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El director Antoine Gindt nos da sus impresiones al día siguiente del estreno en Francia de Eurídice, una ópera de cámara para soprano, piano y electrónica del compositor ruso Dmitri Kourliandski, y presenta su Academia Internacional de Dirección de Teatro Musical, cuya primera edición tendrá lugar en Nîmes del 2 al 13 de mayo.
Antoine Gindt, ¿cómo ha vivido esta segunda actuación?
Ya estaba menos tenso que en la primera y era más capaz de juzgar los detalles. Mejor aún que en la primera velada, fue la calidad del tiempo que exige la representación y la facilidad con la que la cantante Jeanne Crousaud conduce el movimiento escénico, con esa dimensión de interioridad que caracteriza el papel. También me conmovió mucho la acogida del público y sus entusiastas comentarios durante la reunión posterior a la representación.
¿Había trabajado antes con Jeanne Crousaud?
No, era la primera vez que estábamos en el mismo escenario. Nos conocimos en Aix en Provence hace unos años y la había escuchado en el escenario. Eurídice era la ocasión adecuada para iniciar esta colaboración. Aunque la voz que Dmitri Kourliandski tenía en mente probablemente no tenía el alcance lírico de la voz de Jeanne, que, debo decir, ha encontrado ahora un color y un alcance diferentes.
La elección de un Orfeo de 72 años, interpretado por la bailarina Dominique Mercy, es sorprendente...
Dos cosas reforzaron mi elección: en primer lugar, la idea de que Eurídice y Orfeo no están en el mismo marco temporal. Eurídice, al haber regresado a la tierra de los muertos, no ha envejecido y goza de la eterna juventud. Orfeo, por su parte, ha sido maltratado por las Ménades y ha sufrido muchos males que le han marcado y envejecido. A continuación, en la galería de mis personajes escenificados, mencionaré el hogar de Justine y el Marqués de Sade, dos personajes con la misma diferencia de edad en La pasión según Sade de Bussotti. No estoy lejos de pensar que la asociación Eurídice-Orfeo es el epílogo calmado de esta relación sulfurosa entre el marqués y su joven protegida.
Esperábamos una parte coreográfica más sostenida...
No soy coreógrafa y habría sido tontamente pretencioso medirme con la gran Pina Bausch; además, no se trataba de imponer un comportamiento de actor a alguien tan acostumbrado al escenario. Además, el trabajo con el Tanztheater Wuppertal exigía muy a menudo la improvisación y dejé que Dominique Mercy se apropiara del espacio como le pareciera.
En cuanto a la dirección, sigue siendo fiel a sus colaboradores, Daniel Levy, Fanny Brouste y Elise Capdenat.
Llevamos juntos desde Ring Saga en 2011. Para mí es importante trabajar en un clima de confianza con personas que conozco bien y a las que doy la mayor autonomía posible. En el desarrollo de una producción, cuento con el colectivo y la complicidad que nos permite ir cada vez más lejos en nuestros objetivos.
Los compositores, al menos los jóvenes, tienen a veces experiencias dolorosas con sus directores. ¿Cómo fue su colaboración con Dmitri Kourliandski?
Maravillosamente bien, aunque las condiciones impuestas por la pandemia no siempre facilitaron el trabajo. Debo decir que siento un inmenso respeto por todos los compositores que me han permitido hacer mi trabajo, pienso en Georges Aperghis y Pascal Dusapin con los que he trabajado mucho.
La puesta en escena siempre requiere ajustes, o incluso recortes, que a veces son resentidos por el compositor.
Por el contrario, le pedí a Dmitri que ampliara su partitura, que sólo duró treinta y cinco minutos. La escritura era muy compacta, superponiendo las tres capas, vocal, electroacústica e instrumental. Le hice ciertas propuestas, buscando otros espacios dentro de su escritura, que él aceptó. El diálogo entre nosotros fue muy fructífero y siempre que era necesario cambiar algo, lo discutíamos y las decisiones se tomaban siempre de forma conjunta. La ópera sólo puede concebirse en un intercambio colectivo.
El 2 de mayo, junto con el director de orquesta Léo Warynski, lanzará una Academia Internacional de Dirección de Teatro Musical en la ciudad de Nîmes, una iniciativa que nunca antes se había hecho en Francia...
Es un proyecto importante que me entusiasma; llevamos un año trabajando en esta primera edición. Se trata de una propuesta ambiciosa que queremos perpetuar en la ciudad de Nîmes y que asocia a muchos socios, no sólo el Teatro donde residimos desde hace tiempo, sino también la Escuela Superior de Bellas Artes, el Conservatorio, los dos grandes museos de Nîmes, Carré d'Art y Musée de la Romanité, el cine de arte Le Sémaphore, la Maison du Protestantisme y el Centre social Simone Veil. Contamos con el apoyo de la Fondation d'entreprise "AG2R LA MONDIALE pour la vitalité artistique" que ha contribuido muy generosamente a la financiación de esta primera edición.
Una iniciativa de este tipo sigue siendo inédita en Francia...
De hecho, no existe ninguna escuela de dirección en Francia y hay pocas oportunidades para los jóvenes interesados en dirigir teatro musical. Nuestra idea, la de Léo Warynski y la mía, es hacer fructificar nuestra experiencia personal; he acogido a muchos aprendices para mis espectáculos y he podido medir hasta qué punto estos jóvenes teatreros se sienten impotentes ante la música; conocen muy poco el repertorio y no tienen ningún conocimiento práctico de cómo abordar a los cantantes, al director de orquesta y la partitura en relación con el trabajo escénico. Esta academia pretende darles esta cultura y las herramientas para abordar la dramaturgia y la puesta en escena musical. No conozco ninguna experiencia equivalente en Francia. Fuimos muy bien recibidos en Nîmes y quiero dar las gracias a Sophie Roulle, delegada adjunta de cultura de la ciudad de Nîmes, que nos sigue y apoya.
¿Cómo se contrató a los académicos?
Hay un primer nivel de contratación que se refiere a los equipos de dirección; elegimos a tres de ellos entre una docena de propuestas. Se encargarán, respectivamente, de Histoire du Soldat, de Igor Stravinsky, El Cimarrón , de Hans Werner Henze, y Récitations, de Aperghis; pero no sólo estamos reclutando directores; también hay jóvenes directores de orquesta y representantes de todas las profesiones de las artes escénicas: compositores, dramaturgos, autores, escenógrafos y mediadores; todas estas personas tendrán clases magistrales, podrán seguir los ensayos y, por supuesto, intercambiar ideas con sus colegas. En cuanto a los intérpretes, son todos profesionales, instrumentistas (el Conjunto Multilateral), cantantes (Raquel Camarinha, Iván Garcia) y actores(Richard Dubelski, Eric Houzelot, Mathieu Loiseau), para transmitir lo mejor posible el trabajo de los jóvenes directores.
¿Con qué criterios se han elegido las obras?
Lo pensamos en la perspectiva de las próximas ediciones. Seleccionaremos tres obras por año que requieren tres salas de ensayo donde se harán las representaciones: la sala pequeña del teatro de Nîmes, el Centro Social Simone Veil y el Petit Temple de Nîmes: nos ceñiremos al mismo marco de una edición a otra: una obra del repertorio y dos obras fuertes de finales del siglo XXᵉ que merecen ser recuperadas. Las obras de 2023 se anunciarán durante la academia y las solicitudes se abrirán a raíz de ella, a partir del 15 de junio.
Supongo que se ha hecho un trabajo previo con los candidatos...
Los reunimos en febrero en la Ópera de París, directores y jóvenes directores de orquesta seleccionados, para discutir el programa, sumergirse en las partituras, reflexionar sobre las cuestiones escénicas y dramatúrgicas. Han tenido un mes para elaborar su proyecto y, por tanto, llegarán a Nîmes con una idea muy precisa de lo que quieren conseguir. Léo Warynski y yo queremos acercar al director de orquesta y al director de escena. También queremos dar a conocer a esta generación obras que no conocen en absoluto porque nunca están en cartelera, pienso en particular en las numerosas óperas de Berio.
¿Qué hay en el menú de los doce días de la academia?
La primera semana está reservada sólo para los académicos. La segunda semana adopta la forma de un minifestival con cuatro clases magistrales públicas (emitidas en diferentes canales) con personalidades invitadas que vendrán a compartir su experiencia: Laurent Bayle, que se inició en el teatro musical antes de asumir la dirección de las numerosas instituciones que conocemos; Sarah Barbedette, directora de dramaturgia, edición y comunicación de la Ópera Nacional de París; Marie-Louise Bischofberger, coautora de los libretos de Philippe Boesmans con Luc Bondy; y Philippe Béziat, que nos explicará cómo encaja el vídeo en la puesta en escena o cómo la amplía.
¿Podría contemplarse la idea de enseñar la dirección durante todo el año en Francia, donde realmente no existe?
La iniciativa de Nîmes puede, en efecto, suscitar ideas, pero no quiero ser desposeído de mi enseñanza en la academia, porque quiero, con Léo Warynski, abordar esta formación según nuestra propia concepción de la profesión. A ver si esta primera edición puede servir de arranque, pero esto implica, obviamente, dotar de una institución y de medios más potentes para fundar una escuela.
Entrevista realizada por Michèle Tosi
