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Héctor Parra es un artista polifacético, compositor, diseñador e intérprete, pero también es un amante de la naturaleza y del misterio de cómo surge: un campo de conocimiento que amplía constantemente, lo que le lleva a desarrollar proyectos visionarios en colaboración con especialistas de la galaxia.
¿Desde cuándo le interesan el cosmos y la astrofísica?
Mi padre era físico y me introdujo en los fenómenos naturales a una edad muy temprana y me transmitió el amor por la naturaleza. De niño, dibujaba mucho y representaba cosas hasta que la música tomó el relevo. Esta pasión por el espacio en el que evolucionamos, este misterio de la vida que me interpela, alimentan hoy mi imaginación sonora. En 2005, empecé a leer obras populares con vistas a un proyecto de ópera con la gran Lisa Randall. Quería tener datos concretos sobre la física de partículas y la fuerza de gravedad, que pueden revelar otras dimensiones del universo. Escribimos juntos el libreto, inspirándonos en el enfoque científico del investigador que escala poco a poco las etapas del conocimiento. Hypermusic Prologue, mi ópera de cámara, creada con las fuerzas de Intercontemporain e Ircam en el Centro Pompidou, es el sueño de una utopía que invita al público a disfrutar de una experiencia acústica nueva e inesperada, dejando atrás el mundo tridimensional del auditorio para entrar en una quinta dimensión donde los sonidos y las voces se transforman. Intenté imaginar cómo podría sonar una voz "de quinta dimensión": muy rápida, como el zumbido de un insecto; intenté crear un espacio multidimensional con el aparato fonatorio. La investigación sobre el lenguaje vocal ha sido una gran fuente de inspiración para mi escritura instrumental. Estrenada en París y puesta en escena por el artista visual angloamericano Matthew Ritchie, la ópera se reestrenó en Berlín y Basilea en 2013, dirigida por Benjamin Schad. Fue una aventura maravillosa para mí...
Que continuará con otros proyectos y un nuevo colaborador, el astrofísico Jean-Pierre Luminet. ¿En qué circunstancias le conoció?
Fue durante un nuevo encargo del Ensemble Intercontemporain, Caressant l'horizon, una pieza para gran conjunto estrenada en la Cité de la Musique en 2011, inspirada en su libro sobre los agujeros negros,Le destin de l'univers. El EIC me pidió que le entrevistara para presentar la pieza. Desde entonces nos hemos hecho amigos y hemos colaborado en otros proyectos.
Me sedujo de inmediato la sensualidad del título, ¡lo que puede resultar sorprendente tratándose de un tema tan terrorífico!
No soy una persona cerebral. Experimento las ondas gravitacionales en mi propio cuerpo, que traduzco a mi lenguaje sonoro. Trabajé sobre los modelos de ondas propuestos por los investigadores porque aún no teníamos ninguna certeza sobre el tema. Imaginé la actividad de este pozo gravitatorio, evalué intuitivamente la deformación de los materiales al caer en el agujero negro y expresé todo ello de forma muy precisa en mi notación musical, inspirado y ayudado por los dos volúmenes de Luminet, cuya extraordinaria dimensión pedagógica me gustaría destacar. En Caressant l'horizon, como en todas mis composiciones, combino percepción y arquitectura. La obra en su conjunto sigue más o menos la trayectoria de una forma sonata, con exposición, desarrollo y un retorno final a la vida en la tierra, con una cierta fragilidad que caracteriza nuestra situación de seres humanos frente a estos fenómenos que nos sobrepasan.
Pasemos a las dos colaboraciones con Jean-Pierre Luminet, científico e investigador que también es diseñador gráfico, poeta y músico.
Es un artista completo, ¡un auténtico hombre del Renacimiento! En 2016, me invitó a pasar tres días en Marsella, donde vive ahora, para lanzar el proyectoInscape. No me permití pensar en ello antes de ese primer encuentro. Construimos juntos la pieza y Jean-Pierre escribió un texto que recorre toda la composición, como había hecho para Le Noir de l'Étoile con Gérard Grisey. Dibujé la forma con él y me quedé con la arquitectura general de la pieza. Volvimos a reunirnos en el Ircam, en presencia del RIM (Réalisateur en informatique musicale) Thomas Goepfer, para diseñar la parte electrónica. Quería que su voz quedara impresa en el material sonoro. Tuvimos un verdadero diálogo musical a tres bandas, desde lo físico hasta lo estético.
Mientras tanto, en colaboración con el violonchelista belga Arne Deforce, concibió Limites les rêves au-delà, una obra cuyo título plantea una serie de interrogantes...
Limite les rêves au-delà pretendía ser una versión reducida deInscape para violonchelo y electrónica. De hecho, es la pieza de un solo movimiento más larga que he escrito: 70 minutos. El título, tomado de un libro deÉtienne Klein, es un anagrama de "la velocidad de la luz": ¡un absoluto! Nada puede superar la velocidad de la luz. Nuestros sueños están limitados más allá, ocultos tras ese umbral. Con Arne Deforce, improvisamos mucho, probando el material, trabajando sobre los latidos entre dos frecuencias, como la fragilidad de la vida en el planeta. Somos como granos de polvo; resistimos a las fuerzas gravitatorias gracias a nuestra materia y a la fuerza electromagnética, aunque me imagino en caída permanente.
La partitura oscila entre la escritura y los dibujos; capta la energía que recorre la escritura. Me parece como un barco cabeceando en el mar, con las velas izándose. La notación está en dos pentagramas: en la parte inferior están las cuatro cuerdas, una especie de tablatura, y en la superior está el pentagrama de cinco líneas para las notas; hay cuatro capas de lectura y las notas a veces desaparecen en favor de los gráficos. ¿Deja espacio para el intérprete?
Es absolutamente imprescindible. Todo está escrupulosamente escrito, pero pido al intérprete que vaya más allá de este umbral de escritura. Podríamos citar a Liszt o incluso a Chopin, que dejan mucho espacio al intérprete. Arne Deforce, tanto como Agustí Fernández en la serie FREC, debe sentirse libre, debe tener su propio aliento, más allá de la notación. Me gusta trabajar con la imaginación del intérprete. Se trata de esculpir el conglomerado sonoro, un poco como Bach con sus grandes polifonías. Pero aquí no se trata de líneas melódicas, sino de microestructuras tímbricas que actúan como un cuerpo, ya sea orgánico o inorgánico. Siento un profundo apego por el Alto Barroco, por la convergencia magistral que establece entre melodía y armonía. También me encanta la sensualidad de las voces barrocas, su humanidad. Cuentan mucho como modelos para mi escritura instrumental. Las voces deAgustí Fernández y Arne Deforce se oyen en las piezas que interpretan, fundiéndose en el material sonoro. También he grabado la voz áspera y timbrada del violonchelista Pierre Strauch, cuyo timbre es inspirador.
...limits dreams beyond - Hèctor Parra & Arne Deforce from ARNE DEFORCE on Vimeo.
Volvamos a Inscape, una de las obras más grandes de su catálogo: una orquesta, un conjunto de solistas y electrónica. ¿Cómo debería traducirse el título?
Se podría decir "viaje al interior". Quería un título corto que contrastara con la enorme escala de la obra. La propuesta vino de François Bou, actual director general de la Orquesta Nacional de Lille y, en aquel momento, de la Orquesta Nacional de Barcelone; me propuso hacer una obra con el EIC, el Ircam y las falanges de Lille y Barcelona dirigidas por Kazushi Ono y Alexandre Bloch. Después, François-Xavier Roth hizo una versión igualmente maravillosa con su orquesta Gürzenich en Colonia.
La formación recuerda al concerto grosso barroco, como los "Brandemburgueses" de Bach; pero también evoca los Répons de Boulez, con la orquesta, los seis solistas y la acción de la electrónica.
Répons se tocó en Barcelona cuando yo era aún muy joven; no pude asistir al concierto pero compré el disco en cuanto salió, y luego lo escuché en directo en París varias veces: siempre me sorprende la frescura de la electrónica, a pesar de la pesadez de los medios utilizados; las armonías del periodo central me atraen mucho, al igual que la referencia al último Scriabin, del que soy un apasionado. El comienzo deInscape rinde homenaje a Gérard Grisey con una sección de percusión que evoca las pulsaciones de Le Noir de l'étoile. La partitura establece una relación poética con el texto de Jean-Pierre Luminet, que sustenta toda la pieza. Pero las partes puramente electrónicas miran hacia Répons, al igual que la coda, particularmente acertada en la obra de Boulez. También tengo un recuerdo muy fuerte de Pli selon Pli, escuchada en la Grande Salle Boulez cuando componía Inscape : pensé mucho en ella cuando escribía la pieza. Me gusta crear ventanas dentro de la forma para dar tiempo a la escritura. Componer me pone en un estado de trance en el que intento olvidar todo el trabajo que he hecho antes (¡leí unos veinte libros antes de empezar a escribir!). Por mucho tiempo que me concedan, siento en mi interior una especie de brutalidad chamánica casi incontrolable que me obliga a comprimir el tiempo de escritura. Mis ideas más fructíferas han surgido a menudo en este estado de urgencia.
La virtuosa escritura es digna de los intérpretes para los que está pensada.
El lenguaje es extremo para los solistas del EIC, pero quiero escribirlo todo de forma casi tradicional. No suscribo el movimiento de la "nueva tablatura", que aboga por globalizar la notación en veinte líneas. No quiero acabar con la notación clásica, que garantiza la precisión. György Ligeti va muy lejos en sus investigaciones vocales en Aventures y Nouvelles aventures, pero todo está claramente anotado. Del mismo modo, me alejo mucho de la música de tipo lachenmanniano y de la noción de objetos sonoros distribuidos dentro de una estructura; al contrario, busco la continuidad; lo que fluctúa y se transforma, la transición de una cosa a otra. El sonido "aplastado" en la cuerda es, para mí, un estado concreto de la vibración del acorde. Hay física detrás. Son deformaciones físicas; no estoy reproduciendo un modelo matemático abstracto; al contrario, utilizo estas deformaciones para explicar aspectos de la naturaleza que nos rodea. Este enfoque forma parte de mi apego a las cosas y a la tierra.
De niño, estaba en contacto con la naturaleza, en estrecha comunión con los árboles; estaba obsesionado con los animales salvajes.Lamúsica es fruto de la naturaleza, es naturaleza.
¿Cómo vivió este segundo encierro? ¿Tuvo alguna repercusión en su trabajo?
Como todo el mundo, supongo. Con resignación y con el mismo sentimiento que tuve durante el 1er encierro: intentando contribuir, retirándome de las interacciones sociales, con mi pequeño grano de arena al bien común. En primer lugar, esta pandemia es un tsunami, una tragedia humana a escala planetaria, y si las autoridades sanitarias piden que me recluya, para mí es un deber ético y moral hacerlo, porque están en juego millones de vidas humanas. En segundo lugar, como artista, me he mantenido vivo componiendo sin parar, y he asistido a conciertos que han tenido lugar durante los momentos más bajos de la pandemia, como el festival Manifeste de Ircam en septiembre de 2020, por ejemplo. El nivel de seguridad y de cumplimiento de las normas de higiene en estos eventos es tan alto que merecen la continuidad y la plena confianza de los responsables políticos, incluso durante los momentos más álgidos de la pandemia. En cada caso, en cada país, hay una situación diferente y se toman decisiones diferentes.
¿Han seguido adelante los conciertos y espectáculos previstos? ¿En qué condiciones y con qué ánimo?
En mi caso particular, que desgraciadamente coincide con el de la mayoría de mis colegas, fue un desastre absoluto. El estreno alemán de mi ópera Les Bienveillantes en la simbólica ciudad de Nuremberg fue primero aplazado sin fecha, para luego ser abruptamente cancelado por la Ópera de Nuremberg. El daño causado a esta exigente partitura de 3 horas y a la magnífica puesta en escena concebida por Calixto Bieito fue casi irreparable.
Por lo demás, mi otro estreno alemán para 2020, el monodrama Wanderwelle, para la Filarmónica de Colonia y la Orquesta de la WDR, ha quedado aplazado hasta la siguiente temporada. Esperemos que pueda seguir adelante... Con un texto de Händl Klaus basado en los cuadernos de conversación del difunto Beethoven, le rendimos homenaje a él y a sus increíbles Variaciones Diabelli, en las que se basa esta obra para barítono y orquesta.
Otro concierto cancelado fue el estreno alemán en la Elbphilharmonie de Hamburgo de mi obra para conjunto Un souffle en suspens, previsto para diciembre de 2020 con el conjunto muniqués Risonanze erranti y Peter Tilling.
¿En qué proyectos está trabajando actualmente?
En estos momentos estoy terminando un ciclo poético-musical de hora y media inspirado en las 23 constelaciones de Joan Miró. Me anticipé a un posible encargo, que aún no ha llegado, porque desde el principio tuve claro que éste iba a ser mi proyecto de encierro. Y realmente, las extraordinarias exploraciones plásticas de Miró, su polifonía textural, sus líneas, colores y signos atávicos ¡me alimentaron tanto durante aquellos meses difíciles! Puedo decir que me salvaron el espíritu.
En esta serie de 23 gouaches de pequeño formato, Miró refleja tanto su sufrimiento en el exilio forzoso en Francia desde finales de 1936 y su inesperado regreso a España en junio de 1940 como consecuencia de la Segunda Guerra Mundial, como su íntima y urgente necesidad de escapar de ese laberinto infernal que se convertiría en uno de los grandes logros artísticos del siglo XX. En este ciclo, el piano exploratorio de Carmen Martínez-Pierret e Imma Santacreu y los poemas escritos por Arnau Pons inspirados en cada constelación tejerán una "tela de araña" de inesperados sonidos orgánicos y radicales distorsiones espectrales que buscarán una forma emergente, por así decirlo, de nuestra propia experiencia del fabuloso micro-universo de las constelaciones, una especie de exploración de las profundidades de nuestro mundo interior : nuestras sombras y monstruos íntimos en resonancia con las amenazadoras y deformadas figuras humanas y animales tan finamente dibujadas por Miró. Así, a lo largo del ciclo, una serie de objetos domésticos (reglas metálicas, bolas de cristal, pinceles, alicates metálicos, tocadiscos, pelotas de ping-pong, palillos infantiles, cadenas, cajas de música) y elementos naturales (conchas, caracoles de mar, caracoles de tierra, ramitas, placas de nácar, etc.) harán sonar las cuerdas del piano, metamorfoseando el sonido del teclado y transformándolo en un escenario imaginario que acogerá la enigmática presencia del artista/actor.
Después de Constelaciones tengo prevista, si todo va bien, una ópera de cámara basada en un texto de Pier Paolo Pasolini, en compañía de Calixto Bieito. El estreno coincidirá con el centenario del creador italiano, en 2022.
¿Definen nuevos retos en su composición?
El confinamiento y el retraso o aplazamiento de mis proyectos operísticos y orquestales han supuesto una vuelta a la música de cámara, a la introspección profunda, que he tenido que afrontar con un estado de ánimo a veces frágil y no necesariamente optimista, diferente del que tenía hace dos o tres años. El impulso creativo, como siempre, procede de la más íntima necesidad de expresión y del deseo de ver fructificar una idea, dando nacimiento a una forma orgánica y expresiva. Pero me doy cuenta de que mis materiales y gestos musicales han adquirido quizás una expresividad más directa, una dirección más marcada y quizás una cierta dureza de espíritu y aspereza de color, porque han tenido que sobrevivir a un proceso de autocrítica más severo, impulsado sin duda por un cierto pesimismo permanente en mi estado de ánimo. Pero estoy convencido de que el final de la pandemia en 2022 traerá nuevos cambios en este sentido...
Entrevista realizada por Michèle Tosi
