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El director Antoine Gindt nos ofrece sus impresiones al día siguiente del estreno en Francia de Eurídice, ópera de cámara para soprano, piano y electrónica del compositor ruso Dmitri Kourliandski, y presenta su Académie internationale de Mise en scène de Théâtre musical, cuya primera edición tendrá lugar en Nîmes del 2 al 13 de mayo.
Antoine Gindt, ¿cómo se sintió en esta segunda representación?
Ya estaba menos tenso que en la primera y más capaz de juzgar los detalles. Incluso mejor que en la primera noche, la calidad del tiempo que exige el espectáculo y la facilidad con la que la cantante Jeanne Crousaud se mueve por el escenario, con la interioridad que caracteriza al papel. También me conmovió mucho la acogida del público y sus comentarios entusiastas en la reunión posterior al espectáculo.
¿Había trabajado antes con Jeanne Crousaud?
No, era la primera vez que compartíamos escenario. Nos conocimos en Aix en Provence hace unos años y yo la había escuchado en escena en aquella época. Eurídice era la ocasión perfecta para iniciar esta colaboración. Aunque la voz que Dmitri Kourliandski tenía en mente probablemente no tenía la envergadura lírica de la de Jeanne, que, debo decir, ha encontrado ahora un color y una amplitud diferentes.
La elección de un Orfeo de 72 años, interpretado por la bailarina Dominique Mercy, no deja de sorprender...
Dos cosas reforzaron mi elección: en primer lugar, la idea de que Eurídice y Orfeo no se encuentran en el mismo marco temporal. Eurídice, devuelta al país de los muertos, no ha envejecido y disfruta de la eterna juventud. Orfeo, en cambio, ha sufrido muchos males a manos de las Ménades, que han dejado su huella en él y le han hecho envejecer. Luego, en la galería de personajes que he puesto en escena, mencionaré el hogar de Justine y el Marqués de Sade, dos personajes con la misma diferencia de edad en La Passion selon Sade de Bussotti. No estoy lejos de pensar que la pareja Eurídice-Orphée es el epílogo pacífico de esta relación sulfurosa entre el Marqués y su joven protegida.
Esperábamos una parte coreográfica más intensa...
Yo no soy coreógrafa y habría sido estúpidamente pretencioso medirme con la gran Pina Bausch; en segundo lugar, de ninguna manera iba a imponer la interpretación a alguien tan acostumbrada al escenario. Además, trabajar con el Tanztheater Wuppertal exige muy a menudo improvisar, y dejé que Dominique Mercy se apropiara del espacio como mejor le pareciera.
En cuanto a la dirección, sigue con sus colaboradores Daniel Levy, Fanny Brouste y Elise Capdenat.
Trabajamos juntos desde Ring Saga en 2011. Para mí es importante trabajar en un clima de confianza con personas que conozco bien y a las que doy la mayor autonomía posible. Cuando trabajo en una producción, confío en el trabajo en equipo y en la complicidad que nos permite llegar cada vez más lejos en la consecución de nuestros objetivos.
Los compositores, al menos los jóvenes, a veces tienen experiencias dolorosas con sus directores. ¿Cómo fue su colaboración con Dmitri Kourliandski?
Maravillosamente bien, aunque las condiciones impuestas por la pandemia no siempre facilitaron los progresos. Debo decir que siento un inmenso respeto por todos los compositores que me han permitido hacer mi trabajo. Pienso en Georges Aperghis y Pascal Dusapin, con los que he trabajado mucho.
La puesta en escena siempre requiere ajustes, incluso recortes que a veces el compositor resiente.
Por el contrario, pedí a Dmitri que ampliara su partitura, que sólo duraba treinta y cinco minutos. La escritura era muy compacta, superponiendo las tres capas, vocal, electroacústica e instrumental. Le hice varias sugerencias, buscando otros espacios dentro de su escritura, que él aceptó. El diálogo entre nosotros fue muy fructífero y siempre que había que cambiar algo, lo discutíamos y las decisiones se tomaban conjuntamente. La ópera sólo puede concebirse en un intercambio colectivo.
El 2 de mayo, usted y el director de orquesta Léo Warynski inaugurarán en la ciudad de Nîmes una Academia Internacional de Dirección de Teatro Musical , una iniciativa inédita en Francia...
Es un proyecto importante que me apasiona; llevamos un año trabajando en esta primera edición. Es un proyecto ambicioso que queremos hacer permanente en la ciudad de Nîmes y en el que participan numerosos socios, no sólo el Teatro, donde residimos desde hace tiempo, sino también la Escuela Superior de Bellas Artes, el Conservatorio, los dos grandes museos de Nîmes, el Carré d'Art y el Musée de la Romanité, el cine de arte Le Sémaphore, la Maison du Protestantisme y el Centre social Simone Veil. Contamos con el apoyo de la Fondation d'entreprise "AG2R LA MONDIALE pour la vitalité artistique", que ha contribuido generosamente a la financiación de este primer evento.
Una iniciativa así sigue siendo inédita en Francia...
De hecho, no hay escuelas de dirección en Francia, y las oportunidades para los jóvenes interesados en dirigir teatro musical son escasas. Léo Warynski y yo queríamos poner en práctica nuestra experiencia personal; he contratado a muchos aprendices para mis espectáculos y he podido medir hasta qué punto estos jóvenes teatreros están perdidos en lo que se refiere a la música; conocen muy poco el repertorio y no tienen conocimientos prácticos sobre cómo abordar a los cantantes, al director de orquesta y la partitura en relación con el trabajo escénico. El objetivo de esta academia es darles esta cultura y las herramientas necesarias para abordar la dramaturgia musical y la dirección escénica. No conozco ninguna experiencia equivalente en Francia. Hemos sido muy bien acogidos en Nîmes y me gustaría dar las gracias a Sophie Roulle, delegada cultural adjunta de la ciudad de Nîmes, que nos ha seguido y apoyado.
¿Cómo se seleccionó a los académicos?
El primer nivel de contratación se refería a los equipos de dirección; elegimos tres entre una decena de propuestas. Se encargarán, respectivamente, de Histoire du Soldat de Igor Stravinsky, El Cimarrón de Hans Werner Henze y Récitationsde Aperghis; pero no sólo reclutamos directores; también hay jóvenes directores de orquesta y representantes de todas las profesiones de las artes escénicas: compositores, dramaturgos, autores, escenógrafos y mediadores; todas estas personas tendrán clases magistrales, podrán seguir los ensayos y, por supuesto, intercambiar ideas con sus colegas. En cuanto a los intérpretes, son todos profesionales, instrumentistas (el conjunto Multilatérale), cantantes (Raquel Camarinha, Iván Garcia) y actores(Richard Dubelski, Eric Houzelot, Mathieu Loiseau), para transmitir de la mejor manera posible el trabajo de los jóvenes directores.
¿Qué criterios se utilizaron para seleccionar las obras?
Miramos hacia las futuras ediciones. Seleccionaremos tres obras por año que requieren tres salas de ensayo donde se harán las representaciones: la petite salle del teatro de Nîmes, el Centre social Simone Veil y el Petit temple de Nîmes: mantendremos el mismo esquema de una edición a otra: una obra de repertorio y dos obras fuertes de finales del siglo XXᵉ que merezcan ser recuperadas. Las obras para 2023 se anunciarán durante la academia y las candidaturas se abrirán a raíz de la misma, a partir del 15 de junio.
Supongo que se hizo un trabajo previo con los candidatos...
Los reunimos en febrero en la Ópera de París, a los directores y jóvenes directores seleccionados, para hablar del programa, sumergirse en las partituras y reflexionar sobre los retos escénicos y dramatúrgicos. Han tenido un mes para elaborar su proyecto y llegarán a Nîmes con una idea muy clara de lo que quieren conseguir. Léo Warynski y yo queremos acercar al director de orquesta y al director de escena. También queremos presentar a esta generación obras que desconocen por completo porque nunca están en cartel, y pienso en particular en las numerosas óperas de Berio.
¿Qué hay en el menú de los doce días de academia?
La primera semana es sólo para académicos. La segunda tendrá la forma de un minifestival con cuatro clases magistrales públicas (retransmitidas por varios canales) con personalidades invitadas que compartirán su experiencia: Laurent Bayle, que empezó en el teatro musical antes de pasar a dirigir varias instituciones de renombre; Sarah Barbedette, directora de dramaturgia, edición y comunicación de la Ópera Nacional de París; Marie-Louise Bischofberger, coautora de los libretos de Philippe Boesmans con Luc Bondy; y Philippe Béziat, que explicará cómo el vídeo se integra en la puesta en escena o cómo la amplía.
¿Podría plantearse la idea de enseñar a dirigir durante todo el año en Francia, donde realmente no existe?
Efectivamente, la iniciativa de Nîmes puede dar lugar a ideas, pero no quiero verme desposeído de mi enseñanza en la academia, porque Léo Warynski y yo queremos abordar esta formación desde nuestra propia concepción de la profesión. A ver si esta primera edición puede servir de arranque, pero eso implica evidentemente planificar una institución y recursos más potentes para fundar una escuela.
Entrevista realizada por Michèle Tosi
