertorio americano tiene ahora un lugar predominante en sus programas?
Digamos que tiene un lugar real, pero no me olvido de los clásicos. De hecho, creo que los dos mundos se alimentan mutuamente. Las repeticiones americanas me hicieron tomar conciencia de una temporalidad diferente, abrieron mi forma de tocar y modificaron mi relación con el gran repertorio, al que ahora me acerco de forma más relajada. Acabo de tocar Grieg y Tchaikovsky con la sensación de escucharme mejor, de disfrutar del timbre en los movimientos lentos y de disfrutar más. Hay algo que ha florecido en mi forma de tocar y que me está ayudando a amar más intensamente esta profesión: al tocar Scriabin, Rachmaninov, Pärt, Dusapin y Glass al mismo tiempo, he encontrado el camino que me conviene, una liberación salvadora.

Entrevista realizada por Michèle Tosi

Fotos © Bruno Moussier/AIDA
Foto del artículo © Caroline Doutre

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