Música sin espectadoresLa crónica de la escucha

Crónicas 23.11.2021

En el festival Errobiko, en el País Vasco, hay música y hay espectadores. Pero, sobre todo, hay una forma genuinamente cultural de vincular una cosa con la otra que, sin duda, debería ser un modelo.

Fue el viernes 23 de julio en Itsasu (Itxassou), en el verde y edénico valle del Nive, en el País Vasco, en la segunda jornada de la 25ª edición del festival Errobiko, un evento dedicado a la cultura vasca en todas sus formas, siempre que estén vivas (es decir, que se codeen con otras tradiciones y otras culturas, ancestrales o no, en lugar de guardarlas bajo una campana). En el jardín del Hotel-Restaurante du Chêne, una "palaver" reunió a Beñat Achiary, gran voz de la canción vasca y cofundador del festival, a la poeta Itxaro Borda, a Jennifer Bonn, artista sueco-canadiense y pirenaica de adopción que invirtió hace diez años, Hace diez años, ella y su socio se hicieron cargo de un conjunto de graneros situados a 1.200 metros de altitud para convertirlos en un lugar de vida, de creación y de utopía en acción, el Hourc, y el músico Jean-Christian Irigoyen, que hablará de la fascinante cuestión: "¿Cómo y por qué nace la creación artística? " Esta discusión fue ciertamente fascinante, tan rica en ideas que la ligera lluvia que pronto empezó a caer no consiguió asustar a nadie. Fue un raro momento de gracia y poesía, de escucha e inteligencia colectiva, un momento fuera del tiempo, mágico como lo había sido el día anterior el debate inaugural sobre el primer cuarto de siglo del festival, las encantadoras intervenciones del dúo KIMU Txalaparta - Sergio Lamuedra y Txomin Dhers, virtuosos del instrumento de percusión del mismo nombre (la txalaparta), una especie de xilófono con palas de piedra (o más generalmente de haya) que tienen la particularidad de ser golpeadas verticalmente, "en apisonadora".

Nuevos rituales

Fue en el transcurso de esta conversación cuando esta expresión -¿estaba en boca de Beñat? - una expresión en la que he pensado a menudo desde entonces: música sin espectadores. No se trataba de evocar el actual desinterés por las salas de conciertos y otros "lugares culturales" en este desastroso periodo de pandemia. Pero para evocar la época anterior a lo que Ludovic Tournès llama "la sociedad del sonido continuo y permanente"(1). (1) Esta época de las "sociedades de sonido discontinuo" anteriores a la mitad del siglo XIX, esencialmente rurales, que "ciertamente no ignoraban la música o las canciones, pero (donde) éstas daban ritmo a la vida colectiva en momentos muy concretos (fiestas, canciones que acompañan la cosecha, etc.) y en lugares claramente identificados (cabarets, plazas de los pueblos, etc.)". Esa época de prácticas colectivas en la que la música era compartida por todos, en la que todos participaban en el evento musical, en la que todavía no había fronteras, ni barreras entre los "artistas" y el "público", entre el "escenario" y la "sala". Esa época anterior al triunfo del capitalismo en la que, como escribió el historiador estadounidense Larry Portis, "existía una actividad creativa de los no profesionales para entretener o enriquecer la vida de una comunidad"(2), esa época en la que el folclore aún no se había convertido en un "producto" (aunque fuera cultural), esa época anterior a los "locales culturales". Ante la "sociedad del espectáculo".

Por supuesto, no se trata aquí de abandonarse a la estéril antífona del "antes era mejor", ni de suscribir ciegamente la nostalgia de una supuesta "autenticidad" que Portis subraya que es, en todo caso, ilusoria. Es cierto que cada nueva sociedad ha inventado sus propios rituales: el del concierto público sólo tiene dos siglos de antigüedad, y fue necesaria la aparición de la versión romántica del artista (y luego la invención de la electricidad, que permitió oscurecer el auditorio), y el triunfo hacia 1820 del gusto alemán por la escucha atenta, que da preeminencia a la función estética de la música, para que la forma frontal y silenciosa de esta interacción entre un intérprete, un oyente y una obra se ritualizara a su vez. Ciertamente, muchos conciertos de música, ya sea "culta" o "popular", me han proporcionado un profundo sentimiento de comunión, incluso de comunidad, y han demostrado, si se necesitara una prueba, que la música no ha perdido obviamente nada de su función social. Por supuesto, Errobiko no es una excepción a la regla, ya que su programa incluye conciertos ofrecidos en formato frontal por músicos profesionales.
(Un programa magnífico, por cierto, que me permitió descubrir en directo (y como espectador) el conmovedor dúo entre la cantante de Soulet Maddi OIhenart (Soule es una de las provincias del País Vasco, como Labourd, donde se encuentra Itsasu) y el multiinstrumentista Jérémie Garat; o el no menos llamativo trío Revolutionary Birds, una fusión entre el canto sufí del tunecino Mounir Troudi, la gaita del bretón Erwan Keravec y la percusión del franco-libanés Wassim Hallal.)

Y sin embargo, estas palabras me impactaron. Lo que se jugaba en este festival, en este verde y edénico valle del Nive, donde se codeaban personas de todas las generaciones, igualmente impregnadas de una lengua milenaria, me pareció algo genuinamente cultural. Es decir, mucho más importante que la "creación artística" a la que, en Francia, se reduce demasiado a menudo la cultura. El arte -se podría preguntar, parafraseando a Robert Filliou-, ¿es lo que hace que la cultura sea más interesante que el arte? 

Derechos culturales

La cultura es "lo que "socializa" el arte", como recordó brillantemente la musicóloga (e inspectora del Ministerio de Cultura) Sylvie Pébrier -cuyo último libro aboga precisamente por "reinventar la música "- durante una conferencia propuesta este otoño por la red Futurs Composés sobre la cuestión de los derechos culturales. Porque es finalmente a esta noción, tan tontamente controvertida, de los derechos culturales a la que, contra todo pronóstico, me lleva esta columna. En 2021, está sin duda ahí, la "música sin espectadores": en esta forma renovada de compartir la creación musical, en esta "afirmación de la igualdad como horizonte político de la música" (Sylvie Pébrier). Este verano, en la festibala de Errobiko, todavía había músicos, todavía había espectadores, pero apenas parecía haber separación entre ellos, el intercambio se hacía de igual a igual, cada uno, a su manera, parecía participar en la magia del momento.

Queda mucho camino por recorrer en el país de Descartes y Malraux -donde el Ministerio de Cultura sigue siendo esencialmente el Ministerio de Arte; donde el término "comunidad" se utiliza casi con tanta reticencia como el de "espiritualidad"- antes de que consigamos alejarnos de esta concepción vertical, unívoca y anacrónica de la cultura; para reconocer que todo el mundo es portador de cultura, y que es esta diversidad la que, más allá de la cultura "oficial" y etiquetada, tan carente de diversidad, es la fuente de la grandeza de nuestro país. Gracias a Dios hay activistas como los que presiden el destino de Errobiko, o sabios como el cineasta y escritor Eugène Green, gran amante y conocedor del País Vasco, que me dijo hace tres años: "Los vascos han conservado una ingenuidad, en el sentido original y positivo de "sencillez". Tanto entre las personas -hay un sentimiento de comunidad, fraternidad, relaciones sociales basadas en la bondad, el amor y la ayuda mutua- como hacia la naturaleza, con la que tienen una relación extremadamente fuerte. (...) Para mí, es una civilización que ha conservado sus fundamentos originales y que incluye muchas cosas esenciales para la existencia humana; cosas que hemos perdido y que debemos tratar de readquirir con una voluntad muy fuerte, y también renunciando a muchas cosas que forman parte de nuestro entorno actual.

Pyrenees1-BasaAhaide from Obatala on Vimeo.

La cultura se sitúa precisamente ahí, en ese lugar donde el pasado se encuentra y alimenta el futuro, donde la autonomía y la emancipación de cada individuo son las condiciones del éxito de la colectividad, donde cada individuo es un actor y ya no un espectador. En esta ecología del arte que constituye en definitiva la cultura -y pensamos en Jennfer Bonn, autora de una reciente tesis doctoral sobre "la voz como creadora de vínculos en un entorno de montaña", y en estas palabras extraídas de una entrevista publicada en 2019: "¿Cómo pueden las prácticas antiguas ser una inspiración para las innovaciones futuras, cómo podemos inspirarnos en ellas para vivir mejor hoy?". Con la voluntad de restaurar estos lugares para convertirlos en lugares vivos y no restaurar un edificio para que se convierta en una especie de museo. (....) Podemos encontrar una especie de flexibilidad en la interpretación de un conocimiento y un pasado y crear un futuro, para transformar una forma de verdad en una herramienta poderosa. Hacer que la verdad sea menos fija, más flexible y poder modularla para que sirva a la comunidad. (...) Intentamos que todo esté al mismo nivel, no separar una parte artística de una parte técnica de construcción, por ejemplo. (...) Nosotros mismos no hacemos ninguna differencia entre hacer un proyecto de arte o un proyecto de granero, ir a recoger plantas, cantar o bajar un río, se hace con la misma intención y un poco con la misma metodología."

David Sanson

1. Véase Ludovic Tournès, Musique. Del fonógrafo al mp3. Une histoire de la musique enregistrée, XIXe-XXIe siècle, París, Autrement, coll. "Mémoires/Culture", 2008.
2. Véase Larry Portis, "Musique populaire dans le monde capitaliste: vers une sociologie de l'authenticité ", artículo publicado en la revista L'Homme et la société n° 126, "Musique et société", 1997.

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