Laura Farré Rozada a deux âmes : les mathématiques et la musique. Pionnière en la matière, cette jeune pianiste née en 1990, qui commence à se faire remarquer dans le monde de la musique contemporaine, a développé sa propre méthode pour simplifier le processus de mémorisation des œuvres. Elle vient également de sortir “Nimbus”, publié par le label Seed Music, un album dans lequel elle rend hommage à Olivier Messiaen et à la musique des XXe et XXIe siècles. “Nimbus”, qui se plonge dans les possibilités créatives de l’eau comme source d’inspiration, réunit des œuvres de Fukijura, Jodlowski, Ravel, Takemitsu et Zhao, entre autres. Avec cette œuvre, la jeune pianiste s’inscrit dans le sillage de son précédent album “The French Reverie”.  

Vous êtes spécialisé dans les répertoires du 20ème et 21ème siècle. Vous êtes pianiste et mathématicienne. En fait, vous avez conçu une nouvelle méthode basée sur les mathématiques pour simplifier le processus de mémorisation et ne pas revenir au score. En quoi consiste cette méthode ?
Alors que je combinais une carrière en mathématiques avec le piano, j’ai réalisé que le processus le plus efficace pour mémoriser un morceau n’était pas nécessairement linéaire, mais plutôt lié à la capacité de développer une carte mentale du morceau et de résoudre ces points où il fallait parfois simplifier la complexité par étapes. J’ai également remarqué que, très souvent, les stratégies de résolution de problèmes que j’avais apprises en cours de mathématiques m’étaient également utiles pour faire face aux problèmes que je rencontrais en apprenant un morceau de musique. Au fil du temps, j’ai donc développé ma propre méthode de mémorisation, qui m’a permis de mémoriser la musique avec plus de confiance et de musicalité. 

Intéressant.
Oui. Cette méthode consiste à échelonner le processus d’apprentissage et de mémorisation d’un morceau dans différents niveaux de difficulté, de sorte que le cerveau se sente toujours à l’aise avec le niveau et le volume de complexité avec lesquels il travaille.

Vos recherches mettent en évidence la relation entre les mathématiques et la musique. Dans quelle mesure sont-elles proches ? 
Les mathématiques sont le support sur lequel repose la musique en termes physiques et théoriques. La musique, en bref, est un son manipulé intentionnellement. Ces manipulations, qu’il s’agisse de notes, de rythme, de dynamique, d’articulation ou d’instrument, par exemple, peuvent toujours être justifiées d’un point de vue mathématique. Et finalement, à mon avis, la musique répond au même paradoxe que les mathématiques : sont-elles inventées ou découvertes ?

C’est une bonne question. 
Les mathématiques, d’une part, nous permettent de traiter la musique à un niveau cognitif. Tous les calculs mathématiques qui se cachent derrière ces manipulations du son, nous les faisons inconsciemment, mais ils pourraient être transcrits en formules, et ils ont une solidité rationnelle. Nous commençons à prendre conscience de cette complexité lorsque nous essayons de programmer des ordinateurs pour qu’ils soient capables d’effectuer des tâches cognitives, ou simplement de traiter du son.

Et si nous pensons aux mathématiques et à la création ? Par exemple, différents compositeurs se sont inspirés des mathématiques pour leurs créations. Je pense à Milton Babbit ou à Debussy. Et aussi Steve Reich.
Aussi, parce que les mathématiques ont été utilisées pour créer de la musique, soit à partir de zéro, soit en propageant des idées musicales qui stimulent la création de l’œuvre musicale. Et bien que leur application ait été plus explicite et plus connue au cours du XXe siècle et aujourd’hui, les mathématiques sont utilisées pour composer de la musique depuis des siècles. En fait, l’un des objectifs de mon doctorat est d’utiliser les mathématiques pour conceptualiser la musique d’un point de vue rationnel. Une perspective qui n’a pas été adoptée jusqu’à présent, pour faire face au défi de la mémorisation pour les musiciens classiques et contemporains.

Vous avez été invité comme conférencière dans plusieurs universités. Quelle est la relation entre les fractales, le fameux effet papillon et la musique ? Pouvez-vous nous l’expliquer ?
Les fractales sont une application concrète de la symétrie en musique. En d’autres termes, ce sont des modèles qui se répètent à l’infini. Ils ont permis d’expliquer de nombreux phénomènes inconnus dans la nature, comme, par exemple, la forme des nuages ou des vagues de la mer. La découverte des fractales et de leurs propriétés a permis d’améliorer la technologie. Par exemple, les antennes utilisent la géométrie fractale pour maximiser leur surface. D’autre part, l’effet papillon est un phénomène lié aux fractales et à la théorie du chaos, ce qui explique logiquement pourquoi il est si difficile d’établir des prévisions météorologiques.

En ce sens, et pour être plus précis, de quelle manière les mathématiques peuvent-elles être appliquées à la composition d’une œuvre ? 
Cela dépend de l’utilisation qui en est faite. À mon avis, les mathématiques devraient toujours être un outil et non une fin en soi. Pendant des siècles, les mathématiques ont été utilisées pour organiser la musique, lui donner une structure et une cohérence, et générer une variété à partir d’une même idée. Cependant, lorsque nous écoutons de la musique, nous ne sommes pas conscients des mathématiques qui se cachent derrière une composition musicale. C’est un bon signe, car cela signifie que les mathématiques ont été utilisées comme un outil qui enrichit la musique. Mais, lorsque le but en soi consiste à utiliser les mathématiques pour générer une musique excessivement complexe, mais en laissant de côté la composante musicale, c’est alors que je crois que tout le sens de l’œuvre d’art est perdu.

Sa dernière œuvre, “Nimbus”, rend hommage à Olivier Messiaen. L’album rassemble des œuvres de compositeurs internationaux tels que Jodlowski, Chin, Takemitsu, Guix, Ravel, Thorvaldsdóttir, Fujikura et Zhao. Que cherchiez-vous avec cet album ? Comment s’est déroulée la gestation de cette œuvre ?
“Nimbus” est la deuxième partie conceptuelle de mon premier album “The French Reverie” (2018). Dès la sortie de mon premier album, j’ai vu très clairement que ce projet aurait une continuité, et j’ai tout de suite su quel serait le concept qui le soutiendrait et ses principales œuvres. Malgré cela, j’ai pris le temps de réfléchir et de finir d’esquisser le répertoire de l’album, car pour moi, la gestation d’un album est un moment charnière entre un processus de croissance artistique et un processus de diffusion artistique.

Et l’intention ?
L’intention de “Nimbus“, comme celle de “The French Reverie” , est d’ouvrir une porte amicale à la musique contemporaine, à tous ceux qui ne connaissent pas ou ne se sont jamais sentis attirés par ce répertoire. Il y a une composante pédagogique derrière tout cela. Mais c’est aussi un album pour ceux qui sont déjà fans de cette musique et qui veulent découvrir de nouvelles œuvres, car derrière l’album il y a un travail de recherche de nouveaux répertoires et une logique très développée. Le concept de “Nimbus” est l’eau, qui est le fil conducteur que j’utilise pour relier toutes les œuvres entre elles, et qui articule une grande diversité d’esthétiques musicales et de formes que l’eau peut adopter en tant que format artistique.

Drizzle Draft (Bruine tirant d’eau) composé avec Josep Maria Guix

Je comprends donc que votre premier album, “The French Reverie”, forme un tout avec “Nimbus”. 
Les deux albums sont inspirés par la même philosophie. Les deux albums et leurs répertoires sont liés, oui, et l’union des deux complète cet hommage à Olivier Messiaen. C’est la macro-structure qui donne un sens à l’ensemble du projet, et qui justifie ce choix d’œuvres et pas d’autres. Dans le cas précis de “The French Reverie“, mon idée était de faire connaître le répertoire français des XXe et XXIe siècles, et que cela se fasse sous la forme d’un rêve, dans lequel se mêlent les influences d’autres compositeurs européens. Un métissage sous-jacent des cultures. D’autre part, “Nimbus” va un peu plus loin et se concentre sur l’influence de la musique française en Asie, principalement. Une culture qui, en France, a été considérée comme exotique, mais qui, en même temps, a contribué à européaniser. Et c’est cette réflexion qui, je crois, se dégage de l’album, puisque tous les compositeurs présents ont été formés en Europe, et ont su fusionner cette formation avec leurs racines.

Vous avez dit précédemment que les deux albums visent à rapprocher la musique contemporaine des personnes qui ne la connaissent pas.  Dans ce sens, pensez-vous que les nouvelles technologies peuvent y contribuer et faire connaître davantage la musique contemporaine ?
Je ne pense pas que les nouvelles technologies soient d’une quelconque utilité dans cette tâche, à moins qu’il n’y ait une composante pédagogique derrière elles. Après la Seconde Guerre mondiale, les gens se sont réfugiés dans les mathématiques pour faire une tabula rasa de la tradition musicale précédente, et générer une nouvelle musique. Dans ce cas, la ” technologie ” que les mathématiques ont apportée à la musique n’a pas contribué à sa diffusion, bien au contraire, puisque l’élitisme a été privilégié à la pédagogie. Bien qu’il s’agisse d’un parallélisme anecdotique, le message que je veux faire passer est que les nouvelles technologies ne feront rien par elles-mêmes, mais dépendront de l’usage que nous en ferons. Et à mon avis, pour populariser la musique contemporaine, il faut l’expliquer. Et bien sûr, les nouvelles technologies peuvent contribuer à faciliter ce processus.

Comment voyez-vous la scène musicale contemporaine ?
Je pense que c’est une scène qui fait peu d’autocritique et dans laquelle il y a beaucoup de bruit. Et par bruit, j’entends des auteurs médiocres. Dans le cas du piano, il y a peu de compositeurs qui savent bien écrire pour l’instrument, et qui ont des idées intéressantes à raconter à travers leur musique. Il existe aussi des compositeurs vraiment fascinants, mais il est souvent difficile de les découvrir car ils ne sont pas toujours les plus populaires. Néanmoins, je pense que c’est l’essence même de la musique contemporaine. Notre génération est chargée de trouver les génies d’aujourd’hui pour qu’ils puissent être entendus demain, et avec mes projets, j’essaie d’apporter mon grain de sable à cette tâche.

Quels sont les interprètes qui vous intéressent ?
L’une des interprètes contemporaines qui me fascine le plus est la flûtiste Claire Chase, que j’ai eu le privilège de rencontrer. Elle possède une extraordinaire polyvalence, a contribué à élargir le répertoire contemporain de la flûte, ayant commandé de nombreuses œuvres pour son instrument, et exerce un magnétisme incroyable dans ses concerts. Chase a collaboré à de multiples occasions avec Tyshawn Sorey, qui est un autre musicien avec lequel j’ai eu le plaisir de travailler. Sorey m’a ouvert un monde dans le domaine de l’improvisation libre, et bien que ce ne soit pas ma facette habituelle, pour moi, c’était un avant et un après dans ce domaine.

Comment vivez-vous la pandémie et les confinements, cela a-t-il affecté votre travail, et les concerts prévus auront-ils lieu ?
À court terme, la pandémie a été un stress permanent, car j’ai dû constamment modifier mon calendrier et mon planning de travail. Mais à long terme, cela m’a donné l’occasion de travailler sur mon deuxième album, “Nimbus“, auquel je pensais depuis longtemps. Le fait de pouvoir se consacrer corps et âme à un tel projet pendant une période relativement longue, en raison de l’enfermement, a été une grande chance artistique, malgré les difficultés. Et compte tenu des conséquences fatales de la pandémie, malgré toutes les adversités, je me sens chanceuse.

Une dernière question : quelles sont vos attentes pour Nimbus, et comment souhaitez-vous que le public aborde la pièce ?
J’aimerais pouvoir présenter “Nimbus” dans autant d’endroits et à autant de publics différents que possible. Et comme je l’ai fait pour “The French Reverie“, pouvoir la présenter dans tous les pays d’origine des compositeurs que j’interprète. Pour moi, c’est la deuxième partie du projet d’enregistrement, que l’œuvre ait une tournée, et que pendant la tournée il y ait un échange. Une diffusion de la musique des compositeurs dans des pays où ils sont totalement inconnus.

“Nimbus” reçoit de bonnes critiques et son aspect pédagogique pour rapprocher la musique contemporaine est très intéressante.
Je pense que Nimbus est un album qui ne laisse personne indifférent. Je voudrais que tous ceux qui l’écoutent le fassent par curiosité, en se laissant surprendre. Qu’ils écoutent activement et s’interrogent sur l’impact que cette musique génère en eux. Pour moi, les réflexions que “Nimbus” peut susciter auprès du public sont la plus grande récompense.

Propos recueillis par Txema Seglers.
Barcelone

Photo © Sílvia Poch