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En el escenario improvisado, la vocalista Natacha Muslera traza un camino singular. No se contenta con considerar la voz en sus partes más secretas e íntimas, sino que también deconstruye el lenguaje, la vocalidad, y considera la voz como una experiencia curativa. En 2012, dio a luz al Coro Tac-Til, que reúne a personas videntes y no videntes. Colaboradora del Gmem, se la pudo escuchar el 4 de diciembre en el Dynamo de Pantin en Future Folk Stories, una exploración radiofónica del folclore a cargo de Les Bedmakers.
Una entrevista libre con Natacha Muslera.
Anne Montaron : Hace unos días, en el Dynamo de Pantin, participó en la creación de Future Folk Stories con tres músicos de "Bedmakers" y Fanny Lasfargues. y Fanny Lasfargues. Es una forma de juego radiofónico, un documental musical con voces -archivos y también voces grabadas in situ- en torno a una reflexión sobre el folclore.
Natacha Muslera : Sí, empezó con la idea de coleccionar, con una incursión en la historia de la música y la etnomusicología.
Robin Fincker, Mathieu Werchowski y Fabien Duscombs me invitaron a aportar la dimensión del lenguaje inventado, lo que yo llamo "langue des bois". Hay un vínculo entre las voces inventadas -una especie de lenguaje inventado- y estas preguntas sobre lo que evoca la música folk, dentro de una fábrica colectiva que propone intentos de responder a la pregunta: "¿Qué es el folk?
Por supuesto, no hay una sola respuesta. Es la multiplicidad de relaciones con la canción, con el folclore, lo que alimenta esta creación.
¿Qué es para ti el folklore?
¡Es una pregunta interesante! Tengo una relación particular con ella, porque la he deconstruido bastante a lo largo del tiempo. Entre los 16 y los 28 años, canté en varios grupos musicales para los que escribía y cantaba mis letras, poemas muy inconexos, cercanos al corte. Tocamos en cafés, bares y salas de conciertos. También tengo un padre argentino que tocaba lo que se llamaba "folclore argentino"; música muy inspirada en los indígenas y los indios, a menudo en quechua (una lengua indígena). La música está habitada por la idea de las luchas. A menudo se trata de música social, que cuenta de forma poética cómo los indígenas han sido despojados de sus tierras. También son odas a la tierra y al cosmos, que se rebelan contra el colonialismo y el sistema dominante.
Ahí es donde se juega la música: descoloniza toda una forma de ser y de pensar, sin dejar de estar relativamente enmarcada.
Lo dejo a un lado. Aunque me haya adormecido. Atahualpa Yupanqui era amigo de mi padre, y mi padre cantaba sus textos.
Para poder existir, había que romper con eso.
Y luego, desde el principio, con el instrumento con el que trabajo, la voz, deconstruí mucho, por un lado forjando mi instrumento a través de diferentes aprendizajes, y por otro lado desbaratando el "papel" del cantante dentro de los grupos, y más generalmente la representación del cantante en una cultura mediática normativa.
De todos modos, lo importante para mí era la vida del grupo, compartir estos momentos intensos, ¡era vital!
¿Como en Chœur Tac-il, que creó en 2012?
Sí. Ya han pasado casi diez años. Somos diez: voces videntes, ciegas y deficientes visuales. Trabajamos la relación con sensibilidad, con escucha. Improvisamos y también compongo para el coro, en "compañía" del coro (pienso la composición a partir de los elementos propuestos por el coro cuando improvisamos libremente). Es un lugar turbio. Tomo cosas que hemos trabajado, las refino, las rearticulo: se convierte en una escritura experimental, alejada del campo visual.
¿El punto de partida de este coro fue sólo musical?
Para ser sinceros, el punto de partida era sobre todo sensible: se trataba de encontrar un aliento. Tal vez estaba un poco ahogado en lo que hacía, en un contexto social y político determinado. El punto de partida fue cómo educarme y aprender de personas que tienen una "mirada" diferente sobre las cosas y sobre la escucha (incluso los ciegos hablan de "mirada"). La mayoría de ellos no tenía experiencia en la improvisación libre. Nos preguntamos: "¿cómo podemos entrar en otros espacios que no sean los visuales y cómo podemos vivirlos juntos?"
También es una posición política; un lugar en el que no hay director de coro.
Y luego lo que me interesa es que al compartir las técnicas vocales, al practicar la escucha múltiple, al final de todos estos años de práctica, varios miembros del coro se han vuelto muy independientes. Algunos vocalistas componen música electroacústica, otros dirigen talleres de canto...
Veo otro ejemplo de esta práctica colectiva en sus actividades, la orquesta de la ONU... ¿Es eso también una microsociedad?
Sí, es una microsociedad en la que no hay jerarquía. Las relaciones jerárquicas crean relaciones de dominación. El Uno nació de una pregunta: ¿cómo podemos inventar otras cosas? Esto no impide que, en ocasiones, demos responsabilidades a una persona dentro del grupo, ya sea a nivel de organización, de preparación de menús, de escucha de grabaciones, de producción o de diferentes experiencias sonoras propuestas en situaciones y contextos concretos; todo ello lo compartimos y lo ponemos en práctica de forma colectiva. La ONU es genial para eso.
¿Cómo funciona la ONU?
No nos decimos nada, nos encontramos en un momento determinado en un escenario o en otros contextos. En la ONU, además de los músicos, están Yukiko Nakamura, que baila, Christophe Cardoen, que "abre" las luces, y Michel Mathieu, que realiza acciones.
¡Así que nos reunimos, tocamos juntos, practicamos!
Ya hemos hecho varios experimentos, como bajar juntos un tramo de la Dordoña este verano: nos paramos en las orillas del río, tocamos juntos en cuevas, invitamos a investigadores para reflexionar sobre la relación entre la autonomía y el colectivo (desde un punto de vista filosófico e histórico)
Las experiencias más interesantes, en mi opinión, no son necesariamente las situaciones de concierto, en las que tocamos de frente, sino los momentos en los que nos evadimos de la actuación y sus códigos. Por ejemplo, cuando se toca durante varias horas seguidas: ahí se juega algo más, lo que realmente rompe los códigos.
Lo hicimos en Jazz à Luz, cerca de la capilla de Luz Saint-Sauveur. En este tipo de situaciones, por un lado, existe esta noción de individualidad -el músico propone su propio movimiento, con un público disperso, tumbado en la hierba o paseando- y, por otro lado, nos encontramos con formas colectivas, con la energía del colectivo y estos movimientos inéditos. De modo que oscila entre un sentimiento de soledad a veces vertiginoso, que hay que asumir y alimentar, y momentos colectivos muy alegres y agradables.
Alrededor de esta capilla, los oyentes se quedaban todo el tiempo deambulando. Algunos nos hablaron de esta experiencia como una experiencia fuerte y poderosa, y también como una "experiencia de sanación".
Creo que dentro de estas formas (cuando se llega a susurrar o tocar al oído de alguien...) hay una memoria que surge, que pertenece a cada persona y que convoca cosas del orden de la "sanación", además del juego colectivo.
Precisamente, ¿has trabajado alguna vez con personas en situaciones frágiles y has sentido la impresión de estar "cuidado" a través del sonido?
Sí... de hecho, cuando salimos de las sesiones del Coro Tac-Til con diez voces en la oscuridad, estamos en un estado de euforia, sentimos una gran fuerza; la voz oxigena el cerebro, es un fenómeno de hiperventilación; es mecánico. Al trabajar durante horas en la respiración, en las respiraciones, nos pone en un estado de euforia y nos solidifica, nos ayuda, ¡nos sana!
También trabajo a veces en hospitales de día psiquiátricos (con los llamados autistas, psicóticos) y el hecho es que puede deshacer enormes tensiones, apoyar a las personas frágiles, a condición de que se haga con un enfoque inclusivo: sobre el principio de que cualquiera puede cantar o tocar. La idea es volver a hacer coros colectivos sin director. Simplemente te pones a cantar... ¡Suele haber mucha alegría!
Todo el mundo tiene una voz en su interior. Hay una fragilidad de la voz; nos exponemos cantando, y luego están las voces normalizadas, las voces no normalizadas. ¿La voz no estándar es molesta? Pienso en Artaud...
La voz, es obvio, tiene esta posibilidad de lenguaje articulado, con un dominio del significado. En cuanto deja de tener sentido, es problemático... aunque hay ejemplos de ello en el mundo. Pienso en el corpus reunido por Jérôme Rothenberg*: reunió textos, relatos y cantos de todo el mundo procedentes de culturas indígenas de distintos continentes, y muchos de ellos se sitúan en el nivel de las lenguas inventadas.
Hay que recordar que en la mayoría de nuestras historias personales y las de los lugares donde vivimos, hay cantos, conjuros, que no pertenecen a una lengua articulada. El hecho de estar en una relación orgánica y vibratoria con una lengua, un patois, sigue siendo intrínseco al imaginario de una cultura. Ahora, todo esto ha sido normalizado, borrado, invisibilizado.
Es quizás esta articulación la que está en el corazón de la voz.
¡Artaud es obviamente aterrador porque hay una violencia real! ¿Cómo podemos acoger esta violencia? Esta violencia vital, amorosa, que no destruye, sino que abre otras posibilidades...
¿Por qué "langue des bois"? Supongo que hay un juego de palabras con "langue de bois".
¡Porque no es sólo palabrería! Y también en referencia al lugar donde se reunía la gente, por ejemplo las brujas. Resulta que muchos de estos bosques han sido destruidos. Las formas de vida se han normalizado. Podrías sobrevivir allí. Lo llamo "lenguaje de madera" porque funciona con todo lo que puede ser animal, vegetal, humano, no humano, visible, invisible...
El dúo "Coyote" con Michel Doneda, ¿lo llama "rito sonoro"? ¿Por qué esta noción de rito?
Porque partió de la actuación de Joseph Beuys con "Coyote". Lo que hacemos con Michel no es una actuación, pero al mismo tiempo no es sólo un concierto. Además, a menudo tocamos fuera de las salas de conciertos, en lugares muy diferentes. Hay algo del orden de un rito, no de un ritual, porque no está ritualizado. Existe esta libertad de hacer algo que no tiene nada que ver con un tipo de religión, ¡pero que se puede inventar! Jugar con Michel es fabuloso, qué libertad, todo está abierto, es posible.
¿Cómo se articula la relación entre escritura y oralidad en su trabajo actual?
Desde hace años, grabo todo tipo de sonidos: palabras, luchas, manifestaciones, personas que hablan de sí mismas, voces sonoras y ruidosas, lecturas, coros in situ... Todo parte de ahí para crear la escritura. Las voces: ¡es una verdadera obsesión!
Busco puntos de tensión y desorden entre el lenguaje articulado y el inarticulado; debilidades, ruinas del lenguaje, soplos de viento... Componer para la radio es lo que más me impulsa. Las emisoras de radio locales, y también todas las que se crean, independientes, ya sea que se emitan por las ondas o vía digital. Es un entorno vivo y denso de resistencia, donde es posible proponer formas muy libres. Hay un disco al que me remito a menudo como fuente inagotable. Se trata de Magny 68, un vinilo en el que cohabitan canciones, discursos que documentan las luchas de mayo del 68, ruidos, sonidos de la calle, una especie de collage inédito, creado por Colette Magny, William Klein y Chris Marker.
Utilizo bastante el tarot para poner en juego modos de composición en los que la cuestión del sonido y la atención se interrogan mutuamente. Pienso en Eliane Radigue, Pauline Oliveros, Alice Coltrane, donde la dimensión del "cuidado" en la música resulta posible.
Pero sigo siendo prudente en este ámbito. Me parece que no hay un tipo de música que se pueda decir que "cuide". Pienso en esta articulación entre el sonido y el cuidado, pero no literalmente, no sólo en una "voluntad" de curar.
Hablamos de que la voz tiene un significado. ¿Cuál es su relación con el texto? ¿Aparece a veces en el escenario con textos?
Sí, me gusta mucho leer en voz alta. Organizamos lecturas en Marsella, en los domicilios de la gente. También me gusta leer en la radio, para la radio.
En este momento estoy haciendo una película con Stefano Canapa. Los textos la atraviesan, en niveles muy diferentes.
Pero en la interpretación, en el canto, me resulta difícil hacer aparecer el texto.
Con Cécile Duval, en la creación ZA OUM BA UMP'F HTLM, partimos de partituras futuristas y de textos de Velimir Khlebnikov, desde principios del siglo XX hasta hoy. Se trata de lenguaje y poesía sin sentido, y también de puntuaciones concretas. Ambos llevamos a escena partituras y textos.
¡Y qué difícil es eso! Por ejemplo, hay un poema concreto de Mary Ellen Solt, una partitura de ZZZZ. Leerlo, hacer que cobre vida para dos personas, con la respiración, es toda una tarea, ¡que lleva tiempo!
¿Mencionamos el trío Les Mutantes con Angélica Castello y Aude Romary? ¿Cuál es la alquimia de este trío?
Cuando vuelvo a escuchar la música del trío, creo que evoluciona en lugares muy específicos y nuevos para mí, quizás por la presencia deAngélica Castello, que trabaja con el subconsciente.
En esta música, hay nanas, y me dejo atravesar por melodías, por tonadas, lo que es bastante raro en la improvisación libre.
Es un poco como si todo se reparara.
Ahora, creo que puedo decir que siento una forma de libertad, con el paso de los años, que hace que todo sea posible, mientras que en el pasado era impensable en la improvisación libre. Nos prohibimos hacer cosas, nos censuramos...
¿Tienes la impresión de haberte prohibido cosas?
No lo creo. Puedes asimilar todas las capas que te atraviesan, todos los recuerdos, de forma fluida y natural. Me siento como en una cámara de eco, y confío en ella.
En Mutantes, tengo la impresión de que es un lugar diferente.
Tal vez porque no se trata de improvisación libre.
Angélica es más compositora que nosotros: estructura mientras toca, con profundidad, lentamente. Aude y yo somos mucho menos, hacemos y deshacemos más, tengo la impresión... ¡y eso hace una nueva música, para mí!
¿Te gustan todas las voces? Has estado rodeado de tantos... ¿Cómo percibes las voces de los demás? ¿Sin juzgar?
Oigo mucho en una voz... ¡más allá de la voz! Hay un escaneo que se produce, una lectura, casi automática, ¡y así ha sido desde que era una niña!
Pero sí, acojo todas las voces, sean las que sean, sin ningún juicio, y con la edad, uno se vuelve cada vez más abierto y poroso, encuentro. Cada vez me gustan más las voces de estilos muy diferentes!
Antes no era así, a veces me cerraba en banda.
De todas formas, encuentro que la postura crítica (negativa la mayoría de las veces), es también una forma de poder, en la medida en que puede herir al otro, destruirlo, y eso es muy masculino. Yo también puedo hacerlo (hay mucho de masculino en mí), ¡y también lo he tenido! Es una actitud demasiado fácil.
Tengo una formación que me ayuda a pensar en esto, y algunas lecturas me han iluminado. Prefiero plantearme la pregunta en estos términos: "¿qué hay de interesante en esta voz, en esta música, que no entiendo?
¿Cómo ve la evolución de Choeur Tac-til? ¿Ha habido alguna etapa de trabajo en Gmem con objetos electrónicos?
Sí, trabajamos con máquinas, un robot, con la idea de investigar la alteridad. Las tecnologías me interesan por su relación con la alteridad.
Siempre hay una relación de poder, una relación autoritaria con las tecnologías. Reproducimos la misma lógica, damos órdenes a las máquinas todo el tiempo, sin entenderlas, sin poder repararlas. Nunca hemos sido tan "proletarizados por las máquinas". (dixit Bernard Stiegler, Donna Haraway).
Hoy en día, tenemos varias creaciones en marcha y un deseo: si no vamos a Japón (una gira prevista para marzo de 2020 fue impedida por el primer encierro), ¡traeremos Japón hacia nosotros!
La idea era ir a conocer las prácticas de las mujeres Gozé, estas mujeres ciegas itinerantes que atravesaban Japón y que eran un poco como radios nómadas. Contarían las historias políticas de los países. Al mismo tiempo, improvisaban y se inspiraban en los sonidos de los ecosistemas, tocando el shamisen. Con sus voces, practicaban el arte de imitar los sonidos de la naturaleza, conocido como kikinashi. Queríamos ir en busca de esta historia!
El último Gozé murió hace 20 años; hoy ya no se practica. Tenían unas condiciones de vida muy duras (desde la Edad Media), pero habían fundado un gremio, un fondo de solidaridad; todo un ejemplo de hermandad y ayuda mutua.
¡Si no podemos salir, nos iremos a otros bosques!
El GMEM nos apoya. Vamos a crear una pieza mixta en 2022, "Blind écho-système", una combinación de sonidos de emisión y voces.
¡Nos estamos preparando!
Entrevista realizada por Anne Montaron
