Filippos Raskovic y el Festival Krama

Entrevistas 03.11.2021

Con motivo del dossier dedicado a la escena musical contemporánea de Atenas, el compositor Filippos Raskovic habla de su carrera y su práctica pianística internacional, así como de su colaboración con el escultor Dimitris Tampakis. Y sobre todo, habla de la creación colegiada del festival Krama: un festival transversal, que une la improvisación libre, la clásica contemporánea y el electro experimental, y cuya segunda edición se celebró en el espacio KEIV en septiembre de 2021. 

Tristan Bera : ¿Cómo se convirtió en compositor?
Filippos Raskovic: No recuerdo por qué me hice compositor. Empecé con el piano y me gustaba mucho hacer mi propia música, simplemente empezó. He tocado en grupos de post-metal, hardcore punk, post-rock e improvisación libre antes de descubrir mi pasión por la composición. Estar en bandas ha influido mucho en mi forma de hacer música. 

¿Cómo compararía la enseñanza en Atenas y en la Royal Academy de Londres? ¿Qué buscabas en Londres?
No creo que sea justo ni lógico comparar la educación por ubicación geográfica, ciudad o país. Me mudé a Londres para vivir en una megalópolis que tiene acceso al arte, la música y las culturas de todo el mundo, para poder asistir a eventos culturales a los que nunca habría podido asistir en otro lugar, pero también para hacer amistades, conocer gente de diferentes países y codearme con el intenso ritmo de la ciudad. Por supuesto, en la Royal Academy tuve la suerte de conocer a algunos compañeros músicos increíbles para los que escribir o tocar, pude asistir a clases magistrales y seminarios de grandes compositores y tuve acceso a todos los recursos de la Academia. Fue especialmente mi encuentro con el profesor Rubens Askenar, que se convirtió en un amigo, lo que cambió por completo mi enfoque de la música en general. Sin embargo, en Atenas conocí y toqué con grandes músicos y también tuve profesores increíbles, como Fergus Currie y Christine Tokatlian. Tuve la oportunidad de tocar en muchos grupos y locales, y este contacto que tuve con la escena de Atenas es algo único. Aquí decides tocar el lunes y estás en el escenario el sábado.

¿Cuáles son sus principales influencias en cuanto a géneros, compositores o tipos de interpretación?
Me resulta difícil responder a esta pregunta porque mis influencias cambian constantemente. Recuerdo que me emocioné profundamente la primera vez que escuché la música de Gérard Grisey. También con Salvatore Sciarrino y Carola Bauckholt. Admiro a Tim Hecker, y en este momento estoy escuchando mucho la música de Christian Wallumrød y Yiannis Kyriakides. Por último, me encantan las improvisaciones al piano de Craig Tabborn

¿Cómo describiría la situación de la escena ateniense tanto en la música clásica contemporánea como en la música experimental? ¿Tiene recuerdos de conciertos memorables, por ejemplo, que le hayan dejado huella? ¿Cómo ha evolucionado esta escena desde que se interesó por estas músicas, en cuanto a locales, conciertos o público?
La escena musical de Atenas, y de toda Grecia, es única y muy potente. Se puede encontrar desde el punk y el metal hasta la música electrónica y contemporánea y, por supuesto, la gran variedad de música tradicional griega. Todos estos géneros están disponibles en muchas plataformas y en multitud de lugares y espacios. En cuanto a la música experimental, lo increíble es que en una noche en Atenas se puede asistir a tres o cuatro tipos de conciertos diferentes en lugares como Chimeras, Underflow (local y sello) o el Teatro Embros.
La escena de la música clásica contemporánea se está ampliando, ya que la mayoría de los músicos clásicos (al menos de mi generación) han estudiado en el extranjero y ahora vuelven y crean conjuntos. Sin embargo, según mi experiencia, la escena clásica contemporánea sigue siendo pequeña y está financiada únicamente por instituciones. No tiene la misma envergadura que en otras ciudades europeas, porque aún no ha encontrado su lugar en espacios más independientes y accesibles. Sin embargo, tengo la impresión de que cada año es mejor.

¿Qué diferencias establece entre la música clásica contemporánea y la música experimental? ¿Siguen siendo válidas estas categorías? ¿Le importan o se integran en su práctica general?
Hmm, no soy musicólogo pero haré lo posible por diferenciarlos. La música clásica contemporánea es un término general que se refiere a la música que se ha escrito desde principios del siglo XX y se refiere a la música que perpetúa el canon clásico. La música experimental es, en este sentido, similar, pero es más generalista y no se refiere sólo a la música clásica o a un periodo concreto. La música contemporánea y la experimental comparten zonas grises, y a menudo algo puede formar parte de ambas. Ambos términos siguen siendo válidos y conservan su importancia. Son útiles y utilizados por académicos, musicólogos, comisarios y organizadores de festivales. Pero no me identifico intencionadamente con esta distinción y estos términos no afectan a mi proceso creativo.

¿Puede hablarme de su forma de componer? ¿Influye la práctica de la improvisación en su composición? ¿Suele trabajar según temas específicos?
Mi forma de trabajar cambia de una pieza a otra y también se ha modificado, proyecto tras proyecto, por el contacto con artistas de las artes aplicadas. La improvisación es una herramienta muy importante y poderosa para mí, al igual que el encuentro con los músicos en los talleres, donde grabaré nuestras improvisaciones. También utilizo procesos electroacústicos en mi música, y también compongo piezas acústicas. El ordenador es un aliado indispensable en mi proceso de composición. En mis composiciones, rara vez trabajo sobre un tema específico. Sin embargo, durante mi estrecha colaboración con el escultor Dimitris TampakisSin embargo, en mi estrecha colaboración con el escultor, he explorado la interacción del sonido con el cuerpo resonante de las esculturas.
La práctica de la composición y la improvisación están, para mí, vinculadas y fluctúo entre ambas. Cuando improviso, me concentro principalmente en mi instrumento, el piano. Pero las habilidades necesarias para improvisar ayudan e influyen en mis composiciones. A la inversa, el pensamiento compositivo está siempre presente en mis improvisaciones, o así lo siento.

¿Podría explicar cómo empezó su colaboración con Dimitris Tampakis y en qué se basó para cristalizarla? ¿Cómo funciona su diálogo entre las artes visuales y la música? ¿Se refiere este diálogo a ciertas colaboraciones históricas entre compositores y artistas visuales? ¿Es necesaria la transversalidad para que la música clásica contemporánea se comprenda mejor?
Quedamos para tomar algo y me enseñó los prototipos de algunas de las esculturas que estaba haciendo. Me explicó que pretendía que fueran altavoces, cuerpos resonantes. Se ha previsto que puedan utilizarse en lugar de un altavoz normal. Me enamoré tanto de su trabajo como de esta idea y estuvimos hablando de las posibilidades toda la noche. La pieza se llama Echo Chambers y se desarrolló durante nuestra residencia en Fuga (España). El trabajo con Dimitris es muy natural y orgánico. Echo Chambers es la primera de muchas piezas. Buscamos crear un diálogo a través de la interacción del sonido, su distorsión y amplificación, mediante esculturas en diferentes lugares y contextos. Estamos deseando desarrollar nuestras próximas ideas. Aunque tenemos referencias históricas, sobre todo con otras esculturas sonoras (por ejemplo, nos han fascinado los espejos acústicos, un dispositivo pasivo que sirve para reflejar y enfocar las ondas sonoras), no hacemos referencias directas a ninguna colaboración o pieza histórica.
La transversalidad puede ayudar y dificultar la comunicación de la música. [Es una cuestión de equilibrio.] 

DIMITRIS TAMPAKIS & FILIPPOS RASKOVIC - Echo Chambers from FUGA on Vimeo.

¿Puede decirme algo más sobre su residencia en Fuga, España? ¿Qué has encontrado allí?
Trabajar en Fuga, en el Centro de Arte y Tecnología Etopia, fue una experiencia increíble. Es mágico estar en un espacio de trabajo para concentrarse en una obra y nada más. También tuvimos acceso a todas las herramientas y recursos que ofrece Fuga y a todo el apoyo del equipo. Conocimos a personas y artistas excepcionales. Fue una oportunidad para Dimitris y para mí de crear nuestra primera obra en estas condiciones. 

¿Los diferentes confinamientos tuvieron un impacto en su trabajo? ¿Cómo vivió la ausencia de un escenario durante la pandemia?
Durante el primer encierro, estaba presentando mi máster, así que no sentí el vacío en términos de trabajo (risas). Durante el segundo encierro, sentí que tenía mucho tiempo para desarrollar algunas habilidades técnicas que me faltaban. La falta de conciertos me afectó y al final del periodo tenía cada vez más ganas de volver a tocar en directo o asistir a actuaciones.
El verdadero golpe fue tener que cancelar la edición de 2020 del festival Krama, que se habría celebrado en Comunismo. Sin embargo, conseguimos adaptarlo en una instalación sonora dentro de una exposición de tres días en colaboración con UN P R 18T (Un.Processed Realities)

La fiesta de Krama

En el festival Krama se consigue tender un puente entre la música clásica contemporánea y la música experimental. ¿Puede explicar cómo surgió la idea del festival y cómo se llevó a cabo? ¿Cuál era su proyecto? ¿Fue difícil aplicarlo económicamente o de acuerdo con las medidas sanitarias debido a la covid19?
Krama es un festival de música que pretende presentar una nueva visión de la escena musical independiente ateniense, uniendo la música improvisada con la electrónica experimental y la clásica contemporánea. Para ello, Krama invita a grupos musicales de distintas procedencias a actuar y explorar sus puntos en común a través de un discurso estético alternativo. Krama activa nuevas resonancias entre artistas y bandas independientes de Grecia y Europa. El equipo está formado por Agelos Pascalidis / Agatha, Niki-Danai Chania, Thodoris Triantafillou y yo mismo.
Hace tiempo que sigo la floreciente escena musical de Atenas, que incluye una gran variedad de artistas. Sin embargo, he observado que la mayoría de estas escenas musicales no se fusionan ni se conectan, ni siquiera a través de las redes sociales. Además, la música clásica contemporánea estaba realmente ausente de la escena musical independiente y de los locales. Desde hace mucho tiempo, la idea de Krama -reunir en un mismo festival la electrónica, la improvisación libre y, sobre todo, la música clásica contemporánea- ha estado flotando en mi mente y poco a poco se ha hecho realidad. La ambición del festival es crecer... invitar a artistas, conferenciantes, conjuntos y músicos de Europa a unirse a la escena griega y encargarlos. Así que en 2019 me puse en contacto con Agelos Pascalidis y juntos nos dirigimos a Don Stavrinos (el fundador de Studio Ennia) para organizar la primera edición del festival en el Teatro Embros y traer a Echéa Quartet de Londres. Debido a la pandemia, se ha ajustado la edición de 2020. Sin embargo, en el marco de la instalación sonora en colaboración con UN P R 18T (Un.Processed Realities), Krama pudo invitar a compositores, productores musicales, instrumentistas y bandas a contribuir y producir piezas, muchas de ellas creadas específicamente para la ocasión.

¿Cómo seleccionaron colectivamente la alineación? ¿Podría mencionar a dos participantes, por ejemplo? Asistí personalmente a la presentación de libros sobre el nihilismo de NatCase en el KEIV. Tal vez pueda dar algunos detalles.
La selección y la programación son realizadas por todo el equipo y, en el espíritu del festival, el proceso es democrático. Decidimos el número de artistas por género y encontramos los artistas y grupos que completan el conjunto. Puedo mencionar a dos participantes de la última edición, uno de la escena electro y otro de la improvisación libre. 

NatCase (nacido en Atenas) es un productor de música electrónica y DJ. Crea música de club underground hibridada con estética lo-fi, baterías dinámicas, neotribal sintetizada y componentes sonoros basados en acordes. Su personalidad se desarrolló lenta y gradualmente: después de estudiar piano, teclados y batería, se obsesionó con escuchar punk rock y géneros afines, luego se enchufó psicoacústicamente a la música electrónica y se fascinó con la cultura del baile. Su expresión artística resuena con la situación de los oprimidos, las dificultades para lograr la igualdad y la agonía del equilibrio social. Tras su participación como telonera de la famosa banda griega de punk Γενιά του Χάους (Chaos Generation) en abril de 2009, comenzó a centrarse en el trabajo de DJ. Actualmente, produce y presenta una serie de programas de radio: NatCase Ritual . En 2016, comenzó a producir su propia música y autoeditó tres EP: '9-5', 'Fe', seguido de 'Se|foo|', una serie completada tras una formación en composición electrónica en el CMRC (KSYME ) seguida en 2017-2018. Desde entonces, presenta regularmente su música en directo y ha aparecido en las recopilaciones de los sellos griegos Nutty Wombat y Trial &Error.

Ramdat es un trío de guitarra, saxofón y batería, influenciado por una amplia variedad de géneros, incluyendo el noise rock y el free jazz, que se formó en la primavera de 2016. Un año más tarde comenzaron a actuar como cuarteto con la adición de teclados, lo que ha ampliado su sonido, y ahora tocan como trío o cuarteto. Ramdat ha publicado cuatro discos, el último de los cuales fue FrimFall en enero de 2021, y actualmente está trabajando en un próximo lanzamiento. El objetivo del conjunto es crear una experiencia musical estimulante en cada una de sus actuaciones, a través de un proceso de improvisación centrado en el momento, sin barreras de género y con una actitud inconformista. 

También me gustaría añadir los nombres de Panos Alexiadis y Veronica Moser

¿En qué está trabajando actualmente? ¿Tiene el deseo de realizar otra experiencia de colaboración, con un medio que no sea la escultura, por ejemplo? ¿Cuál es su proyecto o festival ideal?
Recientemente he completado una colaboración con UN P R 18T (Un.Processed Realities) para una exposición en el Centrum de Berlín, titulada "Post European Rage Room" y acabo de tocar sets de improvisación de piano en el festival Monopiano de Flynkigen en octubre. También estoy escribiendo una pieza para contrabajo y flauta dulce grande para Giorgos Kokkinaris y Sylvia Hinz, que se interpretará en el festival Music Bridge, organizado por Stegi Onassis. Por último, espero publicar pronto algunas piezas e improvisaciones ya grabadas. No tengo un proyecto o festival ideal en mente... ¡Hay tantas ideas que me gustaría explorar! Las nuevas ideas y los sueños emocionantes siempre acaban por llegar.

¿Cómo ve el presente y el futuro de la escena musical en Atenas? ¿Hay alguna sensación o iniciativa musical contemporánea de Atenas que le gustaría compartir? ¿Qué necesitaría la escena para desarrollarse?
Cada vez son más los conjuntos que aparecen en Grecia y que hacen un trabajo fantástico organizando maravillosos conciertos, seminarios y clases magistrales. El interés de las generaciones más jóvenes por el estudio de la música contemporánea es cada vez mayor, pero creo que hay una clara falta de plataformas y programas para satisfacer esta curiosidad y este nuevo interés. Y lo que creo que se necesita en Atenas es, en cierto modo, que esta nueva pasión por la creación musical y la interpretación encuentre un hogar, para que los jóvenes músicos puedan nutrirse y esta comunidad pueda crecer. No sé si esta es la mejor manera y ciertamente no tengo la respuesta!

Tristan Bera en Atenas.

Foto © Ilme Vysniauskaite

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