Para el reportaje sobre la escena musical ateniense, el percusionista Theo Vazakas, miembro fundador de Artefacts, habla con el director Louizos Aslanidis, el saxofonista Guido de Flaviis, el clarinetista Spyros Tzekos y el percusionista Costas Seremetis sobre la vida en el grupo, los principales y próximos proyectos del conjunto y la evolución de la escena desde su creación. 

Tristan Bera : ¿Cómo se convirtió en percusionista? ¿Puede contarme algo más sobre sus años de formación?
Theo Vazakas: Cuando era niño quería tocar la batería, como la mayoría de los percusionistas. Mis padres me inscribieron en una escuela de música donde hacíamos percusión, no batería, no sabían la diferencia. En el Odeión Municipal de Zografou había dos profesores: Konstantinos Vorissis, que enseñaba todos los instrumentos de piel (caja, timbales), y Konstantinos Theodorakos, pianista de formación, con quien Vorissis había practicado la percusión. Theodorakos enseñaba muy bien el teclado de percusión, por lo que se le concedió la especialidad. Fue la primera clase en Atenas, y creo que en Grecia, en la que la disciplina de la percusión se dividió entre diferentes profesores. En el extranjero era bastante habitual: un profesor enseña el teclado, otro la caja o los timbales, al menos en Estrasburgo, donde yo estudié. Las enseñanzas de Theodorakos y Vorissis estaban llenas de humor, y ésta es una de las razones que me hicieron pasar más tiempo en el conservatorio de música. Me dio el deseo de dedicarme a la música.

Usted terminó sus estudios en Atenas en 2003. ¿Cómo describiría la situación de la escena musical contemporánea en ese momento? ¿Cuáles eran las referencias musicales? ¿Cuáles eran los lugares para escucharlo, el ambiente general o la recepción por parte del público?
No hubo realmente una escena. El Megaron es, en mi memoria, la única sala que programaba música contemporánea. Y en pocas ocasiones. El Festival de Atenas, en el Odeón de Herodes Ático, programó artistas muy conocidos, como el Ensemble Intercontemporain, pero la elección de las piezas interpretadas no fue muy avanzada. Fue Messiaen, por ejemplo. La Ορχήστρα Των Χρωμάτων (Orchestre de Couleurs) a veces hacía contemporánea, por ejemplo, rindiendo homenaje a Xenakis. Esta orquesta, fundada por Manos Hadjidakis, ya no existe. Pero se notaba que a los músicos no les hacía ninguna gracia, sino que les aburría lo contemporáneo. La Asociación Nacional de Compositores Griegos, fundada por Theodoros Antoniou, era la única asociación, el único conjunto, que hacía música de cámara contemporánea en Atenas en aquella época. Pero no era realmente un conjunto ni un equipo. Antoniou contrató a músicos de forma paralela. En cuanto al público, era muy reducido, unas cuarenta personas, siempre las mismas que se veían en cada concierto. 

En 2003, usted llegó a Estrasburgo. ¿Qué diferencia sientes al descubrir este nuevo escenario para ti?
¡Se podría decir que Francia es la meca de la música contemporánea! Al menos, tuve esta impresión cuando llegué a Estrasburgo con motivo del festival Musica, uno de los mayores festivales franceses de música contemporánea. Fue sorprendente. Diez días de música contemporánea continua en una ciudad tan pequeña, comparada con Atenas. Pero la mentalidad del público era más o menos la misma. Aunque estemos en Francia, aunque haya más público para la música contemporánea en Estrasburgo que en Atenas, la acogida es la misma.

¿Qué significa eso? ¿Cómo definiría esta mentalidad?
Muy pocos asistentes a los festivales son realmente apasionados del sonido. La mayoría viene a pasar un buen rato, pero no necesariamente conoce un buen conjunto, una buena pieza o algo realmente nuevo. Y están los aventureros [NDA: neologismo acuñado por Theo que combina las palabrasaventurero y curioso] que realmente salen a descubrir algo que desconocen por completo. Por supuesto, también están los que vienen sólo para lucirse. Identifico las mismas categorías en Francia que en Atenas. La diferencia es quizá que aquí hay menos entendidos que acuden a los conciertos. En Francia, aquellos para los que es una profesión y una pasión, es decir, estudiantes de musicología, de composición o instrumentistas, acuden en masa. 

En el año 2000, además del Megaron, el Odeón de Herodes Ático, la Orquesta de los Colores, ¿había más lugares alternativos donde se organizaban los aficionados, lugares menos institucionales? Estoy pensando en ABOUT, por ejemplo, o en lugares similares...
.La ACCIÓN no existía todavía... Yo no actuaba todavía cuando era estudiante. Estoy tratando de recordar si GALERÍA DE NUDOSDonde se podía escuchar free jazz, ya había abierto en Ampelokipi [un barrio de Atenas]... No estoy seguro. 

¿Cómo conoció a los miembros deARTéfacts y cómo decidió crear un conjunto? Creo que eres un miembro fundador. Nos conocimos cuando teníamos 17-18 años en la ASON - Orquesta Sinfónica Juvenil de Atenas, una orquesta sinfónica formada por un director y compuesta por estudiantes griegos de varias escuelas de música. Nos hicimos amigos y algunos de nosotros ya teníamos el deseo de introducir la música contemporánea. En ese momento, no había ningún conjunto que promoviera este género. Y la mentalidad de los músicos hacia la música contemporánea nos molestaba mucho... Luego nos fuimos a estudiar al extranjero, pero seguimos intercambiando ideas sobre la idea de un grupo así. Pensamos que con un poco de κέφι podríamos dar un cierto impulso que aún no teníamos en Atenas. Nos formamos en 2007. Y nuestro primer concierto como conjunto tuvo lugar en enero de 2008: esa es nuestra fecha de nacimiento.

Así que la formación de ARTfacts es realmente una propuesta escrita y planificada... ¿No es una agrupación orgánica en absoluto?
No, fue muy planeado. 

¿Cómo elige las composiciones para el conjunto ARTéfacts?
Realmente depende del proyecto. En el caso de un proyecto que llevamos desde su concepción hasta el concierto, intentamos que participen los compositores. Suele haber un tema. Este es el caso de nuestro primer álbum, Thiva Km 102 (2013). Un grupo de arteterapeutas estaba iniciando un programa con las reclusas de una cárcel de mujeres en el kilómetro 102 de la ciudad de Tebas, y nos invitó a colaborar en la forma artística que debía adoptar el archivo de este programa, para transformar este archivo sonoro y hacer un álbum en CD con él. A continuación, trabajamos con compositores (entre ellos Laurent Durupt y Maurilio Cacciatore) a partir de las grabaciones de los terapeutas. El proceso duró de 2010 a 2013. El resultado fue muy fuerte, llevado por testimonios violentos en los que las mujeres contaban cómo habían sido capturadas por la policía... Los compositores escriben para nosotros. A veces nos ofrecen una idea o un concierto. A continuación, intentamos elaborar un programa, por ejemplo, con motivo de Neos Kosmos para Stegi Onassis por invitación de Christos Carras. También podemos desarrollar un nuevo proyecto basado en un tema inspirador, o viceversa. Dos o tres piezas forman un tema y creamos una velada. Por ejemplo, nuestro primer concierto fue sobre el tema del jazz en la música contemporánea. 

Como conjunto, ¿cómo se toman las decisiones? Siempre me interesa saber cómo funciona un colectivo artístico...
¡Bromeamos diciendo que somos un conjunto democrático que discute todo, pero que al final hace lo que Theodore quiere! (¡Theodore soy yo!). Bueno, lo discutimos. En una época, nos reuníamos cada quince días para intercambiar ideas, aunque no hiciéramos música. Probamos diferentes formas de trabajar. En el plano artístico, tomamos decisiones juntos. No hay un director artístico que imponga una visión. Esta es una de las razones por las que decidimos no tener un compositor o un director de orquesta. Esta decisión tiene ventajas e inconvenientes. Nuestros ensayos son más largos que los de un conjunto normal. Somos muy estrictos a la hora de reclutar miembros. El núcleo es bastante pequeño. Actualmente somos cinco, pero hemos llegado a tener hasta ocho miembros. Después de tres años de existencia, hemos creado un marco. No es un manifiesto artístico, pero son reflexiones para proteger la cohesión del conjunto y el funcionamiento de la obra como grupo. Tomamos decisiones fáciles por mayoría de votos. Para las decisiones más difíciles, por ejemplo la entrada de un nuevo miembro, la votación debe ser unánime.

¿La vida en el estudio es muy importante para usted?
Somos completamente independientes. Esto es diferente de otros conjuntos que reciben espacios de ensayo con instrumentos. Empezamos en Filothei [un barrio de Atenas] en un estudio de 30 m2, en el que apenas cabían veinte personas y la batería, la percusión, etc. Desde hace tres años estamos en Agios Dimitrios[ibídem] en un estudio de 80m2. La crisis de los cóvidos ha frenado nuestro desarrollo. Sólo nos reunimos allí cuando hacemos un proyecto. No es un laboratorio creativo. 

¿Cuál es su relación con el escenario y el público?
Realmente queríamos romper la imagen de la música académica contemporánea, demasiado distante entre la persona que hace la música y el público que la recibe. No me gusta sentir esa distancia como público. Siempre buscamos formas de ser accesibles y llegar al mayor número de personas posible. Concebimos nuestros conciertos como un flujo, una pieza de arte, una obra en sí misma, sin demasiadas pausas entre las piezas. Y tratamos de mantener la atención desde el principio hasta el final, sin grandes pausas ni largos cambios de montaje, para que el público abandone lo menos posible la música y el concierto. 

¿Cómo describiría su música en términos de géneros, con algún detalle?
No existe la música de ARTéfacts... fuera de los proyectos. Cada proyecto tiene su propia identidad. Por supuesto, no hemos tocado todos los géneros de la música contemporánea, pero los aficionados podrían encontrar fácilmente su camino en nuestro repertorio: minimalismo, serialismo, etc. 

¿Cuándo empezó a introducir imágenes en los conciertos?
En 2009, desde la llegada del director Louizos Aslanidis que había hecho el servicio militar con el clarinetista Spyros Tzekos. Louizos tiene una productora que alberga todos nuestros proyectos. Esta infraestructura nos ha ayudado mucho a nivel práctico. Cuando hace vídeos -porque no los producimos sistemáticamente- se pone en la posición del público y del oyente, en la escucha y el sentimiento, y trata de averiguar lo que el público necesitaría ver para sentirse más cómodo. 

¿Podría hablarnos de un proyecto importante de ARTfacts para usted?
¡Zapping! Un homenaje a Frank Zappa y Cohabitación con K.Bhta [pronunciado Kapavita] ocupa un lugar especial en nuestros corazones... Spyros [Tzekos] y yo concebimos el proyecto con K.Bhta incluso antes de formar la banda. Fue en Ámsterdam, donde Spyros estudiaba, que mientras escuchaba el álbum Acoustica (2005), en el que el conjunto Alarm Will Sound reordena la música de Aphex Twin, tuvimos la idea de trabajar en la música de Nova EstéreoLa banda de K.Bhta. Su música había dado ritmo a nuestra adolescencia... Es un álbum de homenaje a K.Bhta hecho con K.Bhta. Porque primero hicimos las partes, la grabación, las maquetas con el compositor Kornilios SelamsisEntonces nos acercamos a K.Bhta en myspace. Facebook aún no existía. Aceptó participar. Al final, hemos montado el proyecto en Stegi Onassis. El álbum tardó diez años desde que empezamos a hablar de él hasta su publicación en 2015.
En cuanto al proyecto Zappa, lo propusimos muchas veces a las salas en vano, antes de que el festival de Atenas aceptara finalmente programarlo para la edición de 2017. Nos ha gustado mucho porque es una música que nos encanta y tiene un vínculo muy evidente con la música contemporánea. 

Desde que empezó hace más de diez años, ¿ha cambiado su relación con la tecnología?
Todavía soy un desastre (risas). Louizos y Spyros lo utilizan pero no lo hemos integrado realmente. Nos quedamos analógicos. Hemos hecho algo de electrónica en vivo, pero no es una parte real de nuestro trabajo, a menos que el compositor lo pida para su pieza. 

¿Y su relación con otros géneros? como, por ejemplo, el jazz?
Como banda, no tenemos mucho que ver con otros géneros, a menos que una colaboración lo requiera. Creo que Guido [De Flaviis, el saxofonista] toca algo de jazz. Yo no toco jazz. Escucho jazz pero no lo he estudiado. 

¿Tienen referencias comunes en el grupo? ¿Y cuáles son las tuyas?
La única referencia común sería el conocido rock de los años 70 y 80: Pink Floyd, Zeppelin o Queen. En cuanto al repertorio de música contemporánea, cada uno estudió en círculos diferentes. Cuando era más joven me gustaban mucho Evelyn Glennie y Steven Schick. Decidí estudiar en Estrasburgo para seguir las enseñanzas deEmmanuel Séjourné, cuyo trabajo admiraba y que tocaba en conciertos el repertorio que yo quería tocar. 

¿Y en la música griega contemporánea más amplia, no necesariamente en la percusión?
Para mí, el nombre más importante es [Iannis] Xenakis. Es una costumbre griega común: cuando alguien está muerto y es apreciado en el extranjero, acaba siendo apreciado aquí. Pero cuando estaba vivo, no era música. También estudié bastante a Jani Christou, aunque no hay mucha percusión, me gustó mucho su música antigua, cercana a Stravinsky. Y entonces Nikos Skalkottas es un valor seguro e indiscutible. Para mí, estos son los tres griegos. 

¿Cómo describiría el panorama actual de Atenas?
Espero que hayamos contribuido a su mejora. Me gusta mucho esta escena. Está floreciendo. Por otro lado, veo que en los últimos tres años hay menos pasión y dinamismo. 

¿Empezó este declive antes de la pandemia?
La pandemia la ha acentuado...

¿Podría nombrar los lugares que componen la escena ateniense para usted?
Stegi Onassis Realmente impulsamos la escena desde 2011. Esta es la primera vez que nos pagan, antes pagábamos por tocar... Había ABOUT, la galería KNOT, el teatro Embros, que era una casa ocupada en Psyrri, la galería ANART, que todavía existe, creo, el Trianon en la avenida Patision, y el Parnassos, en Plateia Karitsi, más clásico. El Parnassos fue la primera sala de conciertos de Atenas antes del Megaron y se consideraba la mejor acústica. Nunca actuamos en el Instituto Goethe, pero colaboramos con el Instituto Francés que apoyó el proyecto Thiva Km 102 por la presencia de compositores franceses. 

¿Qué compositores, solistas o conjuntos podría mencionar hoy?
TETTIX, ERGON o DISSONART en Tesalónica... Creo que los conjuntos se mantuvieron, por lo que hace que los compositores quieran colaborar. Lo que llamó la atención [en Atenas] fue que el escenario fue impulsado por el público. La época dorada de la música contemporánea es realmente 2008-2014, en plena crisis económica, curiosamente. Entonces, la música contemporánea ya no se programaba en las grandes salas. Se programó en el sótano, se convirtió en subterráneo de nuevo. No me gusta este misticismo, soy más bien matemático.

¿Cuáles serían los retos para asegurar el futuro de esta escena?
Si veo un descenso en el interés, no es la extinción, sino que sigue siendo fuerte. Existen conjuntos y siguen surgiendo otros. Tal vez sea necesario imaginar un acuerdo colectivo... Desde que existen las instituciones, los músicos que forman parte de la escena, e incluyo a ARTéfacts, se han olvidado de tomar las riendas de su propia historia apoyándose en los programadores y responsables de comunicación institucionales. Nos olvidamos de promocionarnos, de escribir nuestra propia historia. Gracias a estas instituciones, de repente sentimos que podíamos hacer música. Pero eso no es suficiente, hay que hacer música pero también construir una historia. 

¿Cuáles son los proyectos actuales de ARTéfacts?
Del 7 al 13 de noviembre, colaboramos en Estrasburgo con dos conjuntos franceses, Links (con sede en París) y HANATSUMirror (con sede en Estrasburgo). El proyecto, titulado EXOrguese centra en un órgano monumental, pero cuyas partes son transferibles a la sala. El sonido controlado por ordenador está espacializado. Ya hemos hecho una versión en París y seguimos haciendo residencias con compositores: en Poissy con el compositor Laurent Durupt; y en Estrasburgo con dos piezas de Sergio Rodríguez y Mathias Fernández. En febrero, estaremos en residencia con Alexandros Markeas en el Mégaron. En mayo, grabaremos en Radio France la pieza compuesta por Annabelle Playeen el marco del proyecto EXOrgue, que no sé si al final será un álbum.
También estamos poniendo en marcha un proyecto experimental, basado en una idea de Christos Carras en Stegi Onassis, con el Foro de la Juventud Siria y Griega (SGYF)y bajo la dirección de los musicólogos y comisarios Danae Stefan y Yannis Kotsonis [los fundadores de Knot Gallery]. Tratamos de encontrar la manera de hacer una música completamente diferente de la cultura de la música contemporánea y de Oriente Medio. Ahora estamos en medio de ello. Si el resultado es satisfactorio, jugaremos en el escenario Stegi. Si no, se quedará en un experimento, o en un vídeo solamente, porque todo está filmado.

¿Quiere añadir algo? Cinco palabras para describir ARTEFACT...
ARTeFACT no es un EnS3MbLe OrDiN4Ry... Lo que me enorgullece es que hemos participado en la creación de unas 40 obras y es gracias a nuestra existencia que estas obras han visto la luz (risas). 

Tristan Bera en Atenas.