)
Héctor Parra es un artista polifacético, compositor, diseñador e intérprete, pero también un amante de la naturaleza y del misterio de su surgimiento: un campo de conocimiento que amplía constantemente y que le lleva a desarrollar proyectos visionarios en colaboración con especialistas de la galaxia.
¿Desde cuándo le apasionan el cosmos y la astrofísica?
Mi padre era un físico que me despertó a los fenómenos naturales a una edad muy temprana y que me transmitió el amor por la naturaleza. En mi infancia, dibujaba mucho, representaba cosas hasta que la música se impuso. Esta pasión por el espacio en el que evolucionamos, este misterio de la vida que me interpela, alimentan hoy mi imaginación sonora. En 2005, empecé a leer obras de divulgación con vistas a un proyecto de ópera con la gran Lisa Randall. Quería tener datos concretos sobre la física de partículas y la fuerza gravitatoria que pueden revelar otras dimensiones del universo. Hicimos el libreto juntos, tomando como ejemplo el proceso científico del investigador que sube poco a poco los peldaños del conocimiento. Hypermusic Prologue, mi ópera de cámara, creada con las fuerzas del Intercontemporain y del Ircam en el Centro Pompidou, es el sueño de una utopía que invita al público a vivir una experiencia acústica nueva e inesperada, abandonando el mundo tridimensional del auditorio para entrar en una quinta dimensión donde los sonidos y las voces se transforman. Intenté imaginar lo que podría ser una voz "de quinta dimensión": muy rápida, como el zumbido de un insecto; intenté crear un espacio multidimensional con el aparato fonatorio. La investigación sobre el lenguaje vocal me inspiró mucho para la escritura instrumental. La ópera se estrenó en París y fue puesta en escena por el artista visual angloamericano Matthew Ritchie, y se reestrenó en Berlín y Basilea en 2013, con una producción de Benjamin Schad. Fue para mí una aventura muy hermosa...
Continuará con otros proyectos y con un nuevo colaborador, todavía astrofísico, Jean-Pierre Luminet. ¿En qué circunstancias lo conoció?
Fue con motivo de un nuevo encargo del Ensemble Intercontemporain, Caressant l'horizon, una pieza para gran conjunto creada en la Cité de la Musique en 2011, que se inspiró en su libro sobre los agujeros negros, Le destin de l'univers. El EIC me propuso hacer una entrevista con él para la presentación de la obra. Desde entonces nos hemos hecho amigos y hemos colaborado en otros proyectos.
Este título sensual me sedujo de inmediato, lo que puede resultar sorprendente, ¡dado un tema tan terrorífico!
No soy una persona cerebral. Vivo en mi propio cuerpo las ondas gravitacionales que traduzco en mi lenguaje sonoro. Trabajé en modelos de ondas propuestos por los investigadores porque aún no estábamos seguros de ello. Imaginé la actividad de este pozo gravitatorio, evalué intuitivamente la deformación de los materiales durante la caída en el agujero negro y expresé todo esto, de forma muy precisa, a través de mi notación musical; inspirado y ayudado por los dos volúmenes de Luminet, cuya extraordinaria dimensión pedagógica quiero subrayar. En Acariciar el horizonte, como en todas mis composiciones, combino percepción y arquitectura. La obra en su conjunto sigue más o menos la trayectoria de una forma sonata, con exposición, desarrollo y un retorno final a la vida en la tierra, con una cierta fragilidad que caracteriza nuestra situación como seres humanos ante estos fenómenos que nos superan.
Pasemos a las dos colaboraciones con Jean-Pierre Luminet, científico, investigador, que también es diseñador gráfico, poeta y músico.
Es un artista completo, un verdadero hombre del Renacimiento. En 2016, me invitó a pasar tres días en Marsella, donde ahora vive, para iniciar el proyectoInscape. Me prohibí pensar en ello antes de esa primera entrevista. Construimos la pieza juntos y Jean-Pierre escribió un texto que recorre toda la composición, como había hecho para Le Noir de l'Étoile con Gérard Grisey. Hice el gráfico de la forma con él y me quedé con la arquitectura general de la pieza. Nos reunimos de nuevo en el Ircam, en presencia del RIM (Réalisateur en informatique musicale) Thomas Goepfer, para diseñar la parte electrónica. Quería que su voz quedara impresa en el material sonoro. Tuvimos un verdadero diálogo musical a tres bandas, desde lo físico hasta lo estético.
Mientras tanto, usted concibió, con el violonchelista belga Arne Deforce, Limites les rêves au-delà, una obra cuyo título plantea interrogantes...
Limites les rêves au-delà debía ser una versión reducida deInscape para violonchelo y electrónica. De hecho, es la pieza de un solo movimiento más larga que he escrito: 70 minutos. El título, tomado de un libro deEtienne Klein, es un anagrama de "la velocidad de la luz": ¡un absoluto! Nada puede superar la velocidad de la luz. Nuestros sueños están limitados más allá, ocultos tras este umbral. Con Arne Deforce, improvisamos mucho, probamos el material, trabajamos los ritmos entre dos frecuencias como la fragilidad de la vida en el planeta. Somos como granos de polvo; resistimos las fuerzas gravitacionales gracias a la materia y a la fuerza electromagnética, aunque me imagino en permanente caída.
La partitura oscila entre la escritura y los dibujos; refleja la energía que recorre la escritura. Me parece que es como un barco cabeceando en el mar, con las velas izadas. La notación se realiza en dos pentagramas: en la parte inferior las cuatro cuerdas, una especie de tablatura, y en la parte superior el pentagrama de cinco líneas para las notas; hay cuatro niveles de lectura y los tonos a veces desaparecen en favor de los gráficos. ¿Deja algún espacio para el artista?
Es absolutamente esencial. Todo está escrupulosamente escrito, pero pido al intérprete que vaya más allá de este umbral de escritura. Podemos mencionar a Liszt e incluso a Chopin, que dejan mucho espacio al intérprete. Arne Deforce, tanto como Agustí Fernández en la serie FREC, debe sentirse libre, debe tener su propio aliento, más allá de la notación. Me gusta trabajar con la imaginación del intérprete. El objetivo es esculpir el conglomerado sonoro, un poco como Bach con sus grandes polifonías. Pero aquí no se trata de líneas melódicas sino de microestructuras tímbricas que actúan como un cuerpo, orgánico o inorgánico. Siento un profundo apego por el Alto Barroco, por la magistral convergencia que se produce entre la melodía y la armonía. También me encanta la sensualidad de las voces barrocas, su humanidad. Cuentan mucho como modelos para mi escritura instrumental. Las voces deAgustí Fernández y Arne Deforce se escuchan en las piezas que interpretan, fundiéndose con el material sonoro. También he grabado la voz áspera y timbrada del chelista Pierre Strauch, cuyo tono es inspirador.
...limits dreams beyond - Hèctor Parra & Arne Deforce from ARNE DEFORCE on Vimeo .
Volvamos a Inscape, una de las piezas más grandes de su catálogo: una orquesta, un conjunto de solistas y electrónica. ¿Cómo debemos traducir el título?
Se podría decir "viaje al interior". Quería un título corto que contrastara con el enorme despliegue del dispositivo. La propuesta vino de François Bou, actual director general de la Orquesta Nacional de Lille y, en su momento, de la Orquesta Nacional de Barcelona; me había propuesto hacer una obra con el EIC, el Ircam y las falanges de Lille y Barcelona dirigidas por Kazushi Ono y Alexandre Bloch. Luego, François-Xavier Roth hizo una versión igualmente maravillosa con su orquesta Gürzenich en Colonia.
La formación evoca el concerto grosso barroco, como los "Brandenburgers" de Bach; pero también se piensa en los Répons de Boulez, con la orquesta, los seis solistas y la acción de la electrónica.
Répons se tocó en Barcelona cuando yo era todavía muy joven; no pude asistir al concierto pero compré el disco en cuanto salió, y luego lo escuché en directo en París varias veces: siempre me sorprende la frescura de la electrónica, a pesar de la pesadez de los medios utilizados; las armonías del periodo central me atraen mucho, así como la referencia al último Scriabin, del que soy un apasionado. El comienzo deInscape rinde homenaje a Gérard Grisey con una parte de percusión que evoca los pulsos de Le Noir de l'étoile. La partitura establece una relación poética con el texto de Jean-Pierre Luminet, que subyace en toda la obra. Pero las partes puramente electrónicas miran hacia Répons, al igual que la coda, que está especialmente lograda en la obra de Boulez. También tengo un recuerdo muy fuerte de Pli selon Pli que se escuchó en la Grande Salle Boulez cuando estaba componiendo Inscape : pensé mucho en ella mientras escribía la pieza. Me gusta crear ventanas dentro del formulario para el momento de escribir. Componer me pone en un estado de trance en el que intento olvidar todo el trabajo que he hecho antes (¡he leído unos veinte libros antes de empezar a escribir!). Sea cual sea el tiempo que me den, siento una especie de brutalidad chamánica dentro de mí que es casi incontrolable, lo que me obliga a comprimir el tiempo de escritura. Mis ideas más fructíferas han florecido a menudo en este estado de emergencia.
La virtuosa escritura está a la altura de los intérpretes a los que va dirigida.
El lenguaje es extremo para los solistas del EIC, pero quiero escribir todo de forma casi tradicional. No suscribo la tendencia de la "nueva tablatura", que aboga por una notación globalizada de veinte líneas. No quiero eliminar la notación clásica que garantiza la precisión. György Ligeti va muy lejos en su investigación vocal en Aventures y Nouvelles aventures, pero todo está claramente anotado. Del mismo modo, me alejo mucho de una música de tipo lacheniano y de la noción de objetos sonoros que se distribuyen en una estructura; por el contrario, busco la continuidad; lo que fluctúa y se transforma, la transición de una cosa a otra. El sonido "aplastado" en la cuerda es, para mí, un estado concreto de la vibración del acorde. Hay física detrás de ello. Se trata de deformaciones físicas; no estoy reproduciendo un modelo matemático abstracto; al contrario, es para explicar aspectos de la naturaleza que nos rodea que opero estas deformaciones. Este enfoque forma parte de mi apego a las cosas y a la tierra. De niño, estaba en contacto con la naturaleza, en estrecha comunión con los árboles; estaba obsesionado con los animales salvajes.
La música es un fruto de la naturaleza, es la naturaleza.
¿Cómo ha vivido este segundo encierro? ¿Afectó a su trabajo?
Como todo el mundo, supongo. Con resignación y con la misma sensación que tuve durante la primera contención: intentar contribuir, apartándome de las interacciones sociales, con mi pequeño grano de arena al bien común. En primer lugar, esta pandemia es un tsunami, una tragedia humana a nivel planetario, y si las autoridades sanitarias piden contención, para mí es un deber ético y moral hacerlo, ya que están en juego millones de vidas humanas. En segundo lugar, como artista, me he mantenido vivo componiendo sin parar, y he asistido a conciertos que tuvieron lugar en los momentos bajos de la pandemia, como el festival Manifeste de Ircam en septiembre de 2020, por ejemplo. El nivel de seguridad e higiene de estos eventos es tan alto que merecen la continuidad y la plena confianza de los dirigentes políticos, incluso durante los momentos álgidos de la pandemia. En cada caso, en cada país, hay una situación diferente y se toman decisiones diferentes.
¿Se celebraron los conciertos y espectáculos previstos? ¿En qué condiciones y en qué estado de ánimo?
En mi caso particular, que por desgracia coincide con el de la mayoría de mis colegas, fue una absoluta catástrofe. El estreno en Alemania de mi ópera Les Bienveillantes, en la emblemática y simbólica ciudad de Núremberg, fue primero aplazado sin fecha, para luego ser brutalmente cancelado por la Ópera de Núremberg. Así, el daño hecho a esta exigente partitura de 3 horas y a la magnífica puesta en escena diseñada por Calixto Bieito fue casi irreparable.
Por lo demás, mi otro estreno en Alemania para 2020, el monodrama Wanderwelle, para la Filarmónica de Colonia y la Orquesta de la WDR, ha sido aplazado hasta la siguiente temporada. Esperemos que pueda suceder... Con un texto de Händl Klaus basado en los cuadernos de conversación del último Beethoven, rinde homenaje a él y a sus increíbles Variaciones Diabelli, en las que se basa esta obra para barítono y orquesta.
Otro concierto cancelado fue el estreno en Alemania, en la Elbphilharmonie de Hamburgo, de mi obra de conjunto A Breath in Suspense, previsto para diciembre de 2020 con el conjunto muniqués Risonanze erranti y Peter Tilling.
¿En qué proyectos está trabajando hoy?
En estos momentos estoy terminando un ciclo poético-musical de una hora y media inspirado en las 23 constelaciones de Joan Miró. Me anticipé a un posible encargo, que aún no ha llegado, porque desde el principio tuve claro que éste iba a ser mi proyecto de contención. Y realmente, las extraordinarias exploraciones plásticas de Miró, sus polifonías texturales, sus atávicos trazos, colores y signos me han nutrido tanto en estos difíciles meses. Puedo decir que salvaron mi espíritu.
En esta serie de 23 gouaches de pequeño formato, Miró refleja tanto su sufrimiento en el exilio forzoso en Francia desde finales de 1936 y su inesperado regreso a España en junio de 1940 a causa de la Segunda Guerra Mundial, como su íntima y urgente necesidad de escapar de este laberinto infernal alcanzando uno de los grandes logros artísticos del siglo XX. Así, en este ciclo, el piano exploratorio de Carmen Martínez-Pierret e Imma Santacreu y los poemas escritos por Arnau Pons inspirados en cada constelación tejerán una "tela de araña" de sonidos orgánicos inesperados y deformaciones espectrales radicales que buscarán una forma emergente, por así decirlo, de nuestra propia experiencia del fabuloso microuniverso de las constelaciones, una especie de exploración de las profundidades de nuestro mundo interior: Nuestras sombras y monstruos íntimos resuenan con las amenazantes y distorsionadas figuras humanas y animales tan finamente dibujadas por Miró. Así, a lo largo del ciclo, una serie de objetos domésticos (reglas metálicas, bolas de cristal, cepillos, alicates metálicos, tocadiscos, pelotas de ping-pong, palillos infantiles, cadenas, cajas de música) y elementos naturales (conchas, caracoles de mar, caracoles de tierra, ramitas, placas de nácar, etc.) hará sonar las cuerdas del piano, metamorfoseando el sonido del teclado y transformándolo en un escenario imaginario que acogerá la enigmática presencia del artista/actor.
Después de las Constelaciones tengo prevista, con suerte, una ópera de cámara basada en un texto de Pier Paolo Pasolini, en compañía de Calixto Bieito. El estreno coincidirá con el centenario del creador italiano, en 2022.
¿Definen nuevos retos en su composición?
El confinamiento y el retraso o aplazamiento de mis proyectos de ópera y orquesta han supuesto una vuelta a la música de cámara, a la introspección profunda, que he tenido que afrontar con un estado de ánimo a veces frágil y no necesariamente optimista, diferente del que tenía hace dos o tres años. El impulso creativo, como siempre, surge de la necesidad más íntima de expresión y del deseo de ver cómo una idea se materializa, dando lugar a una forma orgánica y expresiva. Pero me doy cuenta de que mis materiales y gestos musicales han adquirido quizás una expresividad más directa, una dirección más marcada, así como quizás una cierta dureza de espíritu y aspereza de colores, porque han tenido que sobrevivir a un proceso de autocrítica más severo, sin duda impulsado por un cierto pesimismo permanente en mi estado de ánimo. Pero estoy convencido de que la salida de la pandemia en 2022 provocará nuevos cambios en este sentido...
Entrevista realizada por Michèle Tosi
