Haciéndose eco del último informe de Syndeac, el libro 20.000 palabras, recientemente publicado por el percusionista Sylvain Darrifourcq, es una fascinante reflexión sobre la cuestión del trabajo artístico -y la "productividad"- en el "mundo de la posguerra" y sobre las relaciones de poder que rigen el entorno cultural.

En los países anglosajones existe un término, "Community art", que designa las prácticas de artistas que se instalan en un territorio y trabajan para y con sus habitantes. Se trata de un movimiento artístico de pleno derecho, nacido en Gran Bretaña en los años sesenta, que puede encontrar sus raíces en la noción de "escultura social" desarrollada por Joseph Beuys, y que en ciertos aspectos se solapa con la estética "relacional" teorizada por Nicolas Bourriaud o el arte "contextual" de Paul Ardenne. Un movimiento cuyas producciones, generalmente participativas, o al menos colectivas, contrastan fuertemente con la concepción aún comúnmente aceptada -en gran medida marcada por el romanticismo, y en última instancia muy prepotente- de la Obra de Arte. Un movimiento cuya ambición es, por tanto, doblemente política, ya que se trata a la vez de luchar contra los reproches de elitismo dirigidos -a veces legítimamente- al mundo del arte y de hacer, juntos, una obra cultural más que simplemente artística, en particular difuminando la frontera entre aficionados y profesionales.

Descubrí esta noción tardíamente, este otoño, durante un seminario de investigación-acción sobre el Convenio Faro (Convenio marco "sobre el valor del patrimonio cultural") organizado conjuntamente en Burdeos por el Consejo de Europa, la Región de Nouvelle-Aquitaine y el Ayuntamiento de Burdeos, en el que participaba un artista comunitario británico, Ed Carroll. Y enseguida me pregunté por qué no había oído hablar de ello antes, por qué esta noción no existía en Francia. Esto está sin duda relacionado con la desconfianza y las connotaciones negativas que rodean al término "comunidad" en Francia, al que automáticamente tendemos a asociar el término "communautarisme". Sin embargo, si pensamos en las "comunas" de la Edad Media o en los "comunes" de hoy en día, se trata de un término al menos tan fructífero como "sociedad" para reflexionar sobre un modo de organización y de acción colectiva. Desde el festival de Chahuts en Burdeos hasta el de Villeréal en Lot-et-Garonne o las Nuits d'été iniciadas en Saboya por el Quatuor Béla, pasando por el creciente número de artistas de todas las disciplinas que se instalan en un territorio -generalmente rural- para compartir su práctica con sus habitantes, se podrían citar numerosos ejemplos de "arte comunitario" a la francesa, iniciativas que pretenden hacer del arte, en los hechos y ya no sólo en el discurso, un vector de transformación social. Sin embargo, sería muy difícil traducir esta noción de otro modo que no fuera utilizando términos - "prácticas socioculturales", "formas participativas"- que siguen siendo en gran medida depreciativos en la semántica institucional actual. 

Pensé en esta noción aún más recientemente al leer el informe publicado el pasado mes de marzo por la Syndeac (Unión de empresas artísticas y culturales) bajo el título: "La mutación ecológica de las artes del espectáculo: retos, una voluntad". Este informe era una prolongación del publicado un año antes, "Por un servicio público del arte y la cultura ", que formulaba "13 propuestas para un New Deal cultural", y en particular formalizaba la noción de "proyecto situado" para designar, precisamente, las acciones culturales que podrían asimilarse al "arte comunitario". Dos documentos fascinantes, que reconocen la necesidad de una transformación radical de la política cultural.

El informe 2023 se centra en particular en la "superproducción" de espectáculos -en un momento en que, por otra parte, los artistas probablemente nunca han sido tan numerosos en la sociedad- y en los límites de un sistema basado en la novedad a toda costa y en la regla del "siempre más": un fenómeno perceptible desde hace mucho tiempo, pero al que la pandemia Covid-21 sólo ha servido para subrayar la urgencia de poner remedio: "Cada vez más" creaciones ven la luz cada año en malas condiciones de producción y sin posibilidad de ser verdaderamente difundidas, "cada vez más" espectáculos sufren de ser exhibidos muy poco, "cada vez más" equipos artísticos viven bajo la coacción de la nueva creación como único motor de empleo y, por tanto, de supervivencia económica. " Ante esto, la Syndeac invita a ir más allá del sacrosanto binomio "creación / difusión" -tan agotador para los artistas como para los programadores- como único prisma de evaluación: para que el Ministerio de Cultura sea algo más que un "Ministerio de las Artes" (formulación que aparece en el informe 2022 -más vale tarde que nunca-), hay que "dejar de centrar nuestras reflexiones en el prisma del número de representaciones. Un equipo artístico también existe fuera de sus actuaciones. Hay que valorar su presencia en un territorio, que se materializa en residencias y acciones culturales. Aparte de los templos dedicados a la difusión de las obras, existen otras formas de crear cultura juntos, más locales, más "situadas", más modestas quizás, pero sin duda más eficaces en términos de lo que antaño se llamaba "democratización cultural".

Está claro que el informe Syndeac exige un verdadero cambio de paradigma. Después de Malraux, después de Lang, ha llegado el momento de escribir el Acto III de una política cultural que no sólo piense en términos de oferta artística. El informe Syndeac propone reflexionar sobre una "autorregulación " que permita producir menos, pero mejor. Al tiempo que recuerda su apego al sistema intermitente, también pide que se replantee en profundidad la valoración de las profesiones artísticas para evitar el empobrecimiento de un número cada vez mayor de equipos artísticos, citando un extracto de un libro fascinante deAurélien Catin, miembro de la asociación de educación popular Réseau Salariat, sobre la condición de los artistas-autores.e.s, Notre condition, Essai sur le salaire au travail artistique: "Todas nuestras actividades derivadas y nuestros 'servicios' [nótese que este término es sintomático de la forma en que ciertas comunidades piensan sobre el valor de nuestro trabajo artístico en un territorio determinado] no son gratificaciones [...] sino trabajo productivo que debe ser remunerado como tal. 

Esta cuestión de la condición de los artistas -y de los músicos en particular- y de las "mutaciones necesarias de un mundo cultural en desequilibrio " está precisamente en el centro de otra publicación reciente: 20.000 palabras, una larga entrevista entre el percusionista Sylvain Darrifourcq y Antoine Lebousse. Este libro es ante todo fascinante por la forma en que Darrifourcq explica, con gran claridad, lucidez y humildad, su trayectoria, su visión de su práctica y de la condición del músico improvisador en 2023, al final de un periodo de reclusión que le ha dado tiempo para interrogarse a fondo: "¿Por qué hemos construido nuestras carreras, al igual que nuestra sociedad, en torno a esta idea de producir servicios, bienes, sentido y a menudo vacío? ¿Por qué la productividad es la vara de medir la salud de nuestra sociedad? Estas preguntas me llevaron a replantearme mi carrera, mi forma de estar en mi entorno, la forma de ser artista en la sociedad y, más en general, mi forma de estar en la sociedad.

Esta lectura es, ante todo, absolutamente estimulante por su manera, una vez más con gran lucidez, de desmontar los engranajes que organizan el sistema cultural francés contemporáneo y de señalar las contradicciones inherentes al mismo: Rechazando hablar de "cultura sacrificada" durante el encierro, prefiere subrayar cómo la pandemia habría podido ser la ocasión de reflexionar sobre la "desproporción real entre el apoyo a la creación de espectáculos, que es numeroso, y la organización de la red de teatros, que no permite una distribución satisfactoria" - este desequilibrio entre producción y distribución que señala con razón el informe Syndeac. Y para expresar su "inmensa fatiga ante esta operación que nos chosifica, que nos comprime en una carrera por la productividad cada vez más dura, en un sistema hipercompetitivo cuyas reglas parecen particularmente vagas. (...) Tengo la impresión de que estas palabras no han sido escuchadas, que han sido "sofocadas" por las reivindicaciones más ruidosas de una parte de la profesión que lamentaba la "falta de consideración" que el gobierno concedía al mundo del espectáculo en vivo, y que reclamaba el retorno de la cultura "sacrificada". Este discurso, disfrazado de buenas intenciones, se basaba en el principio de que todos los artistas tenían un deseo irrefrenable de volver a los escenarios como antes, lo antes posible. Y estoy bien situado para saber que esto dista mucho de ser así. 

Al hacerlo, Darrifourcq se acerca a Aurélien Catin en la manera de plantear la cuestión del compromiso de los artistas. Y las maneras de restablecer el vínculo, esencial pero oh tan frágil, entre el arte y la comunidad.

David Sanson

Foto Festival Villeréal © Champs libres
Foto Jazz à Luz © Y François AE Médias
Foto Chahuts © Pierre Planchenault