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"No hay que llamarlo música si el término le choca. *
Bajo esta cita de John Cage, llena de significado (como siempre), hemos reunido para este segundo episodio dedicado a las carátulas de vinilo cinco discos con música extraña e intrigante, todos ellos innovadores en su época -y aún hoy-.
La característica del aficionado al LP es que se siente tan atraído por la música como por el acto de elegirla, de tener el vinilo en las manos y de buscar constantemente una calidad de sonido óptima. Su curiosidad le lleva a interesarse por cierta música sólo porque la portada le atrae: un color, una cara, un cuadro pueden hacer mucho para despertar el interés. Amantes del vinilo, he aquí cinco aventureros sonoros que han puesto especial cuidado en difundir su música tanto a través de la grabación como de la partitura, y cuya elección de portada puede decir mucho de su arte.
Hablemos de arte exploratorio para satisfacer a los melómanos y evacuar cualquier debate semántico, a menudo frustrante. La etiqueta está pegada. Aparte de eso, ¿qué tienen en común Carlomagno Palestina, Alain Kremski, Luc Ferrari, Sofia Goubaïdulina y Dick Hyman si no son de nuestro tiempo y han agotado sus vidas buscando constantemente los confines del sonido?
elOrgannnisss elGgrandesttSinstanciasrrrrrrr es un disco del músico maximalista estadounidense (intérprete/plástico/carillonero) Carlomagno Palestina publicado en 2020 en el sello Meakusma. Se trata de una actuación única en el órgano de la Iglesia de la Paz de Eupen (Bélgica). Contiene todo lo que hace el arte de Carlomagno Palestina: notas sostenidas como un zumbido, la voz del propio Carlomagno Palestina que oscila entre lo místico nostálgico y lo cómico underground, armonías disonantes que vacilan y oscilan sin llegar a resolverse, pero sobre todo una atmósfera sonora cautivadora que en pocos segundos nos atrapa y nos transporta durante más de media hora. Todo se convierte en una inmensa vibración espiritual y, viendo las fotos del público en el bello folleto, pensamos que ese día, su famosa búsqueda del "sonido dorado" debió de lograrse. La portada de este disco recuerda el amarillo de este codiciado oro, con su característica costumbre de duplicar, triplicar y cuadruplicar la mayoría de sus letras.
Tres letras (ANS) para definir un sintetizador ruso con un universo sonoro insólito -casi irreal- y más que utópico, que rinde homenaje al compositor sinestésico Alexander Nikolayevich Scriabin, en quien se inspira el nombre acrónimo. Yevgeny Murzin tuvo la idea de este sintetizador en 1938, pero tardaría más de veinte años en realizarlo. Su principio es bastante sencillo, pero su aplicación es más que compleja: este instrumento permite la grabación fotoeléctrica y transforma cualquier imagen dibujada en una placa en una serie de sonidos elaborados. Las placas pueden utilizarse una y otra vez. Este instrumento se hizo famoso (proporcionalmente) por el compositor Edward Artemiev de varias partituras de películas de Tarkovsky. El gran compositor Sofia Gubaidulina utiliza este instrumento a gran escala para una pieza increíble: Vivente-Non Vivente en un disco publicado en 1990 por Melodiya. Junto a otras dos grandes obras, ésta es sin duda la menos conocida del compositor y, sin embargo, la más innovadora en términos de sonido. Es difícil imaginar una música más aterradora, angustiosa y misteriosa. Sonidos percusivos que dan paso a sonidos industriales, voces casi humanas como un coro ruso dislocado, risas diabólicas repetitivas, ruidos de motores, campanas, una voz de mujer que exhala, etc.: un desasosiego pocas veces conseguido por el compositor. Un desasosiego pocas veces conseguido que la portada no dejaba adivinar. No nos atrevemos a imaginar el dibujo del compositor en la placa de cristal...
Cinco sombras simétricas sobre fondo gris para ilustrar la música polifacética de Luc Ferrari. La arpista Hélène Breschand -con elEnsemble Laborintus- se interesa desde hace años por la fascinante figura de Luc Ferrari con los que ha tenido la oportunidad de trabajar. Le dedica un amplio espacio en su repertorio, que es en sí mismo vasto y ecléctico. También es una gran intérprete de la obra de Éliane Radigue. Luc Ferrari, fallecido en 2005, nunca entró de lleno en el purgatorio de los músicos, pero tampoco entró nunca en las puertas de las grandes salas de concierto, y es una gran pena, porque fue para Francia lo que John Cage fue para Estados Unidos en su momento: un precursor proteico del genio. Este antiguo alumno de Cortot y Messiaen, cofundador del GRM (Groupe de recherches musicales), es un pionero de la música concreta y experimental que supo forjar un lenguaje muy personal -pero contemporáneo- y socialmente comprometido. Este disco doble llamado ...Et Après (publicado por Alga Marghen) reúne también piezas del clarinetista y compositor Sylvain Kassap (una pieza de homenaje a la compositora) y de la propia Hélène Breschand. Varias obras originalmente para piano han sido adaptadas para arpa -con la aprobación de Ferrari- y nos ofrecen una versión antológica de la magnífica À la recherche du rythme perdu. Esta recopilación -o más bien colección de pequeñas piezas , por utilizar el título de una de las obras más interesantes de Luc Ferrari- es una forma ideal de acercarse a una nueva faceta de la rica producción de este compositor.
Un rostro serio, tras unas campanas y unas gruesas gafas, nos llama: es el deAlain Kremski, compositor y pianista francés cuya desaparición no ha permitido, por desgracia, que el gran público le redescubra y que los músicos revaloricen su importancia histórica. Todavía no ha llegado el momento de su redescubrimiento, pero un disco podría ayudar: Musique pour un Temple inconnu se publicó en 1978 en el prestigioso sello Auvidis. Ganador del Gran Premio de Roma a los 22 años, Alain Kremski era tan admirado por Nadia Boulanger y Aaron Copland como por Olivier Messiaen e Igor Stravinsky. Su atracción por la espiritualidad budista, la música de Gurdjieff y Nietzsche le llevó por un camino alejado de los círculos musicales contemporáneos de su época. Música para un templo desconocido es una obra de cuatro movimientos para antiguas campanas iraníes, gongs y platillos tibetanos, todo ello interpretado por el propio Kremski en una gran improvisación o composición espontánea. Según Kremski, esta música es una oportunidad para "llevar al oyente a una sensación de paz, serenidad y tranquilidad mental, al tiempo que le hace vibrar internamente de forma muy activa". Entre el naturalismo ambiental, la música meditativa y los tintinnabulis deArvo Pärt, es hora de considerar la música de Alain Kremski como una parte importante de la música minimalista en Francia.
A los 95 años Dick Hyman es el último músico vivo que ha tocado con Charlie Parker. Es la memoria viva del jazz, en todos los estilos. Sus numerosas grabaciones como jazzista (más de 250), sus trabajos pedagógicos, sus composiciones originales que mezclan el jazz y la música clásica, sus famosos "a la manera de" los grandes jazzistas, sus partituras cinematográficas (Woody Allen), sus conferencias sobre los orígenes del ragtime y el boogie-woogie y su marcada atracción por el naciente sintetizador en los años 60 hacen de Dick Hyman un increíble camaleón y, por tanto, un desconocido. Sin embargo, es uno de los grandes precursores y popularizadores del sintetizador Moog. Ha publicado varios discos dedicados a este nuevo instrumento tan difícil de dominar. Mezclaba alegremente influencias del jazz, el pop y la música clásica, al tiempo que intentaba integrar atmósferas contemporáneas que no estuvieran demasiado anticuadas, lo cual es un reto cuando se habla del sintetizador Moog. La era de la electrónica fue lanzado en 1969 por Command y fue un éxito menor. El álbum contiene varios temas que son versiones de éxitos pop de la época (Beatles, Joni Mitchell, James Brown, Hair), todos ellos interpretados con sonidos que exploran las posibilidades (a veces cómicas) del Moog, pero un tema destaca y merece una reseña propia: Kolumbo . Composición original de Dick Hyman, este tema de siete minutos de duración explora sonidos que nos sumergen en el propio sintetizador, en sus serpenteantes cables, en su repetitiva estridencia que anuncia el techno o el electro con un inquietante ritmo industrial sampleado y retomado muchas décadas después por un tal Kanye West en God Level.
François Mardirossian
